ทุกอย่างเกี่ยวกับเสื้อผ้าผู้หญิงมีสไตล์ » ประวัติศาสตร์แฟชั่น » ใครเป็นนักบัลเล่ต์? ปรมาจารย์บัลเล่ต์ชื่อดังของโลก ปิแอร์ลาคอตต์ - นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงคำไขปริศนาอักษรไขว้ต้นแบบบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงของฝรั่งเศส

ใครเป็นนักบัลเล่ต์? ปรมาจารย์บัลเล่ต์ชื่อดังของโลก ปิแอร์ลาคอตต์ - นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงคำไขปริศนาอักษรไขว้ต้นแบบบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงของฝรั่งเศส

บัลเล่ต์ฝรั่งเศสและรัสเซียได้เสริมสร้างกันและกันมากกว่าหนึ่งครั้ง และนักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศส Roland Petit ถือว่าตัวเองเป็น "ทายาท" ของประเพณี "Russian Ballet" โดย S. Diaghilev

Roland Petit เกิดเมื่อปีพ. ศ. 2467 พ่อของเขาเป็นเจ้าของร้านอาหาร - ลูกชายของเขาเคยมีโอกาสไปทำงานที่นั่นด้วยและหลังจากนั้นในความทรงจำเขาได้จัดฉากท่าเต้นพร้อมถาด แต่แม่ของเขามีความสัมพันธ์โดยตรงกับศิลปะการเต้นบัลเล่ต์เธอก่อตั้ง บริษัท Repetto ซึ่งผลิตเสื้อผ้าและรองเท้าสำหรับบัลเล่ต์ ตอนอายุ 9 ขวบเด็กชายประกาศว่าเขาจะออกจากบ้านหากไม่ได้รับอนุญาตให้เรียนบัลเล่ต์ หลังจากสอบผ่าน School of the Paris Opera ได้สำเร็จเขาเรียนที่นั่นที่ S. Lifar และ G.Rico หนึ่งปีต่อมาเขาเริ่มแสดงละครเวทีเลียนแบบ

หลังจากจบการศึกษาในปี 2483 Roland Petit กลายเป็นนักเต้นบัลเล่ต์ที่ Paris Opera หนึ่งปีต่อมาเขาได้รับเลือกให้เป็นหุ้นส่วนของ M.Burg และต่อมาเขาก็แสดงบัลเล่ต์ตอนเย็นกับ J. ในตอนเย็นเหล่านี้มีการแสดงท่าเต้นของ J. Charr จำนวนน้อย แต่ที่นี่ R. Petit นำเสนอผลงานชิ้นแรกของเขา - "Ski Jump" ในปีพ. ศ. 2486 เขาแสดงเดี่ยวในบัลเล่ต์ Love the Enchantress แต่เขาสนใจกิจกรรมของนักออกแบบท่าเต้นมากกว่า

หลังจากออกจากโรงละครในปี 1940 R. Petit วัย 20 ปีต้องขอบคุณการสนับสนุนทางการเงินจากพ่อของเขาจัดแสดงบัลเลต์ "Comedians" ที่Théâtre des Champs Elysees ความสำเร็จเกินความคาดหมายทั้งหมดซึ่งทำให้สามารถสร้างคณะของตัวเองที่เรียกว่า Ballet of the Champs Elysees มันมีอยู่เพียงเจ็ดปี (ความขัดแย้งกับฝ่ายบริหารโรงละครมีผลร้ายแรง) แต่มีการแสดงหลายฉาก: "The Youth and Death" ไปจนถึงดนตรีและผลงานอื่น ๆ ของ R. Petit เองผลงานโดยนักออกแบบท่าเต้นคนอื่น ๆ ในเวลานั้นตัดตอนมาจากบัลเลต์คลาสสิก - "La Sylphide" , "เจ้าหญิงนิทรา", " ".

เมื่อ "Ballet de Champs Elysees" หยุดอยู่อาร์ Petit ได้สร้าง "Ballet of Paris" ขึ้น คณะละครใหม่รวมถึง Margot Fontaine - เธอเป็นผู้แสดงหนึ่งในบทบาทสำคัญในบัลเล่ต์ Girl in the Night ให้กับดนตรีโดย J. France (ส่วนหลักอื่น ๆ เต้นโดย R.Petit เอง) และในปี 1948 เขาได้เต้นบัลเล่ต์ Carmen ใน เพลงโดย J. Bizet ในลอนดอน

ความสามารถของ Roland Petit ไม่เพียง แต่เป็นที่ชื่นชมในหมู่แฟนบัลเล่ต์เท่านั้น แต่ยังได้รับความนิยมในฮอลลีวูดด้วย ในปีพ. ศ. 2495 ในภาพยนตร์มิวสิคัลเรื่อง "ฮันส์คริสเตียนแอนเดอร์เซน" เขารับบทเป็นเจ้าชายจากเทพนิยาย "นางเงือกน้อย" และในปีพ. ศ. 2498 ในฐานะนักออกแบบท่าเต้นมีส่วนร่วมในการสร้างภาพยนตร์เรื่อง "The Crystal Slipper" จากเทพนิยายเรื่อง "Cinderella" และ - ร่วมกับนักเต้น F. Astaire - “ พ่อขายาว”.

แต่ Roland Petit มีประสบการณ์มากพอที่จะสร้างบัลเล่ต์แบบหลายฉากได้ และเขาได้สร้างผลงานดังกล่าวในปีพ. ศ. 2502 โดยใช้ละครเรื่อง Cyrano de Bergerac ของ E.Rostand เป็นพื้นฐาน อีกหนึ่งปีต่อมาบัลเล่ต์นี้ได้ถ่ายทำพร้อมกับผลงานของนักออกแบบท่าเต้นอีกสามคน ได้แก่ "Carmen" "Eater of Diamonds" และ "Mourning for 24 Hours" บัลเล่ต์ทั้งหมดนี้รวมอยู่ในภาพยนตร์ของ Terence Young เรื่อง "One, Two, Three, Four หรือ Black Leotards" ... ในสามคนนักออกแบบท่าเต้นเองมีบทบาทหลัก ได้แก่ Cyrano de Bergerac, Jose และ Bridegroom

