Сучасним мистецтвом прийнято називати всілякі художні течії, що склалися в кінці XX століття. У післявоєнний період воно було своєрідною віддушиною, знову яка навчила людей мріяти і винаходити нові життєві реалії.

Втомившись від кайданів суворих правил минулого, молоді художники вирішили розірвати колишні художні норми. Вони прагнули до створення нових, до цих невідомих практик. Протиставляючи себе модернізму, вони звернулися до нових способів розкриття своїх сюжетів. Художник і концепція, що стоїть за його творінням, стали набагато важливіше самого результату творчої діяльності. Бажання відійти від споруджених рамок призвело до виникнення нових жанрів.

Серед художників почали виникати суперечки про сенс мистецтва і способах його вираження. Що таке мистецтво? Якими засобами можна домогтися непідробного мистецтва? Концептуалісти і мінімалісти знайшли відповідь для себе у фразі: «Якщо мистецтво може бути всім, то може бути і нічим». Для них відхід від звичних образотворчих засобів вилився в проведення різних акцій, хеппененгов і перформансів. У чому ж особливість сучасного мистецтвав 21 столітті? Про це ми і поведемо мову в статті.

Тривимірна графіка в мистецтві XXI століття

Славиться мистецтво 21 століття в 3D графіку. З розвитком комп'ютерних технологій художники отримали доступ до нових засобів створення свого мистецтва. Суть тривимірної графіки полягає в створенні зображень за допомогою моделювання об'єктів в тривимірному просторі. Якщо розглянути більшість форм сучасного мистецтва в 21 столітті, створення тривимірних зображень виявиться найбільш традиційним. 3D графіка має безліч сторін, в прямому сенсі цього слова. Її використовують при створенні програм, ігор, зображень і відео на комп'ютері. Але її також можна помітити прямо під ногами - на асфальті.

Тривимірна графіка перебралася на вулиці кілька десятиліть назад і з цього часу залишається однією з найважливіших форм вуличного мистецтва. Багато художників малюють на своїх «картинах» об'ємні зображення, здатні вразити своєю реалістичністю. Едгар Мюллер, Едуардо Ролер, Курт Уеннер і багато інших сучасні художникисьогодні створюють мистецтво, здатне здивувати будь-кого.

Вуличне мистецтво 21 століття

Раніше заняття долею заможних людей. Воно століттями було приховано стінами спеціальних закладів, куди був закритий доступ непосвяченим. Очевидно, що його грандіозна сила не могла вічно нудитися всередині задушливих будівель. Саме тоді воно вибралося назовні - на сірі похмурі вулиці. Вибралося, щоб змінити свою історію назавжди. Хоча спочатку все не було так просто.

Його народженню були раді не всі. Багато хто вважав його наслідком невдалого досвіду. Деякі і зовсім відмовлялися звертати увагу на його існування. Тим часом дітище продовжувало зростати і розвиватися.

Вуличних художників чекали труднощі на своєму шляху. При всьому своєму різноманітті форм, вуличне мистецтво часом було складно відрізнити від вандалізму.

Почалося все в 70-х роках минулого століття в Нью-Йорку. В цей час вуличне мистецтво знаходилося в зародковому стані. А підтримували його життя Julio 204 і Taki 183. Вони залишали написи в різних місцях свого району, після розширюючи територію поширення. Змагатися з ними вирішили інші хлопці. Тут-то і почалося найцікавіше. Запал і бажання показати себе вилилося в битву креативності. Кожен прагнув відкрити для себе і інших більш оригінальний спосіб залишити свій слід.

У 1981 році вуличного мистецтва вийшло подолати океан. У цьому йому допоміг вуличний художник з Франції BlekleRat. Він вважається одним з перших художників графіті в Парижі. Його також називають батьком трафаретного графіті. Його фірмовим штрихом є малюнки щурів, що відсилає до імені їх творця. Автор зауважив, що після перестановки літер в слові rat (щур) виходить art (мистецтво). Blek одного разу зазначив: «Щур є єдиним вільним тваринам в Парижі, яке поширюється всюди, прямо як вуличне мистецтво».

Самим знаменитим вуличним художником є ​​Бенксі, який називає BlekleRat своїм головним учителем. Злободенні роботи цього талановитого британця здатні змусити замовкнути кожного. У своїх малюнках, створених з використанням трафаретів, він викриває сучасне суспільствоз його пороками. Бенксі властивий традиційний дозволяє залишити ще більше враження на аудиторію. Цікавим є той факт, що до сих пір особистість Бенксі оповита таємницею. Нікому ще не вдалося розкрити загадку особистості художника.

Тим часом мистецтво вулиць стрімко набирає обертів. Колись відкинутий до маргінальних течій, стріт-арт зійшов на підмостки аукціонів. Роботи художників продаються за шалені суми тими, хто колись відмовлявся про нього говорити. Що це, цілюща сила мистецтва або віяння мейнстріму?

форми

На сьогоднішній день виділяють кілька досить цікавих проявів сучасного мистецтва. Огляд самих незвичайних форм сучасного мистецтва буде представлений вашій увазі далі.

Ready-made

Термін ready-made походить від англійського, що означає «готовий». По суті, метою даного напрямку не є створення чогось матеріального. Основною ідеєю тут є те, що в залежності від оточення того чи іншого предмета змінюється сприйняття людиною і самого предмета. Родоначальником течії є Марсель Дюшан. Найбільш знаменитої його роботою є «Фонтан», що представляє собою пісуар з автографом і датою.

анаморфози

Анаморфоз називають техніку створення зображень таким чином, що повністю розгледіти їх можливо лише під певним кутом. Одним з яскравих представників цієї течії є француз Бернард Прас. Він створює інсталяції з використанням того, що попадеться під руку. Завдяки своїй майстерності йому вдається створювати дивовижні твори, побачити які, проте, можна лише під певним кутом.

Біологічні рідини в мистецтві

Одним з найбільш спірних течій в сучасному мистецтві 21 століття є малюнок, написаний людськими рідинами. Часто послідовники даної форми сучасного мистецтва використовують кров і сечу. Колір картин в цьому випадку часто набуває похмурий, лякає вид. Герман Нич, наприклад, використовує кров тварин і сечу. Автор пояснює використання таких несподіваних матеріалів важким дитинством, яке прийшло на час Другої світової війни.

Живопис XX-XXI століття

Коротка історія живопису містить відомості, що кінець XX століття став відправною точкою для багатьох культових митців сучасності. У важкі післявоєнні роки сфера пережила своє переродження. Художники прагнули відкрити нові грані своїх можливостей.

супрематизм

Творцем супрематизму прийнято вважати Казимира Малевича. Будучи головним теоретиком, він проголосив супрематизм способом очищення мистецтва від усього зайвого. Відмовившись від звичних способів передачі зображення, художники прагнули звільнити мистецтво від внехудожественной. Найважливішою роботою в даному жанрі служить знаменитий «Чорний квадрат» Малевича.

Поп-арт

Поп-арт бере свої витоки в США. У повоєнні роки суспільство пережило глобальні зміни. Люди тепер могли собі дозволити більше. Споживання стало найважливішою частиною життя. Людей почали зводити в культ, а продукти споживання - в символи. Джаспер Джонс, Енді Уорхол і інші послідовники течії прагнули використовувати ці символи в своїх картинах.

футуризм

Футуризм був відкритий в 1910 році. Основною ідеєю цієї течії служило прагнення до нового, руйнування рамок минулого. Це прагнення художники зображували за допомогою особливої ​​техніки. Різкі штрихи, напливи, з'єднання і перетину - ознаки футуризму. Найбільш відомими представниками футуризму є Марінетті, Северіні, Карра.

Сучасне мистецтво в Росії XXI століття

Сучасне мистецтво в Росії (21 століття) плавно перетекло з підпільного, «неофіційного» мистецтва СРСР. Молоді художники 90-х шукали нові способи реалізації своїх художніх амбіцій в новій країні. В цей час зародився московський акционізм. Його послідовники кидали виклик минулому і його ідеології. Руйнування кордонів (в прямому і переносному сенсі слова) дозволило зобразити ставлення молодого покоління до ситуації в країні. Сучасне мистецтво 21 століття стало експресивним, лякає, шокує. Таким, від якого так довго закривалося суспільство. Акції Анатолія Осмоловського ( «Маяковський - Осмоловський», «Проти всіх», «Барикада на Великій Нікітській»), руху «ЦІ» ( «ЦІ-текст»), Олега Кулика ( «П'ятачок роздає подарунки», «Шалений Пес або Останнє табу , що охороняється одиноким Цербером »), Авдія Тер-Оганьяна (« Поп-арт ») назавжди змінили історію сучасного мистецтва.

Нове покоління

Слава ПТРК - сучасний художник з Єкатеринбурга. Кому-то його роботи можуть нагадати творчість Бенксі. Однак роботи Слави несуть в собі ідеї та почуття, знайомі тільки російському громадянинові. Одним з найбільш помітних його робіт є акція «Країна можливостей». Художник створив напис з милиць на будівлі занедбаної лікарні Єкатеринбурга. Милиці Слава скуповував у жителів міста, які одного разу ними користувалися. Про акцію художник повідомив на сторінці в соціальної мережі, Доповнивши зверненням до співгромадян.

Музеї сучасного мистецтва

Можливо, коли-то сучасне зображально мистецтво 21 століття здавалося середовищем маргінальної, але сьогодні все більше людей прагнуть долучитися до нової сфері мистецтва. Все більше музеїв відкривають свої двері для нових засобів вираження. Нью-Йорк є рекордсменом в області сучасного мистецтва. Тут же знаходяться два музеї, які є одними з кращих в світі.

Перший - MoMA, що є сховищем полотен Матісса, Дали, Уорхола. Другий - музей Незвичайна архітектура будівлі є сусідами з творіннями Пікассо, Марка Шагала, Кандінського і багатьох інших.

Європа також знаменита своїми чудовими музеями сучасного мистецтва 21 століття. Музей KIASMA в Гельсінкі дозволяє чіпати предмети виставки. Центр в столиці Франції вражає незвичайною архітектурою і роботами художників сучасності. Стеделейкмюсеум в Амстердамі зберігає в своїх стінах найбільші збори картин Малевича. в столиці Великобританії володіє величезною кількістю арт-об'єктів сучасності. Віденський музей сучасного мистецтва має роботами Енді Ворхола та інших талановитих творців сучасності.

Сучасне мистецтво 21 століття (живопис) - загадкове, незрозуміле, чарівне, назавжди змінило вектор розвитку не тільки окремої сфери, а й усього життя людства. Воно відображає і створює сучасність в один і той же час. Постійно змінюючись, мистецтво сучасності дозволяє на мить зупинитися постійно поспішає людині. Зупинитися, щоб згадати про почуття, що криються глибоко всередині. Зупинитися, щоб знову набрати темп і поспішати в вихор подій і справ.

Рейтинг найдорожчих робіт сучасних художників - це конструкція, що говорить про роль і місце художника в історії мистецтва куди менше, ніж про вік і фортеці здоров'я

Правила складання нашого рейтингу прості: по-перше, в розрахунок беруться тільки угоди з роботами нині живих авторів; по-друге, враховуються тільки публічні аукціонні продажі; і по-третє, дотримується правило «один художник - одна робота» (якщо в рейтингу робіт два рекорди належать Джонсу, то залишається тільки найдорожча, а решта в розрахунок не беруться). Ранжування ведеться в перерахунку на долари (за курсом на дату продажу).

1. Джефа Кунса Кролик. 1986. $ 91,075 млн

Чим довше спостерігаєш за аукціонною кар'єрою Джеффа Кунса (1955), тим більше переконуєшся в тому, що для поп-арту немає нічого неможливого. Можна захоплюватися скульптурами Кунса у вигляді іграшок з повітряних куль, а можна вважати їх кічем і несмаком - ваше право. Одного заперечувати не можна: інсталяції Джеффа Кунса коштують шалених грошей.

Джефф Кунс почав свій шлях до слави найуспішнішого в світі нині живе художника в далекому 2007 році, коли його гігантська металева інсталяція «Підвісне сердечко» була куплена за $ 23,6 млн на торгах Sotheby "s. Роботу купила представляє Кунса галерея Ларрі Гагосяна (в пресі писали, що в інтересах українського мільярдера Віктора Пінчука). Галерея набула не просто інсталяцію, а, по суті, витвір ювелірного мистецтва. Нехай робота виконана і не з золота (матеріалом послужила нержавіюча сталь) і розміром вона явно побільше звичайного кулона (скульптура заввишки 2,7 м важить 1 600 кг), але зате має подібне призначення. На виробництво композиції з серцем, покритим десятьма шарами фарби, було витрачено понад шести з половиною тисяч годин. В результаті за ефектне «прикраса» заплатили величезні гроші.

Далі був продаж «Квітки з повітряної кульки» пурпурного кольору за £ 12,92 млн ($ 25,8 млн) на лондонських торгах Christie's 30 червня 2008 року. Цікаво, що сім'ю роками раніше попередні власники «Квітки» придбали роботу за $ 1,1 млн. Нескладно підрахувати, що за цей час її ринкова ціна виросла майже в 25 разів.

Спад на арт-ринку 2008-2009 років дав скептикам привід позлословити про те, що мода на Кунса пройшла. Але вони помилилися: разом з арт-ринком відродився і інтерес до робіт Кунса. Наступник Енді Уорхола на троні короля поп-арту оновив свій персональний рекорд в листопаді 2012 року продажем на Christie's різнобарвною скульптури «Тюльпани» із серії «Торжество» за $ 33,7 млн ​​з урахуванням комісії.

Але «Тюльпани» були «квіточками» в прямому і переносному сенсі. Всього через рік, в листопаді 2013 року, пішла продаж скульптури з нержавіючої сталі «Собака з повітряних куль (помаранчева)»: ціна молотка склала аж $ 58,4 млн! Нечувана сума для нині живе художника. Твір сучасного автора продали за ціною картини Ван Гога або Пікассо. Ось це були вже ягідки ...

З цим результатом Кунс на кілька років запанував на вершині рейтингу нині живих художників. У листопаді 2018 року його ненадовго перевершив Девід Хокні (дивіться другу сходинку нашого рейтингу). Але всього через півроку все повернулося на круги своя: 15 мая 2019 року в Нью-Йорку на торгах післявоєнного і сучасного мистецтва Christie's на продаж виставили хрестоматійну для Кунса скульптуру 1986 року - сріблястого «Кролика» з нержавіючої сталі, що імітує повітряну кульку подібної форми.

Всього таких скульптур Кунс створив 3 жарти плюс один авторський екземпляр. На торги потрапив екземпляр «Кролика» під номером 2 - з колекції культового видавця Сая Ньюхаус, співвласника видавничого дому Conde Nast (журнали Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ і ін.). Сріблястий «Кролик» був куплений «батьком гламуру» Саем Ньюхаус в 1992 році за значну за мірками тих років суму - 1 мільйон доларів. Через 27 років в боротьбі 10 Біддера ціна молотка скульптури 80-кратно перевищила попередню ціну продажу. А з урахуванням комісії Buyer's Premium підсумковий результат склав рекордні для всіх нині живих художників $ 91,075 млн.

2. Девід Хокні Портрет художника. Басейн з двома фігурами. 1972. $ 90 312 500

Девід Хокні (1937) - один з найбільш значущих британських художників ХХ століття. У 2011 році, за результатами опитування тисячі професійних британських художників і скульпторів, Девіда Хокні визнали найвпливовішим британським художником всіх часів. При цьому Хокні обійшов таких метрів, як Вільям Тернер і Френсіс Бекон. Його творчість, як правило, відносять до поп-арту, хоча в ранніх роботах він більше тяжів до експресіонізму в дусі Френсіса Бекона.

Народився і виріс Девід Хокні в Англії, в графстві Йоркшир. Мати майбутнього художника тримала сім'ю в пуританської суворості, а батько, простий бухгалтер, трохи малював на аматорському рівні, заохочував заняття сина живописом. У двадцять з невеликим Девід поїхав до Каліфорнії, де прожив в цілому близько трьох десятків років. У нього і зараз там зберігаються дві майстерень. Хокні зробив героями своїх творів місцевих багатіїв, їх вілли, басейни, залиті каліфорнійським сонцем газони. Одне з найвідоміших його творів американського періоду - картина «Сплеск» - являє собою зображення снопа бризок, що піднявся з басейну слідом за який стрибнув у воду людиною. Щоб зобразити цей сніп, «живе» не більше двох секунд, Хокні працював два тижні. До речі, ця картина в 2006 році була продана на Sotheby's за $ 5,4 млн і якийсь час вважалася найдорожчою його роботою.

Хокні (1937) вже за вісімдесят, але він як і раніше працює і навіть винаходить нові художні прийомиз використанням технічних новинок. Колись він придумав робити величезні колажі з полароїдних знімків, друкував свої роботи на факс-апаратах, а сьогодні художник з натхненням освоює малювання на iPad. Картини, намальовані на планшеті, займають гідне місце на його виставках.

У 2005-му Хокні остаточно повернувся зі Штатів до Англії. Тепер він пише на пленері і в майстерні величезні (часто складаються з декількох частин) пейзажі місцевих лісів і пусток. За словами Хокні, за 30 років, проведених в Каліфорнії, він так відвик від простої зміни пір року, що вона його по-справжньому захоплює і заворожує. Цілі цикли його недавніх робіт присвячені, наприклад, одному і тому ж пейзажу в різні пори року.

У 2018 році ціни на картини Хокні кілька разів пробивали позначку в 10 мільйонів доларів. А 15 листопада 2018 року на Christie's був зареєстрований новий абсолютний рекорд для творчості нині живе художника - $ 90 312 500 за картину «Портрет художника (Басейн з двома фігурами)».

3. ГЕРХАРД РИХТЕР Абстрактна картина. 1986. $ 46,3 млн

живий класик Герхард Ріхтер (1932)займає друге місце в нашому рейтингу. Німецький художник був лідером серед нині живих колег, поки не грянув 58-мільйонний рекорд Джеффа Кунса. Але навряд чи ця обставина може похитнути і без того залізний авторитет Ріхтера на арт-ринку. За підсумками 2012-го річний аукціонний оборот німецького художника поступається тільки аналогічним показникам Енді Уорхола і Пабло Пікассо.

Довгі роки ніщо не віщувало того успіху, який обрушився на Ріхтера зараз. Десятиліттями художник займав скромне місце на ринку сучасного мистецтва і анітрохи не прагнув до слави. Можна сказати, що слава наздогнала його сама. За відправну точку багато хто вважає покупку нью-йоркським музеєм МоМА в 1995 році серії робіт Ріхтера «18 жовтня 1977». Американський музей заплатив $ 3 млн за 15 картин в сірих тонахі незабаром задумався про проведення повноцінної ретроспективи німецького художника. Грандіозна виставка відкрилася шість років по тому, в 2001-му, і з тих пір інтерес до творчості Ріхтера ріс як на дріжджах. З 2004-го по 2008 рік ціни на його живопис виросли втричі. У 2010 році роботи Ріхтера принесли вже $ 76,9 млн, 2011 році, за даними сайту Artnet, твори Ріхтера на аукціонах в сумі заробили $ 200 млн, а в 2012-му (за даними Artprice) - $ 262,7 млн ​​- більше, ніж роботи будь-якого іншого нині живе художника.

У той час як, наприклад, у Джаспера Джонса приголомшливий успіх на торгах супроводжує в основному тільки ранніх робіт, для творів Ріхтера таке різке поділ не характерно: попит однаково стійкий на речі різних творчих періодів, яких в кар'єрі Ріхтера було безліч. За останні шістдесят років цей художник спробував себе практично у всіх традиційних живописних жанрах - портреті, пейзажі, Марині, ню, натюрморті і, звичайно, абстракції.

Історія аукціонних рекордів Ріхтера почалася з серії натюрмортів «Свічки». 27 фотореалістичних зображень свічок на початку 1980-х, в період їх написання, коштували всього по 15 тисяч німецьких марок ($ 5 800) за роботу. Але «Свічки» все одно ніхто не купив на їх першій виставці в галереї Макса Хецлера в Штутгарті. Тоді тема картин була названа старомодною; сьогодні ж «Свічки» вважають роботами на всі часи. І стоять вони мільйони доларів.

У лютому 2008 року «Свіча»,написана в 1983 році, була несподівано куплена за £ 7,97 млн ​​($ 16 млн). Цей персональний рекорд протримався три з половиною роки. потім в жовтні 2011 рокуще одна «Свічка» (1982)пішла з молотка на Christie's вже за £ 10,46 млн ($ 16,48 млн). З цим рекордом Герхард Ріхтер вперше увійшов до трійки найуспішніших сучасних художників, зайнявши своє місце за Джаспером Джонсом і Джеффом Кунсом.

Далі почався переможний хід «Абстрактних картин» Ріхтера. Подібні твори художник пише в унікальній авторській техніці: він завдає на світлий фон суміш простих фарб, а потім за допомогою довгого скребка розміром з автомобільний бампер розмазує їх по полотну. При цьому виходять хитромудрі кольорові переходи, плями і смуги. Розгляд поверхні його «Абстрактних картин» подібно розкопкам: на них сліди різноманітних «фігур» проглядають крізь розриви численних барвистих шарів.

9 листопада 2011 рокуна аукціоні сучасного і післявоєнного мистецтва Sotheby's масштабна «Абстрактна картина (849-3)» 1997 року пішла з молотка за $ 20,8 млн (£ 13,2 млн). А через півроку, 8 травня 2012 рокуна торгах післявоєнного і сучасного мистецтва Christie's в Нью-Йорку «Абстрактна картина (798-3)» 1993 року пішла за рекордні $ 21,8 млн(З урахуванням комісії). Через п'ять місяців - знову рекорд: «Абстрактна картина (809-4)»з колекції рок-музиканта Еріка Клептона 12 жовтня 2012 року на торгах Sotheby's в Лондоні пішла з молотка за £ 21,3 млн ($ 34,2 млн). Бар'єр в 30 млн був узятий Ріхтером з такою легкістю, ніби мова йде не про сучасного живопису, а про шедеврах, яким вже років сто - не менше. Хоча у випадку з Ріхтером схоже, що включення в пантеон «великих» відбулося вже за життя художника. Ціни на роботи німця продовжують рости.

Наступний рекорд Ріхтера належав фотореалістичному роботі - пейзажу «Соборна площа, Мілан (Domplatz, Mailand)» 1968 року. Робота була продана за 37,1 млнна аукціоні Sotheby's 14 травня 2013 року. Вид одній з найкрасивіших площ був написаний німецьким художником в 1968 році на замовлення компанії Siemens Electro, спеціально для міланського офісу компанії. На момент свого написання це була найбільша фігуративне твір Ріхтера (розміром майже три на три метри).

Рекорд «Соборній площі» протримався майже два роки, поки 10 лютого 2015 гойого не перебити «Абстрактна картина» ( 1986): ціна молотка досягла £ 30,389 млн ($ 46,3 млн). Виставлена ​​на торги Sotheby's «Абстрактна картина" розміром 300,5 × 250,5 см - одна з перших масштабних робіт Ріхтера в його особливій авторській техніці соскребания шарів фарби. В останній раз в 1999 році ця «Абстрактна картина" була куплена на аукціоні за $ 607 тис. (З цього року і аж до поточного продажу робота експонувалася в Музеї Людвіга в Кельні). На торгах 10 лютого 2015 року якийсь американський клієнт аукціонними кроками по £ 2 млн дійшов до ціни молотка в $ 46,3 млн. Тобто. З 1999 року робота виросла в ціні більш ніж в 76 разів!

4. Цуй ЖУЧЖО «Великі засніжені гори». 2013. $ 39,577 млн.

Довгий час ми не дуже уважно стежили за розвитком ситуації на китайському арт-ринку, не бажаючи перевантажувати наших читачів зайвою кількістю інформації про «Не нашому» мистецтві. За винятком дисидента Ай Вейвея, не настільки навіть дорогого, як резонансного художника, китайські автори здавалися нам дуже численними і далекими від нас, щоб вникати в те, що у них там на ринку відбувається. Але статистика, як то кажуть, дама серйозна, і вже якщо ми говоримо про найуспішніших нині живих авторів в світі, то без розповіді про видатних представників контемпорарі-арту Піднебесної все ж не обійтися.

Почнемо з китайського художника Цуй Жучжо (Cui Ruzhuo). Художник народився в 1944 році в Пекіні, з 1981 по 1996 рік жив в США. Після повернення в Китай став викладати в Національній Академії мистецтв. Цуй Жучжо переосмислює традиційну китайську манеру малювання тушшю і створює величезні полотна-сувої, які так люблять підносити в якості подарунків один одному китайські бізнесмени і чиновники. На Заході про нього відомо вкрай мало, хоча, мабуть, багато хто пам'ятає історію з сувоєм за $ 3,7 млн, який помилково викинули, прийнявши за сміття, прибиральники гонконгського готелю. Так ось - це був сувій саме Цуй Жучжо.

Цуй Жучжо вже за 70, а ринок його робіт процвітає. Понад 60 робіт цього художника переступили планку в $ 1 млн. Втім, успіх його твори мають поки лише на китайських аукціонах. Рекорди Цуй Жучжо дійсно справляють враження. спочатку його «Пейзаж в снігу»на торгах Poly Auction в Гонконзі 7 квітня 2014 рокудосяг ціни молотка в 184 мільйони гонконгських доларів ( $ 23,7 млн ​​США).

Рівно через рік, 6 квітня 2015 го,на спеціальному аукціоні Poly Auction в Гонконзі, присвяченому виключно роботам Цуй Жучжо, серія «Великий сніговий пейзаж гірського Цзяннань»(Цзяннань - історична область в Китаї, що займає правий берег нижньої течії Янцзи) З восьми пейзажів тушшю на папері досягла ціни молотка 236 мільйонів гонконгських доларів ( $ 30,444 млн США).

Рік по тому історія знову повторилася: на соло-аукціоні Цуй Жучжо, що проводився Poly Auctions в Гонконзі 4 квітня 2016 рокуполиптих з шести частин «Великі засніжені гори» 2013 року досяг ціни молотка (з урахуванням комісії аукціонного дому) 306 мільйонів гонконгських доларів ($ 39,577 млн ​​США). Поки що це абсолютний рекорд серед азіатських нині живих художників.

Як вважає арт-дилер Джонсон Чан, вже 30 років працює з китайським сучасним мистецтвом, в наявності безумовне бажання підняти ціни на роботи цього автора, проте все це відбувається на такому ціновому рівні, де досвідчені колекціонери навряд чи захочуть щось купувати. «Китайці хочуть підняти рейтинги своїх художників, піднімаючи ціни на їх роботи на великих міжнародних аукціонах на кшталт того, що організував Poly в Гонконзі, проте не варто сумніватися в тому, що ці рейтинги повністю сфабриковані», - коментує Джонсон Чан останній рекорд Цуй Жучжо.

Це, звичайно, тільки думка одного окремо взятого дилера, а у нас в наявності реальний рекорд, записаний в усі бази даних. Так що будемо з ним рахуватися. Сам Цуй Жучжо, судячи з його висловлювань, далекий від скромності Герхарда Ріхтера, коли справа стосується його аукціонних успіхів. Схоже, що ця гонка за рекордами його всерйоз захоплює. «Я сподіваюся, що за найближчі 5-10 років ціни на мої роботи перевершать ціни на роботи західних майстрів на кшталт Пікассо і Ван Гога. Це китайська мрія », - каже Цуй Жучжо.

5. Джаспер Джонс Прапор. 1983. $ 36 млн

Третє місце в рейтингу сучасних художників належить американцеві Джасперу Джонсу (1930). Поточна рекордна ціна для робіт Джонса - $ 36 млн. Стільки заплатили за його знаменитий «Прапор»на торгах Christie "s 12 листопада 2014 року.

Серія картин «прапорів», розпочата Джонсом в середині 1950-х років, відразу після повернення художника з армії, стала однією з центральних у його творчості. Художника ще в молодості зацікавила ідея реді-мейд, перетворення повсякденного об'єкта на витвір мистецтва. Однак у Джонса прапори не були справжніми, вони були написані маслом на полотні. Таким чином, твір мистецтва набувало властивості речі зі звичайного життя, воно було в один і той же час і зображенням прапора і власне прапором. Серія робіт з прапорами принесла Джасперу Джонсу світову популярність. Але не менш популярні і його абстрактні роботи. Довгі роки список найдорожчих робіт, складений за вищенаведеними правилами, очолював його абстрактний «Фальстарт». До 2007 року цей дуже яскравий і декоративний полотно, написаний Джонсом в 1959 році, вважався володарем практично недоступною для нині живе художника (нехай і прижиттєвого класика) ціни - $ 17 млн. Стільки за нього заплатили в золотом для арт-ринку 1988 році.

Цікаво, що стаж Джаспера Джонса як носія рекорду ні безперервним. У 1989 році його перебила робота колеги по цеху Віллема де Кунінга: двометрова абстракція «Змішання» була продана на Sotheby "s за $ 20,7 млн. Джасперу Джонсу довелося посунутися. Але через 8 років, в 1997 році, де Кунінг помер, і« фальстарт »Джонса знову зайняв перший рядок аукціонного рейтингу нині живих художників майже на 10 років.

Але в 2007 році все змінилося. Рекорд «фальстарт» спочатку затьмарили роботи молодих і амбітних Деміена Херста і Джеффа Кунса. Потім була рекордна продаж за $ 33,6 млн картини «Сплячий інспектор по допомозі» пензля Лусіена Фрейда (нині вже покійного, а значить, не бере участі в цьому рейтингу). Далі почалися рекорди Герхарда Ріхтера. Загалом, поки що з поточним рекордом в 36 млн Джаспер Джонс, один з метрів американського післявоєнного мистецтва, що працює на стику нео-дадаїзму, абстрактного експресіонізму і поп-арту, знаходиться на почесному третьому місці.

6. ЕД РУШЕЙ Smash. 1963. $ 30,4 млн

Раптовий успіх картини «Smash» пензля американського художника Едварда Руше (р. 1937)на торгах Christie's 12 листопада 2014вивів цього автора в число найдорожчих сучасних художників. Попередня рекордна ціна на роботи Еда Руше (часто прізвище Ruscha вимовляють по-російськи як «Руша», проте правильне вимова - Рушей) становила «всього» $ 6,98 млн: стільки заплатили за його полотно «Палаюча бензоколонка» в 2007 році. Сім років по тому його «Smash»при естімейті $ 15-20 млн досяг ціни молотка $ 30,4 млн. Очевидно, що ринок робіт цього автора вийшов на новий рівень - не дарма його роботами прикрашає Білий дімБарак Обама, а сам Ларрі Гагосян виставляє його в своїх галереях.

Ед Рушей ніколи не прагнув в післявоєнний Нью-Йорк з його повальним захопленням абстрактним експресіонізмом. Замість цього на протязі більше 40 років він шукав натхнення в Каліфорнії, куди переїхав з Небраски в віці 18 років. Художник стояв біля витоків нової течії в мистецтві, що отримав назву поп-арт. Разом з Уорхолом, Ліхтенштейном, Уейном Тібо і іншими співаками масової культури Едвард Рушей в 1962 році взяв участь у виставці «Нове зображення звичайних речей» в Музеї Пасадени, що стала першою музейною експозицією американського поп-арту. Втім, сам Ед Рушей не любить, коли його творчість відносять до поп-арту, концептуалізму або якомусь іншому течією в мистецтві.