ในปีพ. ศ. 2508 Roland Petit ได้จัดแสดงบัลเล่ต์ Notre Dame de Paris กับดนตรีของ M. Jarre ที่ Paris Opera ในบรรดาตัวละครทั้งหมดนักออกแบบท่าเต้นได้ทิ้งตัวละครหลักไว้สี่ตัวซึ่งแต่ละตัวแสดงถึงภาพลักษณ์โดยรวม: Esmeralda - ความบริสุทธิ์, Claude Frollo - ความโหดร้าย, Phoebus - ความว่างเปล่าทางจิตวิญญาณใน "เปลือกหอย" ที่สวยงาม, Quasimodo - วิญญาณของนางฟ้าในร่างกายที่น่าเกลียด (บทบาทนี้แสดงโดย R. เปอติ๊ด). นอกจากฮีโร่เหล่านี้แล้วยังมีฝูงชนที่ไร้ใบหน้าในบัลเล่ต์ซึ่งทั้งสามารถบันทึกและสังหารได้อย่างง่ายดายผลงานชิ้นต่อไปคือบัลเล่ต์ Paradise Lost ซึ่งจัดแสดงในลอนดอนซึ่งเผยให้เห็นถึงรูปแบบของการต่อสู้ของความคิดเชิงกวีในจิตวิญญาณของมนุษย์ด้วยธรรมชาติที่เย้ายวน นักวิจารณ์บางคนเห็นว่ามันเป็น "การแสดงออกทางเพศที่เป็นนามธรรม" ฉากสุดท้ายที่หญิงสาวคร่ำครวญถึงความบริสุทธิ์ที่หายไปดูเหมือนจะไม่คาดคิดเลยทีเดียว - เธอมีลักษณะคล้ายกับความกตัญญูแบบกลับหัว ... Margot Fontaine และ Rudolf Nureyev เต้นรำในการแสดงนี้

Roland Petit มุ่งหน้าสู่ Ballet of Marseille ในปี 1972 เป็นพื้นฐานสำหรับการแสดงบัลเล่ต์ ... โองการของ V. V. Mayakovsky ในบัลเล่ต์เรื่องนี้มีชื่อว่า "Light the Stars" ตัวเขาเองมีบทบาทหลักซึ่งเขาโกนหัว ในปีหน้าเขาได้ร่วมงานกับ Maya Plisetskaya - เธอเต้นรำในบัลเล่ต์ของเขา "Sick Rose" ในปีพ. ศ. 2521 เขาแสดงบัลเล่ต์ The Queen of Spades ให้กับ Mikhail Baryshnikov จากนั้น - บัลเล่ต์เกี่ยวกับ Charlie Chaplin นักออกแบบท่าเต้นคุ้นเคยกับนักแสดงผู้ยิ่งใหญ่คนนี้เป็นการส่วนตัวและหลังจากการตายของเขาเขาได้รับความยินยอมจากลูกชายของนักแสดงให้สร้างผลงานดังกล่าว

หลังจาก 26 ปีของการเป็นผู้นำของ Ballet de Marseille R.Petit ก็ออกจากคณะเนื่องจากมีความขัดแย้งกับฝ่ายบริหารและห้ามไม่ให้มีการแสดงบัลเล่ต์ของเขา ในตอนต้นของศตวรรษที่ 21 เขาได้ร่วมมือกับ Bolshoi Theatre ในมอสโก: "Passacaglia" กับดนตรีของ A. Webern "The Queen of Spades" กับดนตรีของ PI Tchaikovsky จัดแสดงในรัสเซียและ "วิหาร Notre Dame" ของเขา รายการ Roland Petit Talks ซึ่งนำเสนอที่ Bolshoi Theatre ใน New Stage ในปี 2547 ได้กระตุ้นความสนใจของสาธารณชนอย่างมาก: Nikolai Tsiskaridze, Lucia Lakkara และ Ilze Liepa ได้แสดงเนื้อหาที่ตัดตอนมาจากบัลเล่ต์ของเขาในขณะที่นักออกแบบท่าเต้นเองก็พูดถึงชีวิตของเขา

ปรมาจารย์บัลเล่ต์เสียชีวิตในปี 2554 Roland Petit จัดแสดงบัลเล่ต์ประมาณ 150 รายการ - เขาอ้างว่า "อุดมสมบูรณ์กว่า Pablo Picasso" สำหรับผลงานของเขานักออกแบบท่าเต้นได้รับรางวัลจากรัฐหลายครั้ง ที่บ้านในปี 1974 เขาได้รับรางวัล Order of the Legion of Honor และสำหรับบัลเล่ต์ The Queen of Spades เขาได้รับรางวัล State Prize ของสหพันธรัฐรัสเซีย

ฤดูกาลดนตรี

นักบัลเล่ต์เป็นผู้อำนวยการด้านการเต้นในคอนเสิร์ตการแสดงบัลเล่ต์ฉากออกแบบท่าเต้นในการแสดงดนตรีและการแสดงละครหัวหน้าวงเต้นรำหรือคณะนักเต้น นี่คือบุคคลที่สร้างและทำให้ภาพของตัวละครมีชีวิตการเคลื่อนไหวความเป็นพลาสติกเลือกวัสดุดนตรีและยังเป็นตัวกำหนดว่าแสงการแต่งหน้าเครื่องแต่งกายและการตกแต่งควรจะเป็นอย่างไร

นักออกแบบท่าเต้น

ความรุนแรงของอารมณ์ที่ส่งผลต่อตัวเลขการเต้นฉากออกแบบท่าเต้นในละครเพลงและละครหรือการแสดงบัลเล่ต์ทั้งหมดจะมีขึ้นอยู่กับว่าการเคลื่อนไหวและปฏิสัมพันธ์ของนักเต้นและนักเต้นมีความสวยงามและแม่นยำเพียงใดขึ้นอยู่กับการแสดงออกและความคิดริเริ่มของการเคลื่อนไหวของพวกเขา การเต้นรำของพวกเขาถูกรวมเข้ากับวัสดุดนตรีแสงบนเวทีเครื่องแต่งกายและการแต่งหน้าทั้งหมดนี้ทำให้เกิดภาพเดียวของการกระทำทั้งหมด และนักออกแบบท่าเต้นก็คือคนที่สร้างมันขึ้นมา เขาต้องรู้กฎและรายละเอียดปลีกย่อยทั้งหมดของศิลปะการเต้นบัลเล่ต์ประวัติของมันเพื่อที่จะสร้างการเต้นรำที่น่าสนใจสำหรับผู้ชมในการรับชมและแสดงโดยนักเต้น ผู้กำกับต้องมีความรู้มีประสบการณ์และความสามารถของผู้จัดงานมีจินตนาการที่หลากหลายมีความคิดสร้างสรรค์มีความสามารถเป็นดนตรีเข้าใจดนตรีมีจังหวะสามารถแสดงอารมณ์ด้วยความช่วยเหลือของพลาสติก - จากส่วนประกอบเหล่านี้ทำให้ศิลปะเกิดขึ้น บัลเล่ต์ต้นแบบ หากทั้งหมดนี้อยู่ในคลังแสงของผู้นำการผลิตของเขาจะประสบความสำเร็จกับสาธารณชนและนักวิจารณ์