Його унікальний стиль називають «текстової живописом». З кінця 1950-х Ед Рушей почав малювати слова. Так само, як для Уорхола твором мистецтва стала банка супу, для Еда Руше такими стали звичайні слова і фрази, взяті їм чи то з рекламного щита або упаковки в супермаркеті, чи то з титрів фільму (Голлівуд завжди був у Руше «під боком», і на відміну від багатьох колег-художників Рушей поважав «фабрику мрій»). Слова на його полотнах набувають властивостей тривимірних об'єктів, це справжні натюрморти з слів. При погляді на його полотна першим в голову приходить візуальне і звукове сприйняття намальованого слова, і вже після - смислове значення. Останнє, як правило, не піддається однозначної дешифрування; обрані Руше слова і фрази можна трактувати по-різному. Те ж яскраво-жовте слово «Smash» на глибокому синьому тлі може сприйматися як агресивний заклик розбити вщент щось або когось; як самотнє прикметник, вирване з контексту (частина якогось газетного заголовка, наприклад), або ж просто як окреме слово, спіймана в урбаністичному потоці візуальних образів. Ед Рушей насолоджується цією невизначеністю. «Я завжди глибоко поважав дивні, незрозумілі речі ... Пояснення в якомусь сенсі вбивають річ», - сказав він в одному з інтерв'ю.

7. КРІСТОФЕР ВУЛ Без назви (RIOT). 1990. $ 29,93 млн

американський художник Крістофер Вул(1955) вперше увірвався в рейтинг нині живих художників в 2013 році - після продажу роботи «Апокаліпсис сьогодні» за $ 26,5 млн. Цей рекорд відразу поставив його в один ряд з Джаспером Джонсом і Герхардом Ріхтером. Сума цієї історичної угоди - більше $ 20 млн - здивувала багатьох, оскільки до неї ціни на роботи художника не перевищували $ 8 млн. Однак бурхливе зростання ринку робіт Крістофера Вула до того моменту був уже очевидний: в послужному списку митця було 48 аукціонних угод на суми понад $ 1 млн, причому 22 з них (майже половина) відбулися в 2013 році. Два роки по тому кількість робіт Кріса Вула, проданих дорожче $ 1млн, досягло 70, і новий персональний рекорд не змусив себе чекати. на торгах Sotheby's 12 травня 2015 робота «Без назви (RIOT)»була продана за $ 29,93 млнз урахуванням Buyer's Premium.

Крістофер Вул відомий головним чином своїми масштабними роботами з зображеннями чорних літер на білих алюмінієвих листах. Саме вони, як правило, встановлюють рекорди на аукціонах. Все це речі кінця 1980-х - початку 1990-х. Як свідчить легенда, одного разу Вул прогулювався ввечері по Нью-Йорку і раптом побачив на новому білому вантажівці графіті чорними літерами - слова sex і luv. Це видовище так його вразило, що він тут же повернувся в майстерню і написав свою версію з цими ж словами. На дворі був 1987 рік, і подальші пошуки художником слів і фраз для своїх «літерних» робіт відображають суперечливий дух цього часу. Це і заклик «продай будинок, продай машину, продай дітей», взятий Вулом з фільму «Апокаліпсис сьогодні», і слово «FOOL» ( «дурень») великими літерами, і слово «RIOT» ( «повстання»), часто зустрічалося в газетних заголовках того часу.

Слова і фрази Вул наносив на алюмінієві листи за допомогою трафаретів алкідними або емалевими фарбами, навмисно залишаючи патьоки, сліди від трафаретів і інші свідоцтва творчого процесу. Слова художник ділив так, щоб глядач не відразу розумів сенс. Спочатку ти бачиш тільки скупчення букв, т. Е. Сприймаєш слово як візуальний об'єкт, і тільки потім вчитуватися і розшифровувати сенс фрази або слова. Вул використовував шрифт, який був в ходу у американських військових після Другої світової війни, що посилює враження наказу, директиви, гасла. Ці «літерні» роботи сприймаються як частина міського ландшафту, як нелегальне графіті, яка порушила чистоту поверхні якогось вуличного об'єкта. Ця серія робіт Крістофера Вула визнана однією з вершин лінгвістичної абстракції, а тому і оцінюється настільки високо любителями сучасного мистецтва.

8. ПІТЕР Дойг Роуздейл. 1991. $ 28,81 млн

британець Пітер Дойг(1959), хоч він і відноситься до покоління постмодерністів Кунса і Херста, обрав для себе цілком традиційний жанр пейзажу, який тривалий час був не в фаворі у передових художників. Своєю творчістю Пітер Дойг відроджує згаслий було інтерес публіки до фігуративного живопису. Його роботи високо оцінюють як критики, так і неспеціалісти, і свідчення тому - стрімке зростання цін на його твори. Якщо на початку 1990-х його пейзажі коштували кілька тисяч доларів, то тепер рахунок йде на мільйони.

Творчість Дойга часто називають магічним реалізмом. На основі реальних пейзажів він створює фантазійні, загадкові і часто похмурі образи. Художник любить зображати покинуті людьми об'єкти: напівзруйновану будівлю споруди Ле Корбюзьє посеред лісу або пусте біле каное на гладі лісового озера. Крім природи і уяви, Дойга надихають фільми жахів, старі листівки, фотографії, любительські відеозаписи та ін. Картини Дойга барвисті, складні, декоративні і не провокаційні. Такий живописом володіти приємно. Підігріває інтерес колекціонерів ще і невисока продуктивність автора: проживає в Тринідаді художник створює не більше десятка картин на рік.

На початку 2000-х окремі пейзажі художника продавалися за кілька сотень тисяч доларів. Тоді ж роботи Дойга потрапили в галерею Саатчі, на бієнале в Музеї Уітні і в колекцію МоМА. У 2006 році була подолана аукціонна планка в $ 1 млн. А в наступному році стався несподіваний прорив: робота «Біле каное», запропонована на Sotheby's 7 лютого 2007 року з естімейтом $ 0,8-1,2 млн, в п'ять разів перевищила попередню оцінку і була продана за £ 5,7 млн ​​($ 11,3 млн). На той момент це була рекордна ціна для робіт нині живе європейського художника.

У 2008-му пройшли персональні виставки Дойга в галереї Тейт і в Музеї сучасного мистецтва в Парижі. Багатомільйонні цінники для робіт Дойга стали нормою. Персональний рекорд Пітера Дойга останнім часом став оновлюватися по кілька разів на рік - ми тільки і встигаємо, що міняти картинку і місце цього художника в нашому рейтингу нині живих авторів.

На сьогоднішній день найдорожча робота Пітера Дойга - сніжний пейзаж «Роуздейл» ( "Rosedale") 1991 року. Що цікаво, рекорд був встановлений нема на Sotheby's або Christie's, а на торгах сучасного мистецтва аукціонного дому Phillips. Це сталося 18 травня 2017 року. Вид засніженого Роуздейл, одного з районів Торонто, був проданий телефонному покупцеві за $ 28,81 млн. Це приблизно на 3 мільйони вище попереднього рекорду ($ 25,9 млн за роботу «Заклопотані трясовиною»). Полотно «Роуздейл» брало участь в ключовий виставці Дойга в галереї Whitechapel в Лондоні в 1998 році, і в цілому ця робота для ринку була свіжою, а тому рекордна ціна цілком заслужена.

9. Френк СТЕЛЛА Мис сосен. 1959. $ 28 млн

Френк Стелла (Frank Stella) - яскравий представник постжівопісной абстракції і мінімалізму в мистецтві. На певному етапі його відносять до представників стилю жорстких контурів (hard edge painting). На перших порах Стелла протиставив строгу геометричність, аскетичну монохромність і структурованість своїх картин спонтанності і хаотичності полотен абстрактних експресіоністів начебто Джексона Поллока.

В кінці 1950-х років художник був помічений відомим галеристом Лео Кастеллі і вперше удостоївся виставки. На ній він представив так звані «Чорні картини» - полотна, зафарбовані паралельними чорними лініями з тонкими проміжками незафарбовані полотна між ними. Лінії складаються в геометричні форми, які схожі на оптичні ілюзії, Ті самі картинки, які мерехтять, рухаються, закручуються, створюють відчуття глибокого простору, якщо довго на них дивитися. Тему паралельних ліній з тонкими розділовими смужками Стелла продовжив в роботах на алюмінії і міді. Змінювалися фарби, мальовнича основа і навіть форма картин (серед інших виділяються роботи в формі букв U, T, L). Але головний принцип його живопису як і раніше складався в чіткості контура, монументальності, простій формі, монохромности. У наступні десятиліття Стелла пішов від такої геометричной живопису в сторону плавних, природних формі ліній, а від однотонних картин - до яскравих і різноманітним колірним переходам. У 1970-ті Стеллу полонили величезні лекала, за допомогою яких фарбують кораблі. Художник використав їх для величезних картин з елементами ассамбляжа - включав в роботи шматки сталевих труб або дротяної сітки.

У своїх ранніх інтерв'ю Френк Стелла відверто розмірковує щодо вкладених в свої роботи смислів, точніше, щодо їх відсутності: «Те, що ти бачиш, є те, що ти бачиш». Картина є сама по собі об'єкт, а не відтворення чого-небудь. «Це пласка поверхня з фарбою на ній і нічого більше», - говорив Стелла.

Що ж, підписана Френком Стеллою, ця «поверхню з фарбою на ній» сьогодні може коштувати мільйони доларів. Вперше в рейтинг нині живих художників Френк Стелла потрапив в 2015 році з продажем роботи «Перехід Делавера» (1961) за $ 13,69 млн із урахуванням комісії.

Через чотири роки, 15 травня 2019 року новий рекорд встановила рання (1959 року) робота «Мис сосен»: ціна молотка склала понад $ 28 млн з урахуванням комісії. Це одна з 29 «чорних картин» - тих самих, з якими Стелла дебютував на своїй першій виставці в Нью-Йорку. Випускнику Прінстонського університету Френку Стеллі тоді було 23 роки. Грошей на масляну фарбу для художників йому часто не вистачало. Молодий художник підробляв ремонтними роботами, йому дуже сподобалися чисті кольори малярської фарби, і тоді виникла ідея працювати цією фарбою на полотні. Чорної емалевої фарбою Стелла пише паралельні смуги, залишаючи тонкі лінії незагрунтовану полотна між ними. Причому пише він без лінійок, на око, без попереднього начерку. Стелла ніколи не знав, скільки саме чорних ліній вийде на конкретній картині. Наприклад, на картині «Мис сосен» їх вийшло 35. Назва роботи відсилає до назви мису в затоці Массачусетс - Point of pines. На початку ХХ століття на ньому був великий парк атракціонів, а сьогодні це один з районів міста Ревір.

10. Есітомо НАРА Ніж за спиною. 2000. $ 24,95 млн

Есітомо Нара (1959) - одна з ключових фігур японського нео-поп-арту. Японського - тому що, незважаючи на глобальну популярність і довгі роки роботи за кордоном, його творчість як і раніше відрізняє виражена національна ідентичність. Улюблені персонажі Нари - дівчата і собаки в стилі японських коміксів манга і аніме. Придумані ним образи вже багато років як «пішли в народ»: їх друкують на футболках, роблять з ними сувеніри та різний «Мерч». Народженого в бідній сім'ї, далеко від столиці, його не тільки люблять за талант, а й цінують як людину, яка зробила себе. Художник працює швидко, експресивно. Відомо, що деякі його шедеври були виконані буквально за ніч. Картини і скульптури Есітомо Нари, як правило, дуже лаконічні, а то і скупі в виразних засобах, Але завжди несуть сильний емоційний заряд. Дівчатка-підлітки у Нари часто дивляться на глядача з недобрим прищуром. В їхніх очах - зухвалість, виклик і агресія. В руках - то ніж, то сигарета. Є думка, що зображені перверсії поведінки - це реакція на давить суспільну мораль, різні табу, і принципи виховання, прийняті у японців. Майже середньовічна строгість і сором заганяють проблеми всередину, створюють грунт для відкладеного емоційного вибуху. «Ніж за спиною» якраз ємко відображає одну з головних ідей художника. У цій роботі є і ненависний погляд дівчинки, і рука, загрозливо заведена за спину. До 2019 року картини і скульптури Есітомо Нара вже не раз брали позначку в мільйон, а то і кілька мільйонів. Але двадцять мільйонів - вперше. Нара - один з найвідоміших у світі художників японського походження. А тепер і найдорожчий з нині живих. 6 жовтня 2109 року на Sotheby's в Гонконзі він відібрав цей титул у Такасі Муракамі і помітно обійшов 90-річну авангардисткою Яеї Кусама (максимальні аукціонні ціни на її картини вже наближаються до $ 9 млн).

11. Цзен Фаньчжи Таємна вечеря. 2001. $ 23,3 млн

На торгах Sotheby's в Гонконзі 5 жовтня 2013року масштабне полотно "Таємна вечеря"пекінського художника Цзен Фаньчжи (1964)було продано за рекордну суму 160 мільйонів гонконгських доларів - $ 23,3 млнСША. Підсумкова вартість роботи Фаньчжи, написаної, звичайно ж, під впливом творчості Леонардо да Вінчі, виявилася вдвічі вищою за попередню оцінку близько $ 10 млн. Попередній ціновий рекорд Цзен Фаньчжи - $ 9,6 млн, Заплачених на гонконгських торгах Christie's в травні 2008 року за роботу «Серія Маска. 1996. No. 6 ».

«Таємна вечеря» - найбільше (2,2 × 4 метри) полотно Фаньчжи в серії «Маски», що охоплює період з 1994 по 2001 рік. Цикл присвячений еволюції китайського суспільства під впливом економічних реформ. Впровадження урядом КНР елементів ринкової економіки призвело до урбанізації і роз'єднання китайців. Фаньчжи зображує мешканців сучасних китайських мегаполісів, яким доводиться боротися за місце під сонцем. всім відома композиціяфрески Леонардо в прочитанні Фаньчжи набуває зовсім інший зміст: місце дії перенесено з Єрусалиму до класної кімнати китайської школи з типовими дошками ієрогліфів на стінах. «Христос» і «апостоли» перетворилися в піонерів з червоними краватками, і тільки «Іуда» носить золотий краватку - це метафора західного капіталізму, що проникає і руйнує звичний уклад життя в соціалістичній країні.

Роботи Цзен Фаньчжи стилістично близькі європейському експресіонізму і настільки ж драматичні. Але при цьому вони сповнені китайської символіки і специфіки. Ця різнобічність привертає до творчості художника як китайських, так і західних колекціонерів. Пряме підтвердження тому - провенанс «Таємної вечері»: робота була виставлена ​​на торги відомим колекціонером китайського авангарду 1980-х - початку 1990-х - бельгійським бароном Гі Улленсом.

12. РОБЕРТ Райман Міст. 1980. $ 20,6 млн

на торгах Christie's 13 травня 2015абстрактна робота «Міст» 85-річного американського художника Роберта Райман(Robert Ryman) була продана за $ 20,6 млнз урахуванням комісії - в два рази дорожче нижнього естімейт.

Роберт Райман(1930) не відразу зрозумів, що хоче стати художником. У віці 23 років він переїхав до Нью-Йорк з Нешвілла (штат Теннесі), бажаючи стати джазовим саксофоністом. А поки він не став знаменитим музикантом, довелося підробляти охоронцем в МоМА, де відбулося його знайомство з Солом Ле Віттом і Деном Флавіньо. Перший працював в музеї нічним секретарем, а другий охоронцем і ліфтером. Під враженням від побачених ним в МоМА робіт абстрактних експресіоністів - Ротко, Де Кунінга, Поллока і Ньюмана - Роберт Райман в 1955 році сам зайнявся живописом.

Райман часто зараховують до мінімалістів, проте він вважає за краще називатися «реалістом», оскільки його не цікавить створення ілюзій, він лише демонструє якості використовуваних їм матеріалів. Більшість його робіт написані фарбами всіх можливих відтінків білого кольору(Від сірого або жовтуватого - до сліпуче білого) на основі лаконічною квадратної форми. За свою кар'єру Роберт Райман перепробував безліч матеріалів і технік: писав маслом, акрилом, казеїном, емаллю, пастеллю, гуашшю і т. Д. На полотні, стали, плексигласу, алюмінії, папері, гофрокартоне, вінілі, шпалерах і ін. Його друг, професійний реставратор Оррін Райлі, консультував його щодо їдкості тих матеріалів, що йому приходило в голову використовувати. Як сказав одного разу художник, «у мене ніколи не виникає питання, щописати, головне - якписати ». Вся справа в текстурі, в характері мазків, в кордоні між барвистою поверхнею і краями основи, а також в співвідношенні роботи і стіни. З 1975 року особливим елементом його творів стають кріплення, дизайн яких Райман розробляє сам і навмисне залишає їх видимими, підкреслюючи його роботи «настільки ж реальні, наскільки реальними є стіни, на яких вони висять». Райман воліє давати роботам «імена», але не «назви». «Ім'я» - це те, що допомагає відрізняти одну роботу від іншої, і Райман часто дає імена своїх творів по маркам фарби, компаніям і т.д., а «назва» претендує на якісь алюзії і глибоко приховані смисли, наявність яких в своїх роботах художник регулярно заперечує. Нічого, крім матеріалу і техніки, не має значення.

13. Демієн Херст Сонна весна. 2002. $ 19,2 млн

англійському художникові Деміену Херста (1965)судилося першим замахнутися на перше місце цього рейтингу в суперечці з живим класиком Джаспером Джонсом. Вже згадана робота «Фальстарт» могла б ще довго залишатися непотоплюваним лідером, якби 21 червня 2007 рокуінсталяція на той момент 42-річного Херста «Сонна весна»(2002) була продана на Sotheby "s за £ 9,76 млн, тобто за $ 19,2 млн. Робота, до слова, має досить незвичайний формат. З одного боку, це шафа-вітрина з муляжами таблеток (6 136 пігулок), по суті, класична інсталяція. А з іншого - вітрина ця зроблена плоскою (10 см в глибину), забрана в раму і вішається на стіну, як плазмова панель, цілком забезпечуючи тим самим комфорт володіння, властивий картинам. У 2002 році сестра цієї інсталяції, «Сонна зима», пішла за $ 7,4 млн, більш ніж в два рази дешевше. Різницю в ціні хтось «пояснював» тим, що у зими таблетки більш бляклі. Але зрозуміло, що дане пояснення абсолютно безпідставно, бо механізм ціноутворення для подібних речей вже не пов'язаний з їх декоративністю.

У 2007-му багато хто визнав Херста автором найдорожчої роботи серед художників сучасності. Питання, правда, з розряду «дивлячись як рахувати». Справа в тому, що Херст продавався за дорогі фунти, а Джонс за нині подешевшали долари, та ще й двадцять років тому. Але навіть якщо вважати за номіналом, без урахування 20-річної інфляції, то в доларах дорожче була робота Херста, а в фунтах - Джонса. Ситуація складалася прикордонна, і кожен сам був вільний вирішувати, кого вважати найдорожчим. Але протримався Херст на першому місці не так вже й довго. У тому ж 2007 році його змістив з першого місця Кунс зі своїм «Підвісним сердечком».

Якраз напередодні глобального спаду цін на сучасне мистецтво Херст зробив безпрецедентний для молодого художника починання - соло-аукціон своїх робіт, який відбувся 15 вересня 2008 року в Лондоні. Звістка про оголошений напередодні банкрутство банку Lehman Brothers анітрохи не зіпсувала апетиту любителям сучасного мистецтва: із запропонованих Sotheby's 223 робіт нових власників не знайшли лише п'ять (одним з покупців, до слова, був Віктор Пінчук). твір, добуток "Золоте теля"- величезне опудало бика у формальдегіді, увінчане золотим диском, - принесло аж £ 10,3 млн ($ 18,6 млн). Це кращий результат Херста, якщо вважати в фунтах (в тій валюті, в якій проводилася операція). Однак ми ведемо ранжування в перерахунку на долари, тому (хай вибачить нас «Золотий телець») кращою продажем Херста ми будемо вважати все ж «Сонну весну».

З 2008 року продаж рівня «Сонної весни» і «Золотого тільця» у Херста не було. Свіжі рекорди 2010-х - на роботи Ріхтера, Джонса, Фаньчжи, Вула і Кунса - посунули Деміена на шосту сходинку нашого рейтингу. Але не будемо виносити категоричного судження про закінчення ери Херста. На думку аналітиків, Херст як «суперстар» вже увійшов в історію, а значить, купувати його будуть ще дуже довго; втім, найбільша цінність в майбутньому прогнозується для творів, створених в найбільш новаторський період його кар'єри, тобто в 1990-х.

14. Мауріціо Каттелана Him. 2001. $ 17,19 млн

Італієць Мауріціо Каттелана (1960) прийшов в мистецтво після того, як попрацював охоронцем, кухарем, садівником і дизайнером меблів. Автор-самоучка став всесвітньо відомий завдяки своїм іронічним скульптурам і інсталяцій. Він обрушував метеорит на Папу Римського, перетворював дружину замовника в мисливський трофей, продірявив підлогу в музеї старих майстрів, показував гігантський середній палець фондовій біржі в Мілані, приводив живого ослика на ярмарок Frieze. У найближчому майбутньому Каттелана обіцяє встановити золотий унітаз в Музеї Гуггенхайма. В кінцевому підсумку витівки Мауріціо Каттелана отримали широке визнання в арт-світі: його запрошують на Венеціанську бієнале (інсталяція «Інші» у 2011 році - зграя з двох тисяч голубів, які грізно дивляться з усіх труб і балок на що проходять внизу натовпи відвідувачів), влаштовують йому ретроспективу в нью-йоркському Музеї Гуггенхайма (листопад 2011) і, нарешті, сплачують за його скульптури великі гроші.

З 2010 року найдорожчою роботою Мауріціо Каттелана була воскова скульптура виглядає з дірки в підлозі людини, зовні схожого на самого художника ( «Без назви», 2001). Ця скульптура-інсталяція, яка існує в кількості трьох примірників плюс авторська копія, вперше була продемонстрована в Музеї Бойманс ван Бенінгена в Роттердамі. Тоді цей пустотливий персонаж виглянув з дірки в підлозі залу з картинами голландських живописців XVIII - XIX століть. Мауріціо Каттеллан в цьому творі асоціює себе з зухвалим злочинцем, вторгається в сакральний простір музейного залу з картинами великих майстрів. Тим самим він хоче позбавити мистецтво ореолу святості, який йому надають музейні стіни. Роботу, заради експонування якої кожен раз доводиться дірявитимуть підлогу, продали за $ 7,922 мільйонів на Sotheby's.

Рекорд протримався до 8 травня 2016 року, коли ще більш провокаційна робота Каттелана «Him», що зображає уклінно Гітлера, пішла з молотка за $ 17,189 млн. Річ дивна. Назва дивне. Вибір персонажа - ризикований. Як все у Каттелана. Що значить Him? «Його» або «His infernal majesty»? Зрозуміло, що мова точно не йде про оспівуванні образу фюрера. У цій роботі Гітлер постає скоріше в безпорадному, жалюгідному вигляді. І абсурдному - втілення Сатани виконаний зростанням з дитини, одягнений в костюм школяра і стоїть на колінах зі смиренним виразом на обличчі. Для Каттелана цей образ - запрошення до роздумів про природу абсолютного зла і спосіб позбавлення від страхів. До речі, західному глядачеві скульптура «Him» добре відома. Її побратими по серії виставлялися більше 10 разів на провідних музеях світу, включаючи Центр Помпіду та Музей Соломона Гугенхайма.

15. МАРК Гротьян Без назви (S III Released to France Face 43.14). 2011. $ 16,8 млн

17 травня 2017 року на вечірніх торгах Christie's в Нью-Йорку з'явилася одна з найпотужніших живописних робіт Марка Гротьян з коли-небудь виставлялися на торги. Картину «Без назви (S III Released to France Face 43.14)» виставив паризький колекціонер Патрік Сегін з оцінкою в $ 13-16 млн, і оскільки продаж лота була гарантована забезпечення третіми особами, встановлення нового персонального аукціонного рекорду 49-річного художника ніхто особливо не здивувався . Ціна молотка $ 14,75 млн (а з урахуванням Buyer's Premium $ 16,8 млн) перевершила колишній аукціонний рекорд Гротьян більше, ніж на $ 10 млн. Це дозволило йому увійти в клуб нині живих художників, чиї роботи продаються за восьмизначні суми. Семизначних же результатів (продажів дорожче $ 1 млн, але не більше $ 10 млн) в аукціонної скарбничці Марка Гротьян вже близько тридцяти.

Марк Гротьян (1968), у творчості яких фахівці вбачають вплив модернізму, абстрактного мінімалізму, поп- і оп-арту, прийшов до свого фірмового стилю в середині 1990-х, після переїзду разом з другом Брентом Петерсоном в Лос-Анджелес і відкриття там галереї «Кімната 702». Як згадує сам художник, в той час він почав думати про те, що для нього в мистецтві на першому місці. Він шукав той мотив, з яким можна б було експериментувати. І зрозумів, що йому завжди були цікаві лінія і колір. Експерименти в дусі лучизма і мінімалізму з лінійною перспективою, численними точками сходу і різнокольоровими абстрактними трикутними формами в результаті принесли Гротьяну світову славу.

Від абстрактних барвистих пейзажів з декількома лініями горизонту і точками сходу перспективи в підсумку він прийшов до трикутним формам, що нагадує крила метеликів. Картини Гротьян 2001-2007 рр. так і називають - «Метелики». Сьогодні переміщення точки сходу або використання відразу декількох точок сходу, рознесених в просторі, вважається одним із найсильніших прийомів художника.

Наступна велика серія робіт отримала назву «Лица»; в абстрактних лініях цієї серії вгадуються риси людського обличчя, спрощеного до стану маски в дусі Матісса, Явленского або Бранкузі. Говорячи про граничний спрощення і стилізації форм, про композиційному вирішенні картин, коли розрізнені контури очей, ротів немов дивляться на нас з лісової гущавини, дослідники відзначають зв'язок «Осіб» Гротьян з мистецтвом первісних племен Африки і Океанії, тоді як самому художнику просто «подобається образ очей, що дивляться з джунглів. Я іноді уявляв собі особи бабуїнів або мавп. Не можу сказати, що свідомо чи підсвідомо я перебував під впливом первісного африканського мистецтва, скоріше, на мене впливали художники, які перебували під його впливом. Пікассо є найбільш очевидним прикладом ».

Роботи серії «Лица» називають брутальними і елегантними, що радують око і приємними для розуму. Згодом змінюється і фактура цих робіт: для створення ефекту внутрішнього простору художник використовує широкі мазки густий фарби, навіть розбризкування в стилі Поллока, однак поверхню картини вирівняна так, що при близькому розгляді вона здається абсолютно плоскою. Встановила аукціонний рекорд картина «Без назви (S III Released to France Face 43.14)» відноситься якраз до цієї прославленої серії Марка Гротьян.

16. Такасі МУРАКАМИ Мій самотній ковбой. $ 15,16 млн

японець Такасі Муракамі (1962)увійшов в наш рейтинг зі скульптурою «Мій самотній ковбой», Проданої на Sotheby's в травні 2008 року за $ 15,16 млн. З цим продажем Такасі Муракамі довгий час вважався найуспішнішим нині сущим азіатським художником - поки його не затьмарив продажем «Таємної вечері» Цзен Фаньчжи.

Такасі Муракамі працює як художник, скульптор, дизайнер одягу і аніматор. Муракамі хотів взяти за основу своєї творчості щось дійсно японське, без західних і будь-яких інших запозичень. У студентські роки його захоплювала традиційна японська живопис ніхонга, пізніше на зміну їй прийшло популярне мистецтво аніме і манга. Так народилися психоделічний Mr DOB, візерунки з усміхнених квіточок і яскраві, блискучі скульптури зі склопластику, немов би тільки що зійшли зі сторінок японських коміксів. Одні вважають мистецтво Муракамі фаст-фудом і втіленням вульгарності, інші називають художника японським Енді Уорхолом - і в рядах останніх, як бачимо, чимало дуже багатих людей.

Муракамі запозичив назву для своєї скульптури у фільму Енді Уорхола «Самотні ковбої» (1968), який японець, як він сам зізнався, ніколи не дивився, але аж надто йому сподобалося поєднання слів. Муракамі однієї скульптурою і влучив шанувальникам еротичних японських коміксів, і посміявся над ними. Збільшений в розмірах, та до того ж ще і тривимірний, герой аніме перетворюється на фетиш масової культури. Це художнє висловлювання цілком в дусі класичного західного поп-арту (згадаємо меблевий гарнітур Аллена Джонса або «Рожеву пантеру» Кунса), але з національною родзинкою.

17. KAWS. Альбом KAWS. 2005. $ 14 784 505

KAWS - псевдонім американського художника Брайана Донеллі з Нью-Джерсі. Він - наймолодший учасник нашого рейтингу, 1974 року народження. Донеллі починав художником-аніматором в Disney (малював фони для мультфільму «101 далматинець» та ін). З юності захоплювався графіті. Його фірмовим малюнком спочатку був череп з «іксами» на місці очниць. Роботи молодого райтера полюбилися діячам шоу-бізнесу і людям з індустрії моди: він зробив обкладинку для альбому Каньє Уеста, випускав колаборації Nike, Comme des Garçons і Uniqlo. Згодом KAWS став відомою фігурою в світі сучасного мистецтва. Його фірмова фігурка, нагадує Міккі-Мауса, прижилася в музеях, публічних просторах і в приватних зібраннях. Якось раз KAWS випустив лімітовану серію вінілових іграшок спільно з брендом My Plastic Heart, і вони несподівано стали предметом високого колекційного інтересу. Одним з пристрасних колекціонерів цих «іграшок» є засновник Black Star репер Тіматі: він майже повністю зібрав всю серію «Компаньйонів Кавс».

Робота KAWS встановила рекорд для творчості художника - 14,7 мільйона доларів - на торгах Sotheby's в Гонконзі 1 квітня 2019 року. Раніше вона була в колекції японського модного дизайнера Ніго. Метровий полотно The KAWS Album - оммаж обкладинці знаменитого альбому The Beatles «Оркестр клубу самотніх сердець сержанта Пеппера» (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band) 1967 року. Тільки замість людей на ньому намальовані Kimpsons - стилізовані герої мультсеріалу Simpsons з «іксами» замість очей.

18. ЦЗІНЬ Шані Таджицька наречена. 1983. $ 13,89 млн

Серед порівняно молодих і сучасних китайських художників, які всі як один відносяться до так званої «нової хвилі» кінця 1980-х в китайському мистецтві, В наш рейтинг абсолютно несподівано потрапив представник зовсім іншого покоління і іншої школи. Цзінь Шані (Jin Shangyi), якому зараз вже за 80, відноситься до яскравих представників першого покоління художників комуністичного Китаю. Погляди цієї групи художників формувалися в великій мірі під впливом найближчого комуністичного соратника - СРСР.