คำว่า "นักออกแบบท่าเต้น" ในการแปลเป็นภาษารัสเซียหมายถึง "ปรมาจารย์แห่งการเต้นรำ" อาชีพนี้ยากและต้องใช้แรงงานและความพยายามอย่างมากทั้งร่างกายและศีลธรรม ผู้กำกับจะต้องแสดงส่วนของนักแสดงทั้งหมดอธิบายว่าพวกเขาควรแสดงออกถึงอารมณ์ใดด้วยความปั้นปึ่งและการแสดงออกทางสีหน้า ความซับซ้อนของงานนี้ยังอยู่ที่ความจริงที่ว่าไม่สามารถเขียนสคริปต์การเต้นลงบนกระดาษได้นักออกแบบท่าเต้นต้องเก็บไว้ในหัวและแสดงให้ศิลปินได้เรียนรู้ส่วนของพวกเขา การทำความคุ้นเคยกับนักเต้นที่มีบทบาทเกิดขึ้นโดยตรงในการซ้อมในขณะที่นักแสดงละครและละครเพลงมีโอกาสได้รับข้อความและเนื้อหาทางดนตรีล่วงหน้า นักออกแบบท่าเต้นจะต้องเปิดเผยให้นักแสดงทราบถึงเนื้อหาของบทบาทของเขาแสดงให้เขาเห็นว่าเต้นอย่างไรและอย่างไร และยิ่งผู้กำกับแสดงความคิดของเขาต่อศิลปินอย่างชัดเจนมากเท่าไหร่ความคิดของเขาก็จะเข้าใจและหลอมรวมได้เร็วและง่ายขึ้นเท่านั้น

งานของนักออกแบบท่าเต้นคือการจัดเตรียมการเต้นรำหรือการแสดงทั้งหมดเพื่อรักษาและเพิ่มความสนใจของผู้ชม ท่าทางการเต้นนั้นเป็นเพียงการออกกำลังกายด้วยกลไกชุดท่าที่จะไม่บอกอะไรแก่ผู้ชมพวกเขาจะแสดงให้เห็นถึงความยืดหยุ่นของร่างกายของนักแสดงเท่านั้นและพวกเขาจะพูดก็ต่อเมื่อผู้กำกับเติมเต็มด้วยความคิดและความรู้สึกและช่วยให้ศิลปินแสดง จิตวิญญาณของเขาด้วย ในหลาย ๆ ด้านความสำเร็จของการแสดงและระยะเวลาของ "ชีวิต" บนเวทีจะขึ้นอยู่กับสิ่งนี้ นักแสดงคนแรกของการเต้นรำทั้งหมดคือผู้ออกแบบท่าเต้นเองเพราะเขาต้องแสดงให้นักแสดงเห็นส่วนของพวกเขาก่อน

นักออกแบบท่าเต้นในอดีตและปัจจุบัน

นักบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงของรัสเซียและโลกในศตวรรษที่ 19 และ 20:

  • Marius Petipa ผู้มีส่วนร่วมอย่างมากและล้ำค่าในการแสดงบัลเลต์รัสเซีย
  • Jose Mendes - เป็นผู้กำกับละครเวทีในโรงละครที่มีชื่อเสียงหลายแห่งของโลกรวมถึงโรงละคร Bolshoi ในมอสโกว
  • ฟิลิปโปตากลิโอนี;
  • Jules Joseph Perrot เป็นหนึ่งในตัวแทนที่สดใสที่สุดของ "บัลเล่ต์โรแมนติก";
  • Gaetano Gioia - ตัวแทนของท่าเต้นของอิตาลี
  • George Balanchine - วางรากฐานสำหรับบัลเล่ต์อเมริกันเช่นเดียวกับนีโอคลาสสิกบัลเล่ต์สมัยใหม่เชื่อว่าพล็อตเรื่องควรแสดงออกด้วยความช่วยเหลือจากร่างกายของนักเต้นเท่านั้นฉากและเครื่องแต่งกายที่งดงามไม่จำเป็น
  • Mikhail Baryshnikov - มีส่วนร่วมอย่างมากในงานศิลปะบัลเล่ต์ระดับโลก
  • Maurice Bejart เป็นหนึ่งในนักบัลเล่ต์ที่มีความสว่างที่สุดในศตวรรษที่ 20
  • มารศรีลี้ภา;
  • Pierre Lacotte - มีส่วนร่วมในการฟื้นฟูท่าเต้นโบราณ
  • Igor Moiseev - ผู้สร้างวงดนตรีมืออาชีพคนแรกในรัสเซียในประเภทพื้นบ้าน
  • Vaclav Nijinsky - เป็นผู้ริเริ่มศิลปะการออกแบบท่าเต้น
  • รูดอล์ฟนูเรเยฟ;

นักบัลเล่ต์ร่วมสมัยของโลก:

  • เจอโรมเบลล์ - ตัวแทนของโรงเรียนบัลเล่ต์สมัยใหม่
  • Angelin Preljocaj เป็นตัวแทนที่สดใสของผลิตภัณฑ์ใหม่

นักออกแบบท่าเต้นของรัสเซียในศตวรรษที่ 21:

  • Boris Eifman - ผู้สร้างโรงละครของตัวเอง
  • อัลลาซิกาโลวา;
  • ลยุดมิลาเซเมนยากา;
  • มายาพลิเซ็ตสกายา;
  • Gedeminas Taranda;
  • Evgeny Panfilov เป็นผู้สร้างคณะบัลเล่ต์ของตัวเองผู้ที่ชื่นชอบการเต้นรำแบบอิสระ

นักบัลเล่ต์ชาวรัสเซียทุกคนมีชื่อเสียงมากไม่เพียง แต่ในประเทศของเราเท่านั้น แต่ยังมีชื่อเสียงในต่างประเทศด้วย

Marius Petipa

นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศสและรัสเซียที่ทิ้งมรดกอันยิ่งใหญ่ จากปีพ. ศ. 2390 เขาได้เข้ารับราชการในตำแหน่งนักออกแบบท่าเต้นที่โรงละคร Mariinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและที่โรงละคร Bolshoi ในมอสโกตามคำเชิญของจักรพรรดิรัสเซีย ในปีพ. ศ. 2437 เขากลายเป็นส่วนหนึ่งของจักรวรรดิรัสเซีย ได้กำกับบัลเล่ต์มากมายเช่น Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, Pharaoh's Daughter, Don Quixote, La Bayadere, A Midsummer Night's Dream, Daughter of the Snows, Robert the Devil "และอื่น ๆ อีกมากมาย. ดร.

Roland Petit

มีนักออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียงซึ่งถือเป็นคลาสสิกของบัลเล่ต์แห่งศตวรรษที่ 20 ในหมู่พวกเขาหนึ่งในตัวเลขที่สว่างที่สุดคือ Roland Petit ในปีพ. ศ. 2488 เขาได้สร้างคณะบัลเล่ต์ของตัวเองในปารีสซึ่งมีชื่อว่า "Ballet de Champs Elysees" หนึ่งปีต่อมาเขาได้จัดแสดงละครเรื่อง The Youth and Death ที่มีชื่อเสียงเป็นเพลงของ I.S. บาคผู้เข้าสู่ศิลปะคลาสสิกระดับโลก ในปีพ. ศ. 2491 Roland Petit ได้ก่อตั้งคณะบัลเล่ต์ใหม่ชื่อ Ballet de Paris ในช่วงทศวรรษที่ 50 เขาเป็นผู้กำกับการเต้นรำให้กับภาพยนตร์หลายเรื่อง ในปี 1965 เขาได้แสดงบัลเลต์ในตำนานที่ปารีส Notre Dame de Paris ซึ่งตัวเขาเองรับบทเป็น Quasimodo คนหลังค่อมในปี 2546 เขาได้จัดแสดงการผลิตนี้ในรัสเซียที่โรงละครบอลชอยซึ่ง Nikolai Tsiskaridze ได้แสดงบทบาทของผู้สั่นกระดิ่งที่น่าเกลียด