Офіційне радянське мистецтво, соцреалізм, незвична ще тоді для Китаю олійний живопис(На противагу традиційної китайської розпису тушшю) в 1950-і роки були на піку популярності, і в Пекінський художній університет на три роки (з 1954 по 1957) приїхав викладати радянський художник Костянтин Мефодійович Максимов. До нього в клас і потрапив Цзінь Шані, який на той момент був наймолодшим в групі. Свого вчителя художник завжди згадував з великим теплом, говорив, що саме Максимов навчив його правильно розуміти і зображувати модель. К. М. Максимов виховав цілу плеяду китайських реалістів, нині класиків.

У творчості Цзінь Шані відчувається вплив як радянського «суворого стилю», так і європейської школи живопису. Багато часу художник присвятив вивченню спадщини Ренесансу і класицизму, при цьому він вважав за необхідне зберігати і китайський дух в своїх роботах. Картина «Таджицька наречена», написана в 1983 році, вважається загальновизнаним шедевром, новою віхою в творчості Цзінь Шані. Її-то і виставили на аукціоні China Guardian в листопаді 2013 року і продали в кілька разів дорожче за естімейт - за $ 13,89 млн із урахуванням комісії.

19. Бенкс розкласти парламент. 2008. $ 12,14 млн

Настінні розписи з тегом Banksy стали з'являтися на стінах міст (спочатку британських, а потім по всьому світу) в кінці 1990-х років. Його філософські та разом з тим гострі графіті були присвячені проблемам настання держави на волі громадян, злочинів проти довкілля, безвідповідального споживання, нелюдяності системи незаконної міграції. Згодом настінні «закиди» Бенксі придбали небачену медійну популярність. По суті, він став одним з головних виразників громадської думки, який засуджує лицемірство держав і корпорацій, яке продукуватиме наростаючу несправедливість в капіталістичній системі.

Значення Бенксі, почуття «нерва часу» і точність його метафор оцінили не лише глядачі, а й колекціонери. У 2010-х за його твори давали сотні тисяч, а то і більше мільйона доларів. Дійшло до того, що графіті Бенксі виламували і крали разом з шматками стін.

В епоху розвиненої цифрової стеження Бенксі як і раніше вдається зберігати анонімність. Є версія, що це більше не одна людина, а група з декількох художників, на чолі якої стоїть талановита жінка. Це б багато пояснило. І зовнішнє неподібність райтерів, спійманих в об'єктиви камер свідків, і знеособлений трафаретний спосіб нанесення (дає високу швидкість і не вимагає безпосередньої участі автора), і зворушливу романтичність сюжетів розписів (кульки, сніжинки та ін.). Як би не було, люди з проекту Бенксі, включаючи його помічників, вміють міцно тримати язик за зубами.

У 2019 найдорожчим твором Бенксі несподівано став чотириметровий полотно Devolved Parliament ( «деградованих», «розклався» або «передав повноваження» парламент). Шимпанзе, спрощує в палаті громад, немов знущаються над глядачами в рік скандального Brexit. Дивно, що картина була написана за 10 років до цього історичного переломного моменту, і тому хтось вважає її пророчою. На аукціоні Sotheby's 3 жовтня 2019 року в ході запеклого торгу невідомий покупець придбав це масло за $ 12 143 000 - в шість разів дорожче за попередню оцінку.

20. ДЖОН Карр «Мило і просто». 1999. $ 12,007 млн

американський художник Джон Каррен (1962)відомий своїми сатиричними фігуративними картинами на провокаційні сексуальні і соціальні теми. Роботи Каррена примудряються поєднувати прийоми живопису старих майстрів (особливо Лукаса Кранаха Старшого і маньеристов) і фешн-фотографії з глянцевих журналів. Домагаючись більшого гротеску, Каррен часто спотворює пропорції людського тіла, збільшує або зменшує його окремі частини, зображує героїв в ламаних, манірних позах.

Починав Каррен в 1989-му з портретів дівчат, перемальовані з шкільного альбому; продовжив на початку 1990-х картинами з пишногрудими красунями, натхненними фото з Cosmopolitan і Playboy; в 1992 році з'явилися портрети заможних літніх дам; а в 1994 році Каррен одружився на скульптора Рейчел Файнштейн, яка стала його головною музою і моделлю на довгі роки. До кінця 1990-х технічна майстерність Каррена в поєднанні з кітчем і гротеском його картин принесли йому популярність. У 2003 році за розкрутку художника взявся Ларрі Гагосян, а вже якщо за учасника береться такий дилер, як Гагосян, то успіх гарантований. У 2004 році відбулася ретроспектива Джона Каррена в Музеї Уітні.

Приблизно в цей час роботи його стали продаватися за шестизначні суми. Поточний рекорд для живопису Джона Каррена належить роботі «Мило і просто», проданої 15 листопада 2016 року у Christie's за $ 12 млн. Картина з двома оголеними насилу подолала нижню планку естімейта $ 12-18 млн. І тим не менше, для Джона Каррена, якому зараз за 50, це безумовно прорив в кар'єрі. Його колишній рекорд 2008 року становив $ 5,5 млн (заплачених, до речі, за ту ж саму роботу «Мило і просто»).

21. Брайс Марді The Attended. 1996-1999. $ 10,917 млн

Ще один нині живе американський абстракціоніст в нашому рейтингу - це Брайс Марден (1938). Роботи Мардена в стилі мінімалізму, а з кінця 1980-х - жестикулярной живопису, виділяються унікальній авторській, злегка приглушеною палітрою. Поєднання кольорів на роботах Мардена навіяні його подорожами по світу - Греції, Індії, Тайланду, Шрі-Ланці. Серед авторів, що вплинули на становлення Мардена, - Джексон Поллок (на початку 1960-х Марден працював охоронцем в Єврейському музеї, де на власні очі спостерігав «дріппінгі» Поллока), Альберто Джакометті (познайомився з його роботами в Парижі) і Роберт Раушенберг (якесь час Марден працював його асистентом). Перший етап творчості Мардена відданий класичним мінімалістським полотнам, що складається з кольорових прямокутних блоків (горизонтальних або вертикальних). На відміну від багатьох інших мінімалістів, які добивалися ідеальної якості творів, як ніби віддрукованих машиною, а не намальованих людиною, Марден зберігав сліди роботи художника, поєднував різні матеріали (воскові і олійні фарби). З середини 1980-х років, під впливом східної каліграфії, на зміну геометричної абстракції прийшли звивисті, меандроподобние лінії, фоном для яких служили всі ті ж монохромні колірні поля. Одна з таких «меандрового» робіт - «The Attended» - на торгах Sotheby "s в листопаді 2013 року було продано за $ 10,917 млн ​​із урахуванням комісії.

22. П'єр Сулаж Peinture 186 x 143 cm, 23 décembre 1959. $ 10,6 млн

23. ЧЖАН Сяогана Вічна любов. $ 10,2 млн

Ще один представник китайського сучасного мистецтва - символіст і сюрреаліст Чжан Сяоган (1958). На торгах Sotheby's в Гонконзі 3 квітня 2011 року, Де розпродавався китайський авангард з колекції бельгійського барона Гі Улленса, триптих Чжан Сяогана "Вічна любов"був проданий за $ 10,2 млн. На той момент це був рекорд не тільки для художника, але і для всього китайського контемпорарі-арту. Кажуть, що роботу Сяогана купила дружина мільярдера Ван Вей (Wang Wei), яка збирається відкривати власний музей.

Чжан Сяоган, який захоплюється містицизмом і східною філософією, написав історію «Вічної любові» в трьох частинах - життя, смерть і відродження. Цей триптих брав участь в культовій виставці 1989 року «Китай / Авангард» в Національному художньому музеї. У тому ж 1989 році на площі Тяньаньмень військовими були жорстоко придушені студентські демонстрації. Слідом за цією трагічною подією почалося закручування гайок - виставка в Національному музеї була розігнана, багато художників емігрували. У відповідь нав'язаному зверху соцреалізму виник напрям цинічного реалізму, одним з головних представників якого став Чжан Сяоган.

24. БРЮС Наумана Безпорадний Генрі Мур. 1967. $ 9,9 млн

американець Брюс Науман (1941), Володар головного призу 48 Венеціанської бієнале (1999), довго йшов до свого рекорду. Науман починав свою кар'єру в шістдесятих. Знавці називають його, поряд з Енді Уорхолом і Йозефом Бойсом, однією з найвпливовіших фігур в мистецтві другої половини ХХ століття. Однак насичена інтелектуальність і абсолютна недекоративних деяких його робіт, очевидно, перешкоджали його швидкому визнанню і успіху у широкої публіки. Науман часто експериментує з мовою, відкриваючи несподівані смисли звичних фраз. Слова стають центральними персонажами багатьох його робіт, в числі яких неонові псевдовивескі і панно. Сам Науман називає себе скульптором, хоча за останні сорок років він спробував себе в абсолютно різних жанрах - скульптурі, фотографії, відеоарті, перформанси, графіку. На початку дев'яностих Ларрі Гагосян вимовив пророчі слова: «Справжню цінність робіт Наумана нам ще тільки належить усвідомити». Так воно і вийшло: 17 травня 2001 рокуна Christie's робота Наумана 1967 року «Безпомічний Генрі Мур (вид ззаду)»(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) поставила новий рекорд в сегменті післявоєнного мистецтва. Зроблений з гіпсу і воску зліпок пов'язаних за спиною рук Наумана пішов з молотка за $ 9,9 млнв колекцію французького магната Франсуа Піно (за іншими даними, американки Філліс Уоттіс). Естімейт роботи становив лише $ 2-3 млн, так що результат став для всіх справжньою несподіванкою.

До цієї легендарної продажу лише дві роботи Наумана переступили планку в мільйон доларів. А за всю його аукціонну кар'єру поки тільки шість творів, крім «Генрі Мура ...», пішли за семизначні суми, але їх результати все одно не йдуть ні в яке порівняння з дев'ятьма мільйонами.

«Безпомічний Генрі Мур» - одне із серії полемічних творів Наумана про фігуру Генрі Мура (1898-1986), британського художника, якого в шістдесяті роки відносили до найбільшим скульпторамХХ століття. Молоді автори, які опинилися в тіні визнаного майстра, тоді накинулися на нього з палкою критикою. Робота Наумана - відповідь на цю критику і одночасно роздум на тему творчості. Назва роботи стає каламбуром, так як з'єднує два значення англійського слова bound - пов'язаний (в буквальному сенсі) І приречений на якусь долю.

Увага! Всі матеріали сайту і бази даних аукціонних результатів сайт, включаючи ілюстровані довідкові зведення про продані на аукціонах творах, призначені для використання виключно у відповідності до ст. 1 274 ГК РФ. Використання в комерційних цілях або з порушенням правил, встановлених ЦК України, не допускається. сайт не відповідає за зміст матеріалів, розміщеного третіми особами. У разі порушення прав третіх осіб, адміністрація сайту залишає за собою право видалити їх з сайту і з бази даних на підставі звернення уповноваженого органу.

Леонардо ді сер П'єро да Вінчі (15 квітня 1452-2 травня 1519) - знаменитий італійський живописець, архітектор, філософ, музикант, письменник, дослідник, математик, інженер, анатом, винахідник і геолог. Відомий своїми картинами, найбільш відомими з яких є «Таємна вечеря» і «Мона Ліза», а також численними винаходами, набагато випереджає свій час, але так і залишилися тільки на папері. Крім того, Леонардо да Вінчі вніс важливий внесок в розвиток анатомії, астрономії і техніки.

Рафаель Санті (28 березня 1483-6 квітня 1520) - великий італійський художник і архітектор, який працює в епоху Ренесансу, що охоплює період з кінця XV і перші роки XVI століття. Традиційно Рафаель вважається одним з трьох великих майстрів цього періоду, поряд з Мікеланджело і Леонардо да Вінчі. Багато з його робіт знаходяться в Апостольському палаці у Ватикані, в приміщенні під назвою станці Рафаеля. Серед інших, тут знаходитися найзнаменитіша його робота - «Афінська школа».

Дієго Родрігес де Сільва-і-Веласкес (6 червня 1599-6 серпня 1660) - іспанський художник, портретист, придворний художник короля Філіпа IV, найбільший представник золотого століття іспанського живопису. Крім, численних картин, що зображують історичні та культурні сцени з минулого, він написав безліч портретів іспанської королівської родини, а також інших відомих європейських діячів. Найбільш знаменитої роботою Веласкеса вважається картина «Меніни» (або «Сім'я Філіпа IV») 1656 року знаходиться в музеї Прадо в Мадриді.

Пабло Дієго Хосе Франсіско де Паула Хуан Непомусено Марія де лос Ремедіос Сіпріано де ла Сантісіма Тринідад Мартир Патрісіо Руїс і Пікассо (25 жовтня 1881-8 квітня 1973) - всесвітньо відомий іспанський художник і скульптор, основоположник напряму в образотворчому мистецтві - кубізм. Вважається одним з найбільших художників вплинув на розвиток образотворчого мистецтва в XX столітті. Експертами, був визнаний кращим художником серед жили за останні 100 років, а також «найдорожчим» в світі. За своє життя Пікассо створив близько 20 тис. Робіт (за іншими даними 80 тисяч).

Вінсент Віллем Ван Гог (30 березня 1853-29 липня 1890) - знаменитий нідерландський художник, який придбав популярність лише після смерті. На думку багатьох експертів, Ван Гог є одним з найбільших художників в історії європейського мистецтва, а також одним з найяскравіших представників постімпресіонізму. Автор понад 2100 творів мистецтва, в тому числі 870 картин, 1 тис. Малюнків і 133 ескізів. Його численні автопортрети, пейзажі та портрети є одними з найбільш впізнаваних і дорогих творів мистецтва в світі. Найбільш відомою роботою Вінсента Ван Гога, мабуть, вважається серія картин під назвою «Соняшники».

Мікеланджело Буонарроті (6 березеня 1475-18 лютого 1564) -всемірно відомий італійський скульптор, художник, архітектор, поет і мислитель, який наклав незгладимий відбиток на всю світову культуру. Найвідомішою роботою художника, мабуть, є фрески на стелі Сікстинської капели. Серед його скульптур найзнаменитішими вважаються «П'єта» ( «Оплакування Христа») і «Давид». З творів архітектури - дизайн купола базиліки Святого Петра. Цікаво, що Мікеланджело став першим представником західноєвропейського мистецтва, чия біографія була написана ще за життя.

На четвертому місці в рейтингу найбільш відомих художників світу знаходиться Мазаччо (21 грудня 1401-1428) - великий італійський художник, що зробив величезний вплив на інших майстрів. Мазаччо прожив дуже коротке життя, тому біографічних свідчень про нього небагато. Збереглися лише чотири його фрески, які, без сумніву, є роботою Мазаччо. Інші, як вважають, були знищені. Найбільш відомою роботою Мазаччо вважають фреску «Трійця» в церкві Санта-Марія-Новела у Флоренції, Італія.

Пітер Пауль Рубенс (28 червня 1577-30 травня 1640) - фламандський (южнонидерландских) живописець, один з найбільших художників епохи бароко, відомий своїм екстравагантним стилем. Вважався універсальним художником свого часу. У своїх роботах Рубенс підкреслював і втілював життєву силу і чуттєвість кольору. Він написав численні портрети, пейзажі та історичні картини з міфологічними, релігійними і алегоричними сюжетами. Найвідомішою роботою Рубенса є триптих «Зняття з хреста» написаний в період з 1610 по 1614 рік і приніс художнику всесвітню популярність.

Мікеланджело Мерізі да Караваджо (29 вересня 1571-18 липня 1610) - великий італійський художник періоду раннього бароко, засновник європейського реалістичного живопису XVII століття. У своїх роботах Караваджо вміло використовував контрасти світла і тіні, фокусуючись на деталях. Часто зображав простих римлян, людей з вулиць і ринків в образах святих і мадонн. Прикладами можуть служити «Євангеліст Матфей», «Вакх», «Звернення Савла» і ін. Однією з найзнаменитіших картин художника вважається «Лютніст» (1595), яку Караваджо називав найбільш вдалим йому фрагментом живопису.

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) - знаменитий нідерландський живописець і гравер, який вважається найбільшим і найвідомішим художником світу. Автор близько 600 картин, 300 офортів і 2 тис. Малюнків. Характерною його особливістю є майстерна гра з ефектами світла і глибокими тінями. Найбільш відомою роботою Рембрандта вважається чотириметрова картина «Нічний дозор», написана в 1642 році і зберігається зараз в Державному музеї Амстердама.

Тут добірка картин поки ще маловідомих, але дуже талановитих художників. Всі хлопці з Росії і наші сучасники. Дивіться, читайте і насолоджуйтеся.

Хлопці, я весь час пишу тут про досить відомих і відбулися особистостях. Мені, звичайно, було б набагато цікавіше писати про тих художників, про яких поки нікому не відомо, але що поробиш - це в паблік вконтакте можна писати про що завгодно, а в блог можна писати тільки те, що люди шукають в Яндексі і Гуглі, інакше крім тебе туди ніхто заходити не буде. Але для різноманітності і задоволення я, все-таки, вирішив зробити добірку «Маловідомі сучасні художники Росії і їхні картини».

• Що ще цікавого? (Посилання на інші статті).
• Картини Марчука - одного з найвідоміших сучасних українських художників
• Легендарний декан факультету графіки знаменитої «Репинки».

Хтось із цих хлопців знаходиться ще на самому початку свого шляху, а хтось вже щодо відбувся і успішно продає свої роботи вконтакте або на маркетплейсах по типу ярмарки майстрів і навіть відомі у вузьких колах, але всіх їх об'єднує одне - вони поки ще не відомі широкому загалу. Але невідомий - не означає обділений талантом, тому я думаю вам буде цікаво глянути. Я вирішив включити сюди не тільки власне малювальників, а й кількох скульпторів.

Маловідомі сучасні художники Росії і їх картини. Ілюстратори та художники.

Маловідомі художники. Кольоровий сюрреалістичний модерн в картинах Марії Сусаренко.

Про цю художницю я дізнався не так давно і практично відразу ж закохався в її картини. Частково тому, що вона мені дуже близька по духу, як художнику, почасти через захоплення технікою і буйством фантазії. Марія Сусаренко - мила дівчина з Санкт-Петербурга і випускниця знаменитої СПбГХПА ім. А.Л. Штігліца. Картини Марії Сусаренко представляють собою буйну суміш модерну і сюрреалізму. Виглядають дуже яскраво і декоративно.

Картини маловідомих художників. Роботи Марії Сусаренко

Приголомшлива деталізація!

Маловідомі художники. Суботіна Даша.

Одвічне мотив Юралгі - кота.
Кумедний дивак. Таку брошку і я б носив.

Моар - https://vk.com/shamancats

Маловідомі сучасні художники Росії. Скульптори.

Нехай тут не картини, а прикраси, але вони настільки прельстіви і любовні, що я не міг втриматися. Зрештою скульптор - це теж художник. Так, художник може бути живописцем, графіком, ілюстратором або скульптором (ваш капітан очевидність). Тут представлені дві дівчини, чиї прикраси не осоромили б самого Рене Лаліка.

Маловідомі художники. Грімуар чорної курочки.

У майстерні «Grimoire La poule noire», що в перекладі «Грімуар чорної курочки» (ваш капітан очевидність), господарює Лера Прокопець. Лера - скульптор мініатюрист і просто шикарна дама. Вона працює переважно з полімерною глиною і камінням. Лера створює приголомшливі прикраси в стилі, який я б назвав готичне «арт-нуво». Така, злегка ведьмовщінка, темна, але витончена краса. Ну ще б пак, адже це «грімуар чорної курочки».

Маловідомі художники. Оригінальні прикраси арт-нуво. Фото з майстерні «Грімуар чорної курочки».

Геката, грецька богиня ночі.
Морфін. тонко :) Чи то демони, то чи вампіри з висунутим язиком - один з улюблених мотивів Лери.

«Гравці в карти»

Автор

Поль Сезанн

Країна Франція
Роки життя 1839–1906
стиль постімпресіонізму

Художник народився на півдні Франції в невеликому містечку Екс-ан-Прованс, але живописом почав займатися в Парижі. Справжній успіх прийшов до нього після персональної виставки, організованої колекціонером Амбруазом Волларом. У 1886 році, за 20 років до свого відходу, він перебрався на околицю рідного міста. Поїздки до нього молоді художники називали «паломництвом в Екс».

130х97 см
1895 рік
вартість
$ 250 млн
продана в 2012 році
на приватних торгах

Творчість Сезанна зрозуміти легко. Єдиним правилом художника була пряма передача предмета або сюжету на полотно, тому його картини не викликають здивування глядача. Сезанн поєднав у своєму мистецтві дві головні французькі традиції: класицизм і романтизм. За допомогою барвистою фактури він надавав форму предметів дивовижну пластичність.

Серія з п'яти картин «Гравці в карти» написана в 1890-1895 роках. Сюжет їх однаковий - кілька людей захоплено грають в покер. Відрізняються роботи тільки кількістю гравців і розмірами полотна.

Чотири картини зберігаються в музеях Європи та Америки (Музей д'Орсе, Метрополітен-музей, Фонд Барнса і Інститут мистецтв Курто), а п'ята до недавнього часу була окрасою приватної колекції грецького мільярдера-судновласника Георга Ембірікоса. Незадовго до своєї смерті, взимку 2011 року, він вирішив виставити її на продаж. Потенційними покупцями «вільної» роботи Сезанна стали арт-дилер Вільям Аквавелла і галерист зі світовим ім'ям Ларрі Гагосян, які пропонували за неї близько 220 млн доларів. В результаті картина дісталася королівської сім'ї арабської держави Катар за 250 млн. Найбільша арт-угода в історії живопису була закрита в лютому 2012 року. Про це в Vanity Fair повідомила журналістка Олександра Пірс. Вона дізналася вартість картини і ім'я нового власника, а потім інформація проникла в ЗМІ всього світу.

У 2010 році в Катарі відкрилися Арабський музей сучасного мистецтва і Катарський національний музей. Зараз їх колекції поповнюються. Можливо, п'ята версія «Гравців в карти» придбана шейхом з цією метою.

самадорога картинав світі

власник
Шейх Хамад
бін Халіфа аль-Тані

Династія аль-Тані править Катаром понад 130 років. Близько півстоліття тому тут були виявлені величезні запаси нафти і газу, що вмить зробило Катар одним з найбагатших регіонів світу. Завдяки експорту вуглеводнів в цій маленькій країні зафіксовано найбільший ВВП на душу населення. Шейх Хамад бін Халіфа аль-Тані в 1995 році, поки батько перебував в Швейцарії, за підтримки членів сім'ї захопив владу. Заслуга чинного правителя, на думку експертів, в чіткої стратегії розвитку країни, створення успішного іміджу держави. Зараз в Катарі з'явилися конституція і прем'єр-міністр, а жінки отримали право голосу на парламентських виборах. До речі, саме емір Катару заснував новинний канал «Аль-Джазіра». Величезна увага влади арабської держави приділяють культурі.

2

«Номер 5»

Автор

Джексон Поллок

Країна США
Роки життя 1912–1956
стиль абстрактний експресіонізм

Джек Розбризкувач - таке прізвисько Поллок дала американська публіка за особливу техніку живопису. Художник відмовився від кисті і мольберта, а фарбу розливав по поверхні полотна або фибролита під час безперервного руху навколо і всередині них. З ранніх роківвін захоплювався філософією Джідду Крішнамурті, головний посил якої - істина відкривається під час вільного «виливу».

122х244 см
1948 рік
вартість
$ 140 млн
продана в 2006 році
на аукціоні Sotheby's

Цінність робіт Поллока - не в результаті, а в процесі. Автор не випадково називав своє мистецтво «живописом дії». З його легкої руки воно стало головним надбанням Америки. Джексон Поллок змішував фарбу з піском, битим склом, а писав шматком картону, мастихіном, ножем, совком. Художник був настільки популярний, що в 1950-х наслідувачі знайшлися навіть в СРСР. Картина «Номер 5» визнана однією з найдивніших і дорогих в світі. Один із засновників компанії DreamWorks Девід Геффен придбав її для приватної колекції, а в 2006 році продав на аукціоні Sotheby`s за 140 млн доларів мексиканському колекціонерові Девіду Мартінесу. Однак незабаром юридична фірма від імені свого клієнта випустила прес-реліз, в якому повідомлялося, що Девід Мартінес не є власником картини. Достеменно відомо лише одне: мексиканський фінансист дійсно останнім часом колекціонував твори сучасного мистецтва. Навряд чи він упустив би таку «велику рибу», як «Номер 5» Поллока.

3

«Жінка III»

Автор

Віллем де Кунінг

Країна США
Роки життя 1904–1997
стиль абстрактний експресіонізм

Виходець із Нідерландів, він емігрував до США в 1926 році. У 1948-му відбулася персональна виставка художника. Арт-критики оцінили складні, нервові чорно-білі композиції, визнавши в їх автора великого художника-модерніста. Більшу частину життя він страждав на алкоголізм, але радість створення нового мистецтва відчувається в кожній роботі. Де Кунінга відрізняє імпульсивність живопису, широкі мазки, через що часом зображення не вміщається в межах полотна.

121х171 см
1953 рік
вартість
$ 137 млн
продана в 2006 році
на приватних торгах

У 1950-х на картинах де Кунінга з'являються жінки з порожніми очима, масивної грудьми, потворними рисами обличчя. «Жінка III» стала останньою роботою з цієї серії, яка бере участь в торгах.

З 1970-х років картина зберігалася в Тегеранському музеї сучасного мистецтва, проте після введення жорстких правил моралі в країні від неї прагнули позбутися. У 1994-му робота була вивезена з Ірану, а ще через 12 років її власник Девід Геффен (той самий продюсер, який продав полотно Джексона Поллока «Номер 5») поступився картину мільйонерові Стівену Коену за 137,5 млн доларів. Цікаво те, що Геффен в один рік став розпродавати свою колекцію живопису. Це породило масу чуток: наприклад, що продюсер вирішив купити газету Los Angeles Times.

На одному з арт-форумів була висловлена ​​думка про подібність «Жінки III» з картиною Леонардо да Вінчі «Дама з горностаєм». За зубастої посмішкою і безформною фігурою героїні цінитель живопису розгледів грацію особи королівської крові. Про це говорить і погано промальована корона, що вінчає голову жінки.

4

«Портрет АделіБлох-Бауер I »

Автор

Густав Клімт

Країна Австрія
Роки життя 1862–1918
стиль модерн

Густав Клімт народився в родині художника-гравера і був другим з семи дітей. Три сина Ернеста Клімта стали художниками, а прославився на весь світ тільки Густав. Більшу частину дитинства він провів в бідності. Після смерті батька на нього лягла відповідальність за всю сім'ю. Саме в цей час Клімт розвиває свій стиль. Перед його картинами завмирає будь-який глядач: під тонкими мазками золота чітко видно відвертий еротизм.

138х136 см
1907 рік
вартість
$ 135 млн
продана в 2006 році
на аукціоні Sotheby's

Доля картини, яку називають «Австрійської Моною Лізою», легко може стати основою для бестселера. Робота художника стала причиною конфлікту цілої держави та однієї літньої пані.

Отже, на «Портреті Аделі Блох-Бауер I» зображена аристократка, дружина Фердинанда Блоха. Її останньою волею було передати картину австрійської державної галереї. Однак Блох в своєму заповіті скасував дарування, і полотно експропріювали нацисти. Пізніше галерея насилу викупила «Золоту Адель», але тут з'явилася спадкоємиця - Марія Альтман, племінниця Фердинанда Блоха.

У 2005 році почався гучний процес «Марія Альтман проти Австрійської республіки», за підсумками якого картина «поїхала» разом з нею в Лос-Анджелес. Австрія прийняла безпрецедентні заходи: велися переговори про позики, населення жертвували гроші, щоб викупити портрет. Ласкаво так і не перемогло зло: ціну Альтман підняла до 300 млн доларів. На момент розгляду їй було 79 років, і вона увійшла в історію як людина, яка змінила волю Блох-Бауер на користь особистих інтересів. Картина була придбана Рональд Лаудер, власником «Нової галереї» в Нью-Йорку, де і знаходиться до цього дня. Чи не для Австрії, для нього Альтман знизила ціну до 135 млн доларів.

5

«Крик»

Автор

Едвард Мунк

Країна Норвегія
Роки життя 1863–1944
стиль експресіонізм

Перша картина Мунка, що стала відомою у всьому світі, - «Хвора дівчинка» (існує в п'яти примірниках) - присвячена сестрі художника, яка померла від туберкульозу у віці 15 років. Мунка завжди цікавила тема смерті і самотності. У Німеччині його важка, маніакальна живопис навіть спровокувала скандал. Однак, незважаючи на депресивні сюжети, його картини мають особливий магнетизмом. Взяти хоча б «Крик».

73,5х91 см
1895 рік
вартість
$ 119,992 млн
продана в 2012 році
на аукціоні Sotheby's

Повна назва картини - Der Schrei der Natur (в перекладі з німецької - «крик природи»). Особа чи людини, чи то інопланетянина висловлює відчай і паніку - ці ж емоції відчуває глядач при погляді на картину. Одне з ключових творів експресіонізму попереджає теми, що стали гострими в мистецтві XX століття. За однією з версій, художник створив її під впливом психічного розладу, яким страждав усе життя.

Картина двічі була вкрадена з різних музеїв, але її повертали. Отримав невеликі пошкодження після крадіжки «Крик» відреставрували, і він знову був готовий до показу в Музеї Мунка в 2008 році. Для представників поп-культури твір стало джерелом натхнення: Енді Уорхол створив серію його принтів-копій, а маска з фільму «Крик» зроблена за образом і подобою героя картини.

На один сюжет Мунк написав чотири версії твору: та, що знаходиться в приватній колекції, виконана пастеллю. Норвезька мільярдер Петтер Олсен виставив її на аукціон 2 травня 2012 року. Покупцем став Леон Блек, який не пошкодував за «Крик» рекордної суми. Засновник компаній Apollo Advisors, L.P. і Lion Advisors, L.P. відомий своєю любов'ю до мистецтва. Блек - покровитель коледжу Дартмута, Музею сучасного мистецтва, Арт-центру Лінкольна, Столичного музею мистецтв. Він володіє найбільшою колекцією картин сучасних художників і класичних майстрів минулих століть.

6

«Оголена на тлі бюста і зеленого листя»

Автор

Пабло Пікассо

Країна Іспанія, Франція
Роки життя 1881–1973
стиль кубізм

За походженням він іспанець, а за духом і місцем проживання - справжній француз. Власну художню студію Пікассо відкрив в Барселоні, коли йому було всього 16 років. Потім він поїхав до Парижа і провів там велику частину життя. Саме тому в його прізвища подвійне наголос. В основі стилю, придуманого Пікассо, лежить заперечення думки, що зображений на полотні предмет можна розглядати тільки під одним ракурсом.