Gedeminas Taranda

นักออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียงระดับโลกอีกคนคือ Gedeminas Taranda หลังจากจบการศึกษาจากโรงเรียนออกแบบท่าเต้นใน Voronezh เขาเป็นศิลปินเดี่ยวที่ Bolshoi Theatre ในมอสโกว ในปี 1994 เขาก่อตั้ง "Imperial Russian Ballet" ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงไปทั่วโลก ตั้งแต่ปี 2555 เขาเป็นผู้นำและผู้ร่วมก่อตั้งมูลนิธิส่งเสริมการศึกษาเชิงสร้างสรรค์ประธานจัดงาน Grand Pa Ballet Festival Gedeminas Taranda ดำรงตำแหน่งศิลปินผู้มีเกียรติแห่งรัสเซีย

Boris Eifman

B. Eifman เป็นนักออกแบบท่าเต้นที่สดใสทันสมัยและเป็นต้นฉบับ เขาเป็นผู้ก่อตั้งโรงละครบัลเล่ต์ของตัวเอง เขามีชื่อและรางวัลมากมายในสาขาศิลปะ ผลงานแรกของเขาในปีพ. ศ. 2503 ได้แก่ เพลง "Towards Life" ของนักแต่งเพลง D.B. Kabalevsky และเพลง "Icarus" โดย V. Arzumanov และ A. Chernov ชื่อเสียงในฐานะนักออกแบบท่าเต้นนำบัลเลต์ The Firebird มาใช้ในดนตรีของนักแต่งเพลงตั้งแต่ปี 1977 เขาได้กำกับละครเวทีของตัวเอง โปรดักชั่นของ Boris Eifman เป็นต้นฉบับเสมอมีนวัตกรรมผสมผสานการออกแบบท่าเต้นร็อคเชิงวิชาการไม่ใช่ประเด็นและสมัยใหม่ ทุกปีคณะเดินทางไปอเมริกา ละครเวทีรวมถึงบัลเล่ต์สำหรับเด็กและร็อค

Pierre Lacotte เป็นนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นซึ่งเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการออกแบบท่าเต้นโบราณที่ได้รับการยอมรับ เขาถูกเรียกว่านักโบราณคดีบัลเล่ต์นักออกแบบท่าเต้นโบราณวัตถุ เขาเป็นผู้บูรณะผลงานชิ้นเอกที่ถูกลืมเลือนในหลายศตวรรษที่ผ่านมา

ปิแอร์ลาคอตต์เกิดเมื่อวันที่ 4 เมษายน พ.ศ. 2475 เขาเรียนที่โรงเรียนบัลเล่ต์ที่ Paris Opera เรียนรู้จากนักบัลเล่ต์ชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ - Matilda Kshesinskaya, Olga Preobrazhenskaya, Lyubov Egorova เขาเข้ากันได้ดีเป็นพิเศษกับเยโกโรวาครูคนแรกของเขา - เธอมีความจำที่ดีเยี่ยมเธอจำบัลเลต์ของ Marius Petipa ได้ในทุกรายละเอียดและบอกเด็ก ๆ ถึงบทบาททั้งหมดทั้งหลักและรอง

เยี่ยมชมห้องนั่งเล่นสีเขียว - Pierre Lacotte

ตอนอายุ 19 ปีปิแอร์ลาคอตต์กลายเป็นนักเต้นคนแรกของโรงละครหลักในฝรั่งเศส เขาเต้นรำกับดาราเช่น Yvette Chauvire, Lisette Darsonval, Christian Vossard ตอนอายุ 22 เขาเริ่มสนใจการเต้นรำร่วมสมัยเริ่มแสดงละครเวทีอย่างอิสระละทิ้งอาชีพการเป็นนักเต้นคลาสสิกและในปีพ. ศ. 2498 ได้ออกจากโรงละคร Paris Opera ในปีพ. ศ. 2500 เขาเต้นที่ New York Metropolitan Opera

ในช่วงครึ่งหลังของวัยห้าสิบและต้นอายุหกสิบเศษ Lacotte ได้กำกับคณะบัลเล่ต์ Eiffel Tower ซึ่งแสดงที่Théâtre des Champs-Élyséesโดยจัดแสดงในการแสดงของเธอเรื่อง The Fairy Night, The Parisian Boy ให้กับเพลงของ Charles Aznavour และคนอื่น ๆ ในปีพ. ศ. 2506-2511 เขาเป็นผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของคณะละครเยาวชนแห่งชาติบัลเล่ต์แห่งดนตรีฝรั่งเศสซึ่งเขาได้จัดแสดง A Simple Symphony ให้กับดนตรีของ Britten, Hamlet ไปจนถึงดนตรีของ Walton และความหลงใหลในอนาคตต่อดนตรีของ Lutoslawski ที่นั่นนักเต้นที่ยอดเยี่ยม Ghilen Tesmar ซึ่งต่อมากลายเป็นภรรยาของ Lacotte ได้ประกาศตัวเองเป็นครั้งแรก

ซิลไฟด์เป็นสัญลักษณ์ของบัลเล่ต์โรแมนติก ใน La Sylphide นักบัลเล่ต์ Maria Taglioni ลุกขึ้นมาสวมรองเท้า Pointe เป็นครั้งแรก (“ ไม่ใช่เพื่อผล แต่เพื่องานที่เป็นรูปเป็นร่าง”) นางเอกของ Taglioni ดูเหมือนสิ่งมีชีวิตเหนือธรรมชาติจริงๆไม่ใช่ผู้หญิง แต่เป็นวิญญาณที่ท้าทายกฎแห่งแรงดึงดูดเมื่อนักเต้น "เหิน" ไปทั่วเวทีโดยแทบไม่แตะพื้นและแช่แข็งชั่วขณะในท่าทางอารบิกที่บินราวกับว่าได้รับแรงหนุนจากพลังมหัศจรรย์ที่ปลายเท้าโค้งของเธอ นี่คือ "La Sylphide" ซึ่งจัดแสดงให้มาเรียโดย Filippo Taglioni พ่อของเธอซึ่งนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Pierre Lacotte ได้ฟื้นขึ้นมาอย่างรอบคอบหลังจากผ่านไปร้อยห้าสิบปี

ในปีพ. ศ. 2514 Lacotte ได้สร้างบัลเล่ต์ La Sylphide ขึ้นใหม่โดยไม่คาดคิดโดย Philippe Taglioni จัดแสดงในปีพ. ศ. 2375 สำหรับลูกสาวในตำนานของเขา การแสดงที่สร้างขึ้นสำหรับโทรทัศน์ได้ถูกย้ายไปยังเวทีของ Paris Opera ในปีพ. ศ. 2515 ทำให้เกิดแฟชั่นสำหรับบัลเล่ต์เก่าและกลายเป็นครั้งแรกในการต่ออายุ Lacotte การสร้างใหม่ไม่ได้ร้อยเปอร์เซ็นต์ - ลาคอตต์ไม่สามารถ "ก้ม" ให้กับเทคนิคที่ไม่สมบูรณ์แบบของนักเต้นในยุคนั้นและวางบัลเล่ต์ทั้งหมดไว้บนรองเท้าพอยต์แม้ว่าในปี 1832 "La Sylphide" มีเพียง Maria Taglioni เท่านั้นที่ยืนอยู่บนนิ้วเท้าของเธอและการออกแบบท่าเต้นก็เล่นได้