130х162 см
1932 рік
вартість
$ 106,482 млн
продана в 2010 році
на аукціоні Christie's

Під час своєї роботи в Римі художник зустрів танцівницю Ольгу Хохлова, що стала згодом його дружиною. Він покінчив з бродяжництвом, переїхав разом з нею в розкішну квартиру. На той час шана знайшла героя, а от шлюб був зруйнований. Одна з найдорожчих картин світу створена майже випадково - з великої любові, яка, як завжди у Пікассо, була недовгою. У 1927 році він захопився юною Марі-Терез Вальтер (їй було 17 років, йому - 45). Потай від дружини поїхав з коханкою в містечко під Парижем, де і написав портрет, зобразивши Марі-Терез в образі Дафни. Полотно придбав нью-йоркський дилер Поль Розенберг, а в 1951 році продав його Сідні Ф. Броуді. Подружжя Броуді показали картину світу всього один раз і тільки тому, що художнику виповнювалося 80 років. Після смерті чоловіка пані Броуді в березні 2010 року виставила твір на торги в будинку Christie's. За шість десятиліть ціна виросла більш ніж в 5000 разів! Невідомий колекціонер придбав її за 106,5 млн доларів. У 2011 році в Британії відбулася «виставка однієї картини», де вона побачила світ вдруге, а ось ім'я власника досі невідомо.

7

«Вісім Елвісів»

Автор

Енді Уорхол

Країна США
Роки життя 1928-1987
стиль
поп-арт

«Секс і вечірки - це єдині місця, де потрібно з'являтися власною персоною», - говорив культовий художник поп-арту, режисер, один із засновників журналу Interview, дизайнер Енді Уорхол. Він працював з Vogue і Harper`s Bazaar, оформляв обкладинки платівок, придумав взуття для компанії I.Miller. У 1960-х з'явилися картини із зображенням символів Америки: супу Campbell`s і Coca-Cola, Преслі та Монро - зробили його легендою.

358х208 см
1963 рік
вартість
$ 100 млн
продана у 2008 році
на приватних торгах

Уорхоловской 60-е - так називали епоху поп-арту в Америці. У 1962 році він працював на Манхеттені в студії «Фабрика», де збиралася вся богема Нью-Йорка. Яскраві її представники: Мік Джаггер, Боб Ділан, Трумен Капоте і інші відомі в світі особистості. У той же час Уорхол випробував техніку шовкографії - багаторазового повтору одного зображення. Цей метод він використовував і при створенні «Восьми Елвісів»: глядач немов бачить кадри з кіно, де зірка оживає. Тут є все, що так любив художник: безпрограшний публічний образ, срібний колір і передчуття смерті як головний посил.

Є два арт-дилера, що просувають сьогодні творчість Уорхола на світовому ринку: Ларрі Гагосян і Альберто Муграбі. Перший у 2008 році витратив 200 млн доларів на придбання понад 15 робіт Уорхола. Другий купує і продає його картини як різдвяні листівки, тільки дорожче. Але не вони, а скромний французький арт-консультант Філіп Сегало допоміг римському цінителю мистецтва Аннибале Берлінгьері продати невідомому покупцеві «Вісім Елвісів» за рекордну для Уорхола суму - 100 млн доларів.

8

«Помаранчевий,червоний, жовтий »

Автор

Марк Ротко

Країна США
Роки життя 1903–1970
стиль абстрактний експресіонізм

Один з творців живопису колірного поля народився в Двінська, Росія (зараз - Даугавпілс, Латвія), в багатодітній родині єврейського фармацевта. У 1911 році вони емігрували в США. Ротко навчався на художньому факультеті Єльського університету, домігся стипендії, але антисемітські настрої змусили його залишити навчання. Незважаючи ні на що, арт-критики боготворили художника, а музеї переслідували все життя.

206х236 см
1961 рік
вартість
$ 86,882 млн
продана в 2012 році
на аукціоні Christie's

Перші художні досліди Ротко були сюрреалістичної спрямованості, але з часом він спростив сюжет до кольорових плям, позбавивши їх будь-якої предметності. Спочатку вони мали яскраві відтінки, а в 1960-і налилися коричневим, фіолетовим, згустилися до чорного до часу смерті художника. Марк Ротко застерігав від пошуку будь-якого сенсу в своїх картинах. Автор хотів сказати рівно те, що сказав: тільки колір, що розчиняється в повітрі, і нічого більше. Він рекомендував дивитися на твори з відстані 45 см, щоб глядача «затягувало» в колір, як у воронку. Обережно: перегляд за всіма правилами може привести до ефекту медитації, тобто поступово приходять усвідомлення нескінченності, повне занурення в себе, розслаблення, очищення. Колір в його картинах живе, дихає і справляє надзвичайно сильний емоційний вплив (кажуть, іноді - цілюще). Художник заявляв: «Глядач повинен плакати, дивлячись на них», - і такі випадки дійсно були. За теорією Ротко, в цей момент люди проживають той же духовний досвід, що і він у процесі роботи над картиною. Якщо ви зуміли зрозуміти його на такому тонкому рівні, то чи не здивуєтеся тому, що ці твори абстракціонізму критики часто порівнюють з іконами.

Робота «Помаранчеве, червоне, жовте" висловлює всю суть живопису Марка Ротко. Її початкова вартість на аукціоні Christie's в Нью-Йорку 35-45 млн доларів. Невідомий покупець запропонував ціну, удвічі перевищує естімейт. Ім'я щасливого володаря картини, як це часто буває, не розголошується.

9

«Триптих»

Автор

Френсіс Бекон

Країна
Великобританія
Роки життя 1909–1992
стиль експресіонізм

Пригоди Френсіса Бекона, повного тезки і до того ж далекого нащадка великого філософа, почалися, коли батько зрікся його, не в силах прийняти гомосексуальних схильностей сина. Бекон виїхав спочатку до Берліна, потім до Парижа, а потім його сліди плутаються по всій Європі. Ще за життя його роботи експонувалися в провідних культурних центрах світу, серед яких Музей Гуггенхайма і Третьяковська галерея.

147,5х198 см (кожен)
1976 рік
вартість
$ 86,2 млн
проданий у 2008 році
на аукціоні Sotheby's

Престижні музеї прагнули володіти картинами Бекона, а ось манірна англійська публіка не поспішала розщедритися на таке мистецтво. Легендарний прем'єр-міністр Великої Британії Маргарет Тетчер говорила про нього: «Людина, яка малює ці жахливі картини».

Відправним періодом в своїй творчості сам художник вважав повоєнний час. Повернувшись зі служби, він знову зайнявся живописом і створив головні шедеври. До участі «Триптиха, 1976» в торгах найдорожчою роботою Бекона був «Етюд до портрета Папи Інокентія X» (52,7 млн ​​доларів). У «Триптиху, 1976» художник зобразив міфічний сюжет переслідування Ореста фуріями. Зрозуміло, Орест - це сам Бекон, а фурії - його терзання. За останні 30 років картина перебувала в приватній колекції і не брала участь у виставках. Цей факт додає їй особливу цінність і, відповідно, підвищує вартість. Але що таке кілька мільйонів для цінителя мистецтва, та ще й по-російськи щедрого? Роман Абрамович почав створювати свою колекцію в 1990-х роках, в цьому на нього значно вплинула подруга Даша Жукова, яка стала в сучасній Росії модною галеристкою. За неофіційними даними, в особистому володінні бізнесмена є роботи Альберто Джакометті і Пабло Пікассо, куплені за суми, що перевищують 100 млн доларів. У 2008 році він став володарем «Триптиха». До речі, в 2011 році була придбана ще одна цінна робота Бекона - «Три начерку до портрета Люсьєна Фрейда». Приховані джерела кажуть, що покупцем знову став Роман Аркадійович.

10

«Ставок з лататтям»

Автор

Клод Моне

Країна Франція
Роки життя 1840–1926
стиль імпресіонізм

Художник визнаний родоначальником імпресіонізму, «запатентував» цей метод в своїх полотнах. Першою значною роботою стала картина «Сніданок на траві» (оригінальна версія твору Едуарда Мане). В юності він малював карикатури, а справжнім живописом зайнявся під час своїх подорожей по узбережжю і на відкритому повітрі. У Парижі вів богемний спосіб життя і не залишив його навіть після служби в армії.

210х100 см
1919 рік
вартість
$ 80,5 млн
продана у 2008 році
на аукціоні Christie's

Крім того, що Моне був великим художником, він ще й захоплено займався садівництвом, любив живу природу і квіти. У його пейзажах стан природи миттєво, предмети начебто розмито коливанням повітря. Враження посилюється за рахунок великих мазків, з певної відстані вони стають непомітними і зливаються в фактурне, об'ємне зображення. У живописі пізнього Моне особливе місце займає тема води і життя в ній. У містечку Живерні у художника був власний ставок, де він вирощував латаття з насіння, спеціально привезених їм з Японії. Коли їх квітки розпускалися, він приступав до малювання. Серія «Латаття» складається з 60 робіт, які художник створював протягом майже 30 років, до самої смерті. Його зір з віком погіршувався, але він не зупинявся. Залежно від вітру, пори року і погоди вид ставка постійно змінювався, ці зміни і хотів відобразити Моне. Через ретельну роботу до нього приходило розуміння суті природи. Деякі з полотен серії зберігаються в провідних галереях світу: Національний музей західного мистецтва (Токіо), Оранжери (Париж). Версія чергового «Ставка з лататтям» пішла в руки невідомого покупця за рекордну суму.

11

False Star t

Автор

Джаспер Джонс

Країна США
Рік народження 1930
стиль поп-арт

У 1949 році Джонс поступив в дизайнерську школу в Нью-Йорку. Нарівні з Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунінгом і іншими він визнаний одним з головних художників XX століття. У 2012 році отримав «Президентську медаль свободи» - найвищу цивільну нагороду США.

137,2х170,8 см
1959 рік
вартість
$ 80 млн
продана в 2006 році
на приватних торгах

Як і Марсель Дюшан, Джонс працював з реальними предметами, зображуючи їх на полотні і в скульптурі в повній відповідності з оригіналом. Для своїх робіт він використовував прості і зрозумілі всім предмети: пивну пляшку, прапор або карти. У картині False Start немає чіткої композиції. Художник немов грає з глядачем, часто «не так» підписуючи кольору на картині, перевертаючи саме поняття кольору: «Я хотів знайти спосіб зобразити колір так, щоб він міг бути визначений якимось іншим методом». Його сама вибухова і «невпевнена в собі», на думку критиків, картина була придбана невідомим покупцем.

12

«Сидячаоголенана дивані"

Автор

Амедео Модільяні

Країна Італія, Франція
Роки життя 1884–1920
стиль експресіонізм

Модільяні з самого дитинства часто хворів, під час гарячкового марення він розпізнав своє призначення художника. Навчався малюванню в Ліворно, Флоренції, Венеції, а в 1906 році виїхав до Парижа, де і розквітло його мистецтво.

65х100 см
1917 рік
вартість
$ 68,962 млн
продана в 2010 році
на аукціоні Sotheby's

В1917 році Модільяні зустрів 19-річну Жанну Ебютерн, яка стала його моделлю, а потім і дружиною. У 2004-му один з її портретів був проданий за 31,3 млн доларів, що стало останнім рекордом перед продажем «Оголена, що сидить на дивані» в 2010 році. Картину придбав невідомий покупець за максимальну для Модільяні на даний моментціну. Активні продажі робіт почалися тільки після смерті художника. Він помер у злиднях, хворий на туберкульоз, а на наступний день з собою покінчила і Жанна Ебютерн, яка перебувала на дев'ятому місяці вагітності.

13

«Орел на сосні»

Автор

ці Байши

Країна Китай
Роки життя 1864–1957
стиль гохуа

Інтерес до каліграфії привів Ци Байши до живопису. У 28 років він став учнем художника Ху Ціньюаня. Міністерство культури Китаю присвоїло йому титул «Великого художника китайського народу», в 1956 році він отримав Міжнародну премію миру.

10х26 см
1946 рік
вартість
$ 65,4 млн
продана в 2011 році
на аукціоні China Guardian

Ці Байши цікавився тими проявами навколишнього світу, яким багато хто не надає значення, і в цьому його велич. Людина без освіти став професором і видатним творцем в історії. Пабло Пікассо казав про нього: «Я боюся їхати в вашу країну, адже в Китаї є Ци Байши». Композиція «Орел на сосні» визнана найбільшим твором художника. Крім полотна, вона включає в себе два ієрогліфічних свитка. Для Китаю сума, за яку куплено твір, представляє рекорд - 425,5 мільйонів юанів. Тільки сувій стародавнього каліграфа Хуан Тінцзянь був проданий за 436,8 млн.

14

«1949 A-№1»

Автор

Кліффорд Стілл

Країна США
Роки життя 1904–1980
стиль абстрактний експресіонізм

У 20 років відвідав Метрополітен-музей у Нью-Йорку і був розчарований. Пізніше записався на курс студентської ліги мистецтв, але пішов через 45 хвилин після початку заняття - виявилося «не його». Перша персональна виставка викликала резонанс, художник знайшов себе, а разом з цим і визнання

79х93 см
1949 рік
вартість
$ 61,7 млн
продана в 2011 році
на аукціоні Sotheby's

Всі свої роботи, а це більше 800 полотен і 1600 творів на папері, Стілл заповідав американському місту, де буде відкрито музей його імені. Таким містом став Денвер, але тільки будівництво обходилося владі дорого, і для його завершення чотири роботи були виставлені на аукціон. Твори Стілла навряд чи будуть брати участь в торгах будь-коли ще, що заздалегідь підвищило їх ціну. Картина «1949 A-No.1" продана за рекордну для художника суму, хоча експерти прогнозували продаж максимум за 25-35 млн доларів.

15

«Супрематічеськая композиція»

Автор

Казимир Малевич

Країна Росія
Роки життя 1878–1935
стиль супрематизм

Малевич навчався живопису в Київській художній школі, потім в Московській академії мистецтв. У 1913 році почав писати абстрактно-геометричні картини в стилі, який назвав супрематизмом (від лат. «Домінування»).

71х 88,5 см
1916 рік
вартість
$ 60 млн
продана у 2008 році
на аукціоні Sotheby's

У міському музеї Амстердама картина зберігалася близько 50 років, але після 17-річної суперечки з родичами Малевича музей віддав її. Художник написав цю роботу в один рік з «Маніфестом супрематизму», тому на Sotheby`s ще до торгів оголосили, що менш ніж за 60 млн доларів вона не піде в приватну колекцію. Так і сталося. Дивитися на неї краще зверху: фігури на полотні нагадують вид на землю з повітря. До речі, кілька років до того ті ж самі родичі експропріювали у музею МоМА іншу «Супрематичну композицію», щоб продати її на аукціоні Phillips за 17 млн ​​доларів.

16

«Купальниці»

Автор

Поль Гоген

Країна Франція
Роки життя 1848–1903
стиль постімпресіонізму

До семи років художник жив в Перу, потім з сім'єю повернувся до Франції, але дитячі спогади постійно підштовхували його до подорожей. У Франції він почав писати фарбами, дружив з Ван Гогом. Він навіть провів з ним кілька місяців в Арлі, до того моменту, як Ван Гог під час сварки відрізав собі вухо.

93,4х60,4 см
1902 рік
вартість
$ 55 млн
продана у 2005 році
на аукціоні Sotheby's

У 1891 році Гоген влаштував розпродаж своїх картин, щоб на виручені гроші відправитися углиб острова Таїті. Там він створив роботи, в яких відчувається тонкий зв'язок природи і людини. Гоген жив в солом'яною хатині, а на його полотнах розквітав тропічний рай. Його дружиною стала 13-річна таітянка Техура, що не завадило художнику вступати в безладні зв'язки. Захворівши на сифіліс, він поїхав до Франції. Однак там Гогену було тісно, ​​і він повернувся на Таїті. Цей період називають «другим таїтянських» - саме тоді була написана картина «Купальниці», одна з найрозкішніших в його творчості.