โครงเรื่องของบัลเล่ต์สร้างจากเรื่องสั้นที่น่าอัศจรรย์ "Trilby" (1822) โดย Charles Nodier นักเขียนชาวฝรั่งเศส การแสดงรอบปฐมทัศน์ของบัลเล่ต์สู่ดนตรีโดยนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Jean Schneizhoffer จัดขึ้นในปีพ. ศ. 2375 ที่ Grand Opera ในปารีส
ผู้เรียบเรียง: J. Schneitzhoffer นักออกแบบท่าเต้นบนเวที: Pierre Lacotte
การออกแบบชุดและเครื่องแต่งกาย: Pierre Lacotte Mariinskii Opera House ดนตรี - Cesare Puni ท่าเต้น - Pierre Lacotte
นักแสดง: Undine - Evgenia Obraztsova, Matteo - Leonid Sarafanov, Dzhanina - Yana Serebryakova, Lady of the Sea - Ekaterina Kondaurova, Two undine - Nadezhda Gonchar และ Tatiana Tkachenko

เกจิชาวฝรั่งเศสทำงานบัลเล่ต์ "Ondine" เป็นเวลาหลายปีซึ่งเป็นเหตุการณ์ที่หาได้ยากในโลกตะวันตก มันเริ่มต้นด้วยความจริงที่ว่าเขามาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตามคำเชิญของผู้อำนวยการโรงละคร Mariinsky เพื่อเจรจาสิ่งที่ Lacotte สามารถแสดงในโรงละครแห่งนี้ได้ นักออกแบบท่าเต้น Nikita Dolgushin พบคะแนนเก่าสำหรับ Ondine ซึ่งเป็นบัลเล่ต์เวอร์ชั่นปีเตอร์สเบิร์กที่จัดแสดงโดย Jules Perrot ในปีพ. ศ. 2394 Lacotte ตระหนักว่ามันเป็นโชคชะตา เขาหยิบ "ออนดีน" เริ่มรวบรวมเวอร์ชันเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและลอนดอนโดยอิงจากสามสถานการณ์ที่เปอร์โรลต์สร้างขึ้นหนึ่งแบบและบัลเล่ต์ก็ดูไม่สมบูรณ์แบบ แต่ให้ความคิดเกี่ยวกับท่าเต้นในเวลานั้น

สำหรับคณะละครโอเปร่าปารีส Lacotte ในปี 2544 ได้บูรณะ Coppelia ของ Arthur Saint-Léonซึ่งเปิดตัวในปีพ. ศ. 2413 ตัวเขาเองรับบทเป็นคอปเปเลียสผู้ล่วงลับ

ในปีพ. ศ. 2523 ด้วยวงดนตรีบัลเลต์คลาสสิกของมอสโกนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศสได้จัดฉากให้กับ Ekaterina Maximova รับบท Natalie หรือ Swiss Milkmaid ซึ่งเป็นบัลเลต์ที่ถูกลืมโดย Filippo Taglioni

แต่ Lacotte ไม่ใช่นักออกแบบท่าเต้นที่ไม่มีคณะของตัวเอง ในปี 1985 เขาได้เป็นผู้อำนวยการ Monte Carlo Ballet ในปี 1991 ปิแอร์ลาคอตต์ได้ดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการ State Ballet of Nancy and Lorraine เมื่อเขามาถึงบัลเล่ต์ของเมือง Nancy ก็กลายเป็นคณะละครคลาสสิกที่สำคัญที่สุดอันดับสองในฝรั่งเศส (รองจาก Paris Opera)

เขาได้รับที่เก็บถาวรของ Maria Taglioni และกำลังจะตีพิมพ์หนังสือเกี่ยวกับนักบัลเล่ต์ในตำนานคนนี้ เขาเต็มไปด้วยไอเดียใหม่ ๆ ...

belcanto.ru› lacotte.html

บัลเล่ต์ฝรั่งเศส ตะกร้าฝรั่งเศส ในฝรั่งเศสในศตวรรษที่เปรียบเทียบการเต้นรำเป็นส่วนหนึ่งของเตียงสองชั้น เกมและคริสตจักร งานเฉลิมฉลอง ตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 เขารวมอยู่ในภูเขา การแสดงละครและการแสดงในวังบางครั้งอยู่ในรูปแบบของฉากแทรก ในศตวรรษที่ 15 "momeria" มีการเต้นรำในระหว่างการแข่งขันและงานเฉลิมฉลอง ศ. การเต้นรำในศตวรรษที่ Sravn ได้รับการพัฒนาบนพื้นฐานของคติชนในศิลปะของนักเล่นกล อีกแหล่งหนึ่งคือการเต้นรำบอลรูม (การเต้นรำเบส) ของงานเฉลิมฉลองในวัง บนพื้นฐานของความสนุกสนานรื่นเริงที่หลากหลายรูปแบบของการแสดงจึงถูกสร้างขึ้นซึ่งได้รับในตอนท้าย ศตวรรษที่ 16 ชื่อ "บัลเล่ต์". ผู้จัดงานเทศกาลในวังอิตาลี ปรมาจารย์ด้านการเต้นที่เชี่ยวชาญในอิตาลีในศตวรรษที่ 16 เต้นรำ. โรงเรียนเป็นกรรมการบนเวที The Ballet of Polish Ambassadors (1573) และ The Queen's Comedy Ballet (1581) ซึ่งจัดแสดงโดย Balthazarini di Belgioioso (Baltazar de Beaujouillet) ได้กลายเป็นตัวอย่างแรกของประเภทใหม่ - การแสดงที่มีการพัฒนาอย่างต่อเนื่องซึ่งรวมถึงคำพูดดนตรีและการเต้นรำ

ตลอดศตวรรษที่ 17 การพัฒนา "คอร์ทบัลเลต์" ได้ผ่านไปหลายครั้ง ขั้นตอน ในปี 1600–10 เหล่านี้เป็น "บัลเล่ต์ปลอมตัว" (Masquerade at the Fair of Saint-Germain, 1606) ในปี 1610–1620 - "บัลเลต์ไพเราะ" พร้อมการร้องเพลงตามตำนาน แผนการและการผลิต วรรณกรรม ("Ballet of the Argonauts", 1614; "The Madness of Roland", 1618) จากนั้นก็จัดขึ้นจนจบ ศตวรรษที่ 17 บัลเล่ต์ที่ทางออก (Royal Ballet of the Night, 1653) นักแสดงของพวกเขาคือข้าราชบริพาร (ในปี 1651–70 - พระเจ้าหลุยส์ที่ 14) และศ. นักเต้นคือ "บาลาเดน" ในช่วงทศวรรษที่ 1660 และ 70 Moliere ร่วมกับคอมพ์ J. B. Lully และบัลเล่ต์ P. Beauchamp ได้สร้างประเภทของ "ตลก - บัลเล่ต์" ("Bourgeois in the ขุนนาง", 1670) ซึ่งการเต้นรำเป็นแบบละครที่มีความทันสมัย เนื้อหา. ในปี ค.ศ. 1661 Beauchamp เป็นหัวหน้าสถาบัน Royal Academy of Dance (มีอยู่จนถึงปี ค.ศ. 1780) ซึ่งออกแบบมาเพื่อควบคุมรูปแบบและคำศัพท์ของการเต้นบัลเล่ต์ซึ่งเริ่มพัฒนาไปสู่ระบบคลาสสิก เต้นรำ. 1669 ก่อตั้งและเปิดในปีค. ศ. 1671 tr - Royal Academy of Music, to-ry ในปี 1672 นำโดย Lully ในโอเปร่าของเขา ("โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ") ซึ่งค่อยๆอัดแน่นไปด้วยบัลเล่ต์ในศาลการเต้นรำครอบครองตำแหน่งรอง แต่ภายในการแสดงนั้นมีกระบวนการของการเต้นรำอย่างมืออาชีพขัดรูปแบบในศิลปะของ Beauchamp นักเต้น G.L. Pekura และศ. นักเต้น (และคนอื่น ๆ \u003e.) ซึ่งปรากฏตัวครั้งแรกในปี 1681 ในบัลเล่ต์ของ Lully "The Triumph of Love" ไปยังจุดสิ้นสุด ศตวรรษที่ 17 ความสำเร็จของการออกแบบท่าเต้นสะท้อนให้เห็นในทางทฤษฎี ผลงานของ K. F. Menetrie ("On the ballets of old and modern as the law of theatre", 1682) และ R. Feye ("Choreography and the art of recording a dance", 1700) ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 17-18 นักเต้น N.Blondy และ J. Balon และนักเต้น M. T. de Subliny ได้รับชื่อเสียง

กวางมูส tr ชั้น 2 17-18 ศตวรรษ เป็นนักคลาสสิก แต่ในบัลเล่ต์เนื่องจากการพัฒนาที่ช้าคุณสมบัติของบาร็อคยังคงอยู่เป็นเวลานาน การแสดงยังคงเขียวชอุ่มและยุ่งยากปราศจากความเป็นเอกภาพของโวหาร

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 มีสัญญาณของความเมื่อยล้าในเนื้อหาเชิงอุดมคติ - เป็นรูปเป็นร่างของบัลเล่ต์พร้อมกับการปรับปรุงเทคนิคการเต้นเพิ่มเติม แนวโน้มทั่วไปในการพัฒนาบัลเล่ต์ t-ra ในศตวรรษที่ 18 - ความปรารถนาในการตัดสินใจด้วยตนเองการสร้างการแสดงที่สำคัญซึ่งเนื้อหาจะแสดงเป็นโขนและนาฏศิลป์ อย่างไรก็ตามรูปแบบเก่า ๆ ยังคงอยู่ตลอดศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งบนเวทีของ Royal Academy of Music ทำให้เกิดการวิพากษ์วิจารณ์ผู้รู้แจ้ง (D. Diderot และอื่น ๆ ) ในตอนเริ่มต้น. ศตวรรษที่ 18 สิ่งเหล่านี้เป็นสีพาสเทลที่กล้าหาญจากยุค 30 - คอมพ์โอเปร่า - บัลเล่ต์ J. F. Rameau ("Gallant India", 1735) ซึ่งการเต้นรำยังคงอยู่ในรูปแบบของร้านค้าที่เชื่อมต่อกันอย่างอ่อนแอ นักแสดง Virtuoso มีชื่อเสียงในการแสดงเหล่านี้: นักเต้น M. Camargo นักเต้น L. Dupre พี่ชายและน้องสาวของ Lani พยายามที่จะถ่ายทอดการเต้นที่น่าทึ่ง เนื้อหาถูกระบุไว้ในการแสดงของนักเต้น F. Prevost (โขนในพล็อตตอนจาก "The Horatii" โดย P. Corneille ถึงดนตรีโดย J. J. Mouret, 1714; "Characters of the Dance" กับดนตรีโดย J. F. Rebel, 1715) และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง M. Salle ซึ่งทำงานร่วมกับ Royal Academy of Music ในลอนดอนกล่าวว่า "การแสดงที่น่าทึ่ง" เกี่ยวกับของเก่า ธีม ("Pygmalion", 1734)

ภายใต้อิทธิพลของความคิดของการตรัสรู้ในผลงานของบุคคลที่ก้าวหน้าที่สุดของโรงละครบัลเล่ต์ความบันเทิงทำให้เกิด "การเลียนแบบธรรมชาติ" ซึ่งถือว่าเป็นธรรมชาติของตัวละครและความจริงของความรู้สึก อย่างไรก็ตามประสบการณ์เหล่านี้แทบจะไม่ทะลุเวทีของ Royal Academy of Music กิจกรรมของนักปฏิรูปผู้ยิ่งใหญ่ของโรงละครบัลเล่ต์ J. J. Nover เกิดขึ้นนอกโรงละครแห่งนี้และนอกฝรั่งเศสบางส่วน (สตุ๊ตการ์ทเวียนนาลอนดอน) หลักการของการปฏิรูปบัลเล่ต์ถูกกำหนดโดย Nover ในทางทฤษฎี งาน "Letters on Dance and Ballets" (1st ed., 1760) บัลเลต์ที่เขาสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของแนวคิดเรื่องวิชชาไม่ใช่การแสดงเพื่อความบันเทิง แต่เป็นการแสดงละครที่จริงจัง การแสดงมักเป็นเรื่องของโศกนาฏกรรมคลาสสิก พวกเขามีความซื่อสัตย์การกระทำและประสบการณ์ของตัวละครแสดงออกโดยการออกแบบท่าเต้น (ch. Arr. Pantomime) โดยไม่ต้องมีส่วนร่วมของคำพูด ที่ Royal Academy of Music ในปี 1776–78 "Medea and Jason" และ "Appeles and Campasp" โดย Rodolphe, "Horace" Granier และ "Trinkets" โดย Mozart อยู่ชั้น 2. ศตวรรษที่ 18 นักออกแบบท่าเต้นหลายคนทำการทดลองของพวกเขาในโรงละครตลกอิตาลีของชาวปารีสและในโรงละครของลียงและบอร์โดซ์ ผู้ติดตามของ Novers เจ. โดเบอร์วาลทำงานในบอร์โดซ์ผู้สร้างหนังตลกบัลเล่ต์รูปแบบใหม่ (A Vain Precaution, 1789) ในที่สุด. ศตวรรษที่ 18 ที่มีชื่อเสียง ได้แก่ นักเต้น M. Guimard, M. Allard, A. Heinel, Theodore, นักเต้น G. Vestris, M. และ P.Gardel, Doberval

ตั้งแต่ยุค 80 ศตวรรษที่ 18 จนถึงยุค 20 ศตวรรษที่ 19 P.Gardel เป็นหัวหน้าคณะดนตรีของ Academy of Music (ในปี 1789-1814 เปลี่ยนชื่อหลายครั้ง) ละครรวมถึงบัลเล่ต์ของเขา (Telemac และ Psyche โดย Miller, 1790; Dancemania by Megul, 1800; Paul and Virginia โดย Kreutzer, 1806) และบัลเล่ต์โดย L. Milon (Nina เป็นดนตรีของ Peruis หลังจาก Daleirak, 1813 ; "Carnival of Venice" ในดนตรีของ Perseuis หลัง Kreutzer, 1816) ในยุค 20 มีบัลเล่ต์โดย J. Omer: "A Vain Precaution" โดย Herald ตาม Doberval (1828), "Somnambul" โดย Herald (1827), "Manon Lescaut" โดย Halevy (1830) ของนักแสดงในปี 1780-1810 O. Vestris มีชื่อเสียงเป็นพิเศษในช่วงทศวรรษที่ 10–20 - นักเต้น M.Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, นักเต้น L. Duport ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเทคนิคการเต้นรำเปลี่ยนไปอย่างมาก: ไม่ราบรื่นสง่างาม แต่การเคลื่อนไหวแบบหมุนและการกระโดดที่ชาญฉลาดการเคลื่อนไหวของนิ้วครึ่งกลายเป็นสิ่งที่โดดเด่น เมื่ออยู่ในยุค 30 บัลเล่ต์ t-r ได้รับอิทธิพลจากแนวความคิดแนวโรแมนติกเทคนิคเหล่านี้ได้รับเนื้อหาใหม่ ในการแสดงของ F. Taglioni จัดแสดงให้ลูกสาวของเขา M. Taglioni (La Sylphide, 1832; The Virgin of the Danube, 1836), ch. ตัวละครนั้นยอดเยี่ยมมาก สิ่งมีชีวิตที่ตายจากการสัมผัสกับความเป็นจริง รูปแบบใหม่ของการเต้นรำได้รับการพัฒนาขึ้นที่นี่โดยอาศัยการเคลื่อนไหวทางอากาศและเทคนิคการเต้นบนปวงต์ทำให้เกิดความรู้สึกไร้น้ำหนัก ในยุค 30 - 50 บัลเล่ต์ในฝรั่งเศสพุ่งขึ้นสูงสุด มีความหมายมากที่สุดอย่างหนึ่ง manuf. ทิศทางนี้จัดแสดงโดย J. Coralli และ J. Perrot "Giselle" (1841) Repertoire of the Academy of Music 40-50s ประกอบด้วยโรแมนติก บัลเลต์ Coralli (Tarantula โดย K. Gide, 1839; Peri, 1843) และ J. Mazilier (Paquita, 1846; Le Corsaire, 1856) ในเวลาเดียวกัน Perrault แสดงนอกประเทศฝรั่งเศส (ส่วนใหญ่อยู่ในลอนดอน แต่แสดงโดยศิลปินชาวฝรั่งเศส) บัลเล่ต์ที่ดีที่สุดของเขา - Esmeralda (1844), Catharina, the Robber's Daughter (1846) เป็นต้นสิ่งเหล่านี้เป็นการแสดง ใกล้กับงานศิลปะของกวีโรแมนติกในยุคปฏิวัติ อัพทูไรย์มีอิทธิพลต่อผู้ชมอย่างกล้าหาญ สิ่งที่น่าสมเพชพลังแห่งความหลงใหล การกระทำที่รุนแรงเป็นตัวเป็นตนใน kulminats ช่วงเวลาของการเต้นรำที่พัฒนาขึ้นความสนใจเป็นพิเศษจะจ่ายให้กับการเต้นที่มีลักษณะเฉพาะ F. Elsler ประสบความสำเร็จอย่างมากในพวกเขา คนอื่น ๆ ได้แสดงในฝรั่งเศส โรแมนติกที่มีชื่อเสียง นักเต้น - K. Grisi, L. Gran, F. Cerrito การปฏิบัติและทฤษฎีโรแมนติก บัลเล่ต์สะท้อนให้เห็นในผลงานของ F.A.J. Castile-Blaz และ T. Gaultier ซึ่งเป็นผู้เขียนสคริปต์หลายเรื่องด้วย

ด้วยการเสื่อมถอยของลัทธิโรแมนติก (ยุค 70–90 ของศตวรรษที่ 19) บัลเล่ต์จึงสูญเสียการสัมผัสกับแนวคิดในยุคของเรา โปรดักชั่นโดย A. Saint-Léonที่ Academy of Music ในยุค 60 ดึงดูดด้วยความมั่งคั่งของการเต้นรำและการแสดงบนเวทีมากมาย เอฟเฟกต์ ("Nemea" Min-kusa และอื่น ๆ \u003e.) บัลเล่ต์ที่ดีที่สุดของ Saint-Léonคือ Coppelia (1870) ในปีพ. ศ. 2418 คณะของ t-ra เริ่มทำงานในอาคารใหม่ที่สร้างโดยสถาปนิก C. Garnier และชื่อของ Paris Opera ballet ตั้งอยู่ข้างหลังเธอ แต่ศิลปะบัลเล่ต์ในยุค 80 และ 90 ศตวรรษที่ 19 เสื่อมโทรม ที่ Paris Opera บัลเล่ต์ได้กลายเป็นส่วนเสริมของการแสดงโอเปร่า การอุทธรณ์ต่อบัลเลต์ของนักประพันธ์ L. Delibes ("Sylvia" ในโพสต์ Meranta, 1876), E. Lalo ("Namuna" ในโพสต์ L. Petipa, 1882), A. Messager ("Two Doves" ในโพสต์ Meranta, 1886 ) ไม่ได้เปลี่ยนตำแหน่ง การแสดงของ Merant ในยุค 70s-80s, I. Hansen ในยุค 90 และที่จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 20 ("Maladetta" Vidal, 1893; "Bacchus" Duvernois, 1905) ไม่ประสบความสำเร็จแม้จะมีส่วนร่วมของนักเต้นที่โดดเด่น K. Zambelli การฟื้นฟูบัลเล่ต์ในฝรั่งเศสเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของรัสเซียและเกี่ยวข้องกับฤดูกาลของรัสเซียซึ่ง S.P Diaghilev ดำเนินการในปารีสตั้งแต่ปี 1908 (การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกในปี 1909) รวมถึงกิจกรรมของคณะบัลเลต์รัสเซีย Diaghilev ซึ่งแสดงในฝรั่งเศสในปี 2454 –29. ศิลปินและนักออกแบบท่าเต้นหลายคนที่ทำงานที่นี่ได้เชื่อมโยงกับชาวฝรั่งเศสในเวลาต่อมา บัลเล่ต์ t-rom: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar คนอื่น ๆ ก็มีผลกระทบเช่นกัน รัสเซีย กลุ่มดนตรีและศิลปิน: คณะละคร IL Rubinstein (1909–11 และในปี 1920) ซึ่งเขียน K. Debussy (Martyrdom of St. Sebastian, ballet Rubinstein, 1911) และ M. Ravel ( "Bolero", บัลเล่ต์ Nizhinskaya, 2471); N.V. Trukhanov สำหรับการตัดฉากโดย I.N. Khlyustin ซึ่งทำงานที่ Paris Opera มาตุภูมิ คนเร่ร่อนหันมาสนใจดนตรีของชาวฝรั่งเศส คอมพ์ (Ravel, Debussy, Duque ในปี 1920 - นักแต่งเพลงของ Six) สำหรับการแสดงของพวกเขาทิวทัศน์ถูกสร้างขึ้นโดยชาวฝรั่งเศส ศิลปิน (P.Picasso, A.Matisse, F.Leger, J.Roault และคนอื่น ๆ ) หลังสงครามโลกครั้งที่ 1 pl. รัสเซีย ศิลปินเปิดโรงเรียนสอนบัลเล่ต์ในปารีสซึ่งเปิดสอนภาษาฝรั่งเศสมากกว่าหนึ่งรุ่น ศิลปิน ผู้อำนวยการโรงละคร Paris Opera (2453–444) J. Rouchet มุ่งมั่นที่จะยกระดับการแสดงบัลเล่ต์เชิญศิลปินที่มีชื่อเสียงมาที่โรงละคร (L. S. Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breyer, M. Detoma) ชาวรัสเซีย ศิลปินนักออกแบบท่าเต้น การฟื้นฟูกิจกรรมบางอย่างของการแสดงบัลเล่ต์โอเปร่ามีเค้าโครงย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 10–20 การแสดงโพสต์จำนวนหนึ่ง L. Stats ("Bees" ประกอบดนตรีโดย Stravinsky, 1917; "Sidaliz and Satyr" โดย Piernet, 1923) รับเชิญ Fokine ("Daphnis and Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva หลังจากปีพ. ศ. 2472 บนพื้นฐานของความประหลาดใจของ Diaghilev ซึ่งเป็นชาวรัสเซีย - ฝรั่งเศสจำนวนหนึ่ง กลุ่มบัลเล่ต์: "Balle rus de Monte-Carlo" และอื่น ๆ ในปีพ. ศ. 2473–59 (ช่วงพักปี พ.ศ. 2487–2547) คณะละครโอเปร่านำโดยเอส. ลิฟาร์ผู้จัดแสดงในเซนต์ 50 การแสดง กิจกรรมของเขามีความสำคัญอย่างยิ่งต่อชาวฝรั่งเศส บัลเล่ต์ซึ่งฟื้นคืนศักดิ์ศรีในอดีต ละครของ Opera ได้รับการปรับปรุงใหม่ทั้งหมด นักแต่งเพลงศิลปินและนักเขียนบทภาพยนตร์รายใหญ่มีส่วนร่วมในการสร้างบัลเล่ต์ Lifar ใช้วิชาโบราณตามพระคัมภีร์ในตำนานสำหรับการแสดงของเขาบางครั้งก็ตีความในเชิงสัญลักษณ์: "Icarus" เป็นจังหวะของ Sifer (1935, ฟื้นขึ้นมาในปี 1962 พร้อมการตกแต่งโดย P. Picasso), "Joan of Tsarissa" โดย Egka (1942), "Phaedra" Orica (1950 พร้อมบทและฉากโดย J. Cocteau), Sauguet's Visions (1947), Fantastic Wedding ของ Delannoy (1955) จากรุ่นเก่าของเขานักออกแบบท่าเต้นขององค์กร Diaghilev Lifar ได้นำเอาประเพณีของละครบัลเล่ต์ของ Fokin และประเพณีการออกแบบท่าเต้นในศตวรรษที่ 19 ซึ่งวิธีการแสดงออกหลักคือคลาสสิก เต้นรำ. เต้นรำ. เขาปรับปรุงภาษาให้ทันสมัยและสร้างภาพบนพื้นฐานของเหตุผลมากกว่าอารมณ์ ("นีโอคลาสสิก" ของ Lifar) มีการนำเสนอภาษาฝรั่งเศสมากกว่าหนึ่งรุ่น ศิลปิน: นักเต้น S. Schwartz, L. Darsonval, I.Shovire, M. Lafon, K. Vossard, L. Deide, K. Bessie; นักเต้น M.Reno, M. Bozzoni, A.Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis อย่างไรก็ตามวาทศิลป์เชิงนามธรรมที่มีอยู่ในบัลเล่ต์ของ Lifar การสูญเสียความเชื่อมโยงกับสมัยใหม่ ความเป็นจริงโดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 พ.ศ. 2482–45 ทำให้เกิดความไม่พอใจในครั้งนี้ ศิลปินรุ่นใหม่ที่กำลังมองหาวิธีการใหม่ ๆ และการสร้างสายสัมพันธ์ทางศิลปะกับความทันสมัยเริ่มทำงานนอกโรงละครโอเปร่าซึ่งเพลง Lifar จำกัด เฉพาะผลงานของเขาเอง ร. เปอตีต์ได้สร้างคณะบัลเลต์แห่งช็องเซลิเซ่ (พ.ศ. 2488–51) และบัลเลต์แห่งปารีส (พ.ศ. 2491–67 เป็นระยะ ๆ ) โดยเขาแสดงบัลเลต์เรื่อง The Wandering Comedians Soge (1945), The Youth and Death to Music JS Bach (2489), "Carmen" ในดนตรี Bizet (1949), "The Wolf" Dutilleu (1953) ต่อมา (ในยุค 60 และ 70) ผลงานที่ดีที่สุดของเขา ได้แก่ มหาวิหารนอเทรอดาม (1965, Paris Opera) และ Light the Stars! กับดนตรีประกอบ (1972, "Marseille Ballet") Petit ทำงานในแนวดราม่า บัลเล่ต์ (หลายสถานการณ์สำหรับเขาเขียนโดยเจ. อนูอิล) ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของโศกนาฏกรรมจากนั้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงแรกไปจนถึงการแสดงตลกขบขัน แต่สร้างขึ้นจากตัวละครที่มีชีวิตและการเต้นรำผสมผสานกัน แบบฟอร์มพร้อมคำศัพท์ในชีวิตประจำวัน ในบัลเล่ต์ที่ดีที่สุดเขาหันไปใช้ความขัดแย้งที่สะท้อนถึงความขัดแย้งที่แท้จริงของชีวิตและแก้ไขด้วยวิธีที่เห็นอกเห็นใจผู้อื่น แผน (การปฏิเสธความไม่สามารถหลีกเลี่ยงได้ของความชั่วร้ายความเข้มแข็งทางศีลธรรมศรัทธาในตัวบุคคล) พร้อมกับ Petit ตัวเองนักเต้น N. Vyrubova, R.Shanmer, E.Pagava, N. Filippar, K. Marchand, V. Verdi, I.Skorik นักเต้น J. Babile, Y. Algarov, R.Briand ในยุค 50 มีคนอื่น ๆ troupes ซึ่งมีการค้นหาในด้านการต่ออายุธีมและการเต้นรำ ภาษา: บัลเล่ต์แห่งฝรั่งเศสและอื