17

«Нарциси і скатертина в синіх і рожевих тонах»

Автор

Анрі Матісс

Країна Франція
Роки життя 1869–1954
стиль фовізм

У 1889 році у Анрі Матісса стався напад апендициту. Коли він оправлявся від операції, мати купила йому фарби. Спочатку Матісс з нудьги копіював кольорові листівки, потім - твори великих живописців, що бачив в Луврі, а на початку XX століття придумав стиль - фовізм.

65,2х81 см
1911 рік
вартість
$ 46,4 млн
продана у 2009 році
на аукціоні Christie's

Картина «Нарциси і скатертина в синіх і рожевих тонах»Довгий час належала Іву Сен-Лорану. Після смерті кутюр'є вся його колекція мистецтва перейшла в руки його друга і коханця П'єра Берже, який вирішив виставити її на аукціоні Christie's. Перлиною проданої колекції стала картина «Нарциси і скатертина в синіх і рожевих тонах», написана на звичайної скатертини замість полотна. Як зразок фовізму, вона наповнена енергією кольору, фарби немов вибухають і кричать. З відомої серії картин, написаних на скатертини, сьогодні ця робота єдина, яка знаходиться в приватній колекції.

18

«Спляча дівчина»

Автор

Ройчи

хтенштейн

Країна США
Роки життя 1923–1997
стиль поп-арт

Художник народився в Нью-Йорку, а закінчивши школу, поїхав в Огайо, де пішов на курси з мистецтва. У 1949 році Ліхтенштейн отримав ступінь магістра витончених мистецтв. Інтерес до коміксів і вміння іронізувати зробили з нього культового художника минулого століття.

91х91 см
1964 рік
вартість
$ 44,882 млн
продана в 2012 році
на аукціоні Sotheby's

Одного разу в руки Ліхтенштейну потрапила жувальна гумка. Він перемалював картинку зі вкладиша на полотно і став знаменитим. У цьому сюжеті з його біографії укладено весь меседж поп-арту: споживання - новий бог, і в фантику від жуйки не менш краси, ніж в «Мони Лізи». Його картини нагадують комікси і мультфільми: Ліхтенштейн просто збільшував готове зображення, прорисовував растри, використовував трафаретний друк і шовкографію. Картина «Спляча дівчина» майже 50 років належала колекціонерам Беатріс і Філіпу Герш, чиї спадкоємці продали її на аукціоні.

19

«Перемога. Бугі Вугі"

Автор

Піт Мондріан

Країна Нідерланди
Роки життя 1872–1944
стиль неопластицизм

Своє справжнє прізвище - Корнеліс - художник змінив на Мондріан, коли в 1912 році переїхав до Парижа. Разом з художником Тео ванн Дусбурга заснував рух «неопластицизм». На честь Мондріана названа мова програмування Piet.

27х127 см
1944 рік
вартість
$ 40 млн
продана в 1998 році
на аукціоні Sotheby's

Самий «музичний» з художників XX століття заробляв на життя акварельними натюрмортами, хоча прославився як неопластичний художник. У США перебрався в 1940-х і провів там решту життя. Джаз і Нью-Йорк - ось що надихало його найбільше! Картина «Перемога. Бугі-Вугі »- кращий тому приклад. «Фірмові» акуратні квадрати виходили завдяки використанню липкої стрічки - улюбленого матеріалу Мондріана. В Америці його назвали «найзнаменитішим іммігрантом». У шістдесятих Ів Сен-Лоран випустив відомі на весь світ сукні «Мондріан» з принтом у велику кольорову клітку.

20

«Композиція № 5»

Автор

ВасильКандинський

Країна Росія
Роки життя 1866–1944
стиль авангардизм

Художник народився в Москві, а його батько був родом з Сибіру. Після революції він намагався співпрацювати з радянською владою, але незабаром зрозумів, що закони пролетаріату створені не для нього, і не без складнощів емігрував до Німеччини.

275х190 см
1911 рік
вартість
$ 40 млн
продана у 2007 році
на аукціоні Sotheby's

Кандинський одним з перших повністю відмовився від предметного живопису, за що і отримав звання генія. Під час нацизму в Німеччині його картини були віднесені до «дегенеративного мистецтва» і ніде не виставлялися. У 1939 році Кандинський прийняв французьке громадянство, в Парижі він вільно брав участь в художньому процесі. Його картини «звучать», немов фуги, тому багато хто отримав назву «композицій» (перша написана в 1910 році, остання - в 1939-м). «Композиція № 5» - одна з ключових робіт в цьому жанрі: «Слово" композиція "звучало для мене як молитва», - говорив художник. На відміну від багатьох послідовників, він планував то, що зобразить на величезному полотні, ніби писав ноти.

21

«Етюд жінки в блакитному»

Автор

Фернан Леже

Країна Франція
Роки життя 1881–1955
стиль кубізм-постімпресіонізму

Леже отримав архітектурну освіту, а потім був слухачем Школи витончених мистецтв в Парижі. Художник вважав себе послідовником Сезанна, був апологетом кубізму, а в XX столітті мав успіх ще й як скульптор.

96,5х129,5 см
1912-1913 рік
вартість
$ 39,2 млн
продана у 2008 році
на аукціоні Sotheby's

Девід Норманн, президент Міжнародного відділу імпресіонізму і модернізму Sotheby`s, вважає величезну суму, заплачену за «Даму в блакитному», цілком виправданою. Картина відноситься до знаменитої колекції Леже (художник написав три картини на один сюжет, в приватних руках сьогодні - остання з них. - Прим. Ред.), І поверхня полотна збереглася в первозданному вигляді. Автор сам віддав цю роботу в галерею Der Sturm, потім вона потрапила в колекцію Херманна Ланга, німецького збирача модернізму, а тепер належить невідомому покупцеві.

22

«Вулична сценка. Берлін »

Автор

Ернст ЛюдвігКірхнер

Країна Німеччина
Роки життя 1880–1938
стиль експресіонізм

Для німецького експресіонізму Кірхнер став знаковою персоною. Однак місцева влада звинуватила його в прихильності до «дегенеративного мистецтва», що трагічно позначилося на долі його картин і на життя художника, який покінчив з собою в 1938 році.

95х121 см
1913 рік
вартість
$ 38,096 млн
продана в 2006 році
на аукціоні Christie's

Після переїзду в Берлін Кірхнер створив 11 замальовок вуличних сцен. Його надихали метушня і нервозність великого міста. У картині, проданої в 2006 році в Нью-Йорку, особливо гостро відчувається тривожний стан художника: люди на берлінській вулиці нагадують птахів - витончених і небезпечних. Вона стала останньою роботою зі знаменитої серії, проданої на аукціоні, інші зберігаються в музеях. У 1937 році нацисти жорстоко обійшлися з Кірхнер: 639 його робіт були вилучені з німецьких галерей, знищені або продані за кордон. Художник не зміг цього пережити.

23

«Відпочивальницятанцівниця »

Автор

Едгар Дега

Країна Франція
Роки життя 1834–1917
стиль імпресіонізм

Історія Дега як художника почалася з того, що він працював копировальщиком в Луврі. Він мріяв стати «знаменитим і невідомим», і в результаті йому вдалося це. В кінці життя оглухлі і сліпий 80-річний Дега продовжував відвідувати виставки та аукціони.

64х59 см
1879 рік
вартість
$ 37,043 млн
продана у 2008 році
на аукціоні Sotheby's

«Балерини завжди були для мене лише приводом, щоб зобразити тканини і схопити рух», - говорив Дега. Сюжети з життя танцівниць наче підглянуті: дівчата не позують художникові, а просто стають частиною атмосфери, спійманої поглядом Дега. «Відпочивальниця танцівниця» була продана за 28 млн доларів в 1999 році, а менше ніж через 10 років її купили вже за 37 млн ​​- сьогодні це найдорожча робота художника, коли-небудь виставлена ​​на торги. Велика увага Дега приділяв рам, сам проектував їх і забороняв міняти. Цікаво, яка рама встановлена ​​на проданої картині?

24

«Живопис»

Автор

Хуан Міро

Країна Іспанія
Роки життя 1893–1983
стиль абстрактне мистецтво

Під час громадянської війни в Іспанії художник був на боці республіканців. У 1937 році він втік від фашистської влади в Париж, де жив в злиднях разом з сім'єю. У цей період Миро пише картину «Допоможіть Іспанії!», Звертаючи увагу всього світу на засилля фашизму.

89х115 см
1927 рік
вартість
$ 36,824 млн
продана в 2012 році
на аукціоні Sotheby's

Друга назва картини - «Блакитна зірка». Художник написав її в тому ж році, коли оголосив: «Я хочу вбити живопис» та нещадно знущався над полотнами, дряпаючи фарбу цвяхами, приклеюючи до полотна пір'я, покриваючи роботи сміттям. Його метою було розвінчати міфи про таїнство живопису, але, впоравшись з цим, Миро створив власний міф - сюрреалістичну абстракцію. Його «Живопис» відноситься до циклу «картин-сновидінь». На аукціоні за неї билися четверо покупців, однак один телефонний дзвінок інкогніто вирішив спір, і «Живопис» стала найдорожчою картиною художника.

25

«Блакитна троянда»

Автор

Ів Кляйн

Країна Франція
Роки життя 1928–1962
стиль монохромний живопис

Художник народився в родині художників, але навчався східних мов, мореплавання, ремесла золотар рам, дзен-буддизму і багато чому іншому. Його особистість і нахабні витівки були в рази цікавіше монохромних картин.

153х199х16 см
1960 рік
вартість
$ 36,779 млн
продана в 2012 році
на аукціоні Christie's

Перша виставка однотонних жовтих, оранжевих, рожевих робітне викликало інтересу у публіки. Кляйн образився і в наступний раз представив 11 однакових полотен, забарвлених ультрамарином упереміш з особливою синтетичною смолою. Він навіть запатентував цей метод. В історію колір увійшов як «міжнародний синій колірКляйна ». Ще художник продавав порожнечу, створював картини, підставляючи папір під дощ, підпалюючи картон, роблячи на полотні відбитки тіла людини. Словом, експериментував як міг. Для створення «Блакитної троянди» використовував сухі пігменти, смоли, гальку і натуральну губку.

26

«У пошуках Мойсея»

Автор

Сер Лоуренс Альма-Тадема

Країна Великобританія
Роки життя 1836–1912
стиль неокласицизм

Приставку «альма» до свого прізвища сер Лоуренс додав сам, щоб в художніх каталогах значитися першим. У вікторіанської Англії його картини були настільки затребувані, що художнику присвоїли лицарське звання.

213,4х136,7 см
1902 рік
вартість
$ 35,922 млн
продана в 2011 році
на аукціоні Sotheby's

Головною темою творчості Альма-Тадеми була античність. На картинах він намагався в найдрібніших деталях зобразити епоху Римської імперії, для цього навіть займався археологічними розкопками на Апеннінському півострові, а в своєму лондонському будинку відтворив історичний інтер'єр тих років. Міфологічні сюжети стали для нього ще одним джерелом натхнення. Художник був украй затребуваний при житті, однак після смерті його швидко забули. Зараз інтерес відроджується, про що говорить і вартість картини «У пошуках Мойсея», в сім разів перевищила передпродажну оцінку.

27

«Портрет сплячої оголеної чиновниці»

Автор

Люсьєн Фрейд

Країна Німеччина,
Великобританія
Роки життя 1922–2011
стиль фігуративний живопис

Художник - онук Зігмунда Фрейда, батька психоаналізу. Після встановлення фашизму в Німеччині його сім'я емігрувала до Великобританії. Твори Фрейда знаходяться в лондонському музеї «Зібрання Уоллеса», де раніше не виставлявся жоден сучасний художник.

219,1х151,4 см
1995 рік
вартість
$ 33,6 млн
продана у 2008 році
на аукціоні Christie's

Поки модні художники XX століття створювали позитивні «кольорові плями на стіну» і продавали їх за мільйони, Фрейд писав гранично натуралістичні картини і продавав їх ще дорожче. «Я запам'ятовував крики душі і страждання в'янучої плоті», - говорив він. Критики вважають, що все це «спадок» Зигмунда Фрейда. Картини так активно виставлялися і успішно продавалися, що у фахівців зародився сумнів: а чи не мають вони гіпнотичними властивостями? Проданий на аукціоні «Портрет сплячої оголеної чиновниці», за інформацією видання Sun, придбав цінитель прекрасного і мільярдер Роман Абрамович.

28

«Скрипка і гітара»

Автор

Хуан Гріс

Країна Іспанія
Роки життя 1887–1927
стиль кубізм

Народився в Мадриді, де і закінчив школу мистецтв і ремесел. У 1906 році переїхав до Парижа і увійшов в коло найбільш впливових художників епохи: Пікассо, Модільяні, Браку, Матісса, Леже, також працював з Сергієм Дягілєвим і його трупою.

5х100 см
1913 рік
вартість
$ 28,642 млн
продана в 2010 році
на аукціоні Christie's

Гріс, за власними словами, займався «площинний, кольоровий архітектурою». Його картини точно продумані: він не залишав жодної випадкової мазка, що ріднить творчість з геометрією. Художник створив свій варіант кубізму, хоча дуже поважав Пабло Пікассо, батька-засновника напряму. Наступник навіть присвятив йому свою першу роботу в стилі кубізм «Данина поваги Пікассо». Картина «Скрипка і гітара» визнана найвидатнішою в творчості художника. За життя Гріс був відомий, обласканий критиками і мистецтвознавцями. Його роботи виставлені в найбільших світових музеях, зберігаються в приватних колекціях.

29

«ПортретПоля Елюара »

Автор

Сальвадор Далі

Країна Іспанія
Роки життя 1904–1989
стиль сюрреалізм

«Сюрреалізм - це я», - сказав Далі, коли його виключили з групи сюрреалістів. Згодом він став найвідомішим художником-сюрреалістом. Творчість Далі всюди, а не тільки в галереях. Наприклад, це він придумав упаковку для «Чупа-Чупса».

25х33 см
1929 рік
вартість
$ 20,6 млн
продана в 2011 році
на аукціоні Sotheby's

У 1929 році відвідати великого провокатора і скандаліста Далі приїхали поет Поль Елюар зі своєю російською дружиною Галой. Зустріч стала початком історії кохання, що тривала понад півстоліття. Картина «Портрет Поля Елюара» написана як раз під час цього історичного візиту. «Я відчував, що на мене покладено обов'язок закарбувати лик поета, з Олімпу якого я викрав одну з муз», - говорив художник. До знайомства з Галой він був незайманим і відчував огиду при думці про секс з жінкою. Любовний трикутник існував до смерті Елюара, після чого став дуетом Дали-Гала.

30

«Ювілей»

Автор

Марк Шагал

Країна Росія, Франція
Роки життя 1887–1985
стиль авангард

Мойша Сегал народився у Вітебську, але в 1910 році емігрував до Парижа, змінив ім'я, зблизився з провідними авангардистами епохи. У 1930-х під час захоплення влади фашистами поїхав в США за допомогою американського консула. Повернувся до Франції тільки в 1948 році.

80x103 см
1923 рік
вартість
$ 14,85 млн
продана в 1990 році
на аукціоні Sotheby's

Картина «Ювілей» визнана однією з кращих робітхудожника. У ній є все риси його творчості: стерті фізичні закони світу, зберігається відчуття казки в декораціях міщанського побуту, а в центрі сюжету - любов. Шагал не малював людей з натури, а тільки по пам'яті або фантазуючи. На картині «Ювілей» відображений сам художник з дружиною Белою. Картина продана в 1990 році і з тих пір не брала участі в торгах. Цікаво, що в нью-йоркському Музеї сучасного мистецтва MoMA зберігається абсолютно така ж, тільки під назвою «День народження». До речі, написана вона раніше - в 1915 році.

проект підготувала
Тетяна Паласова
рейтинг складений
за списком www.art-spb.ru
журнал tmn №13 (Травень-червень 2013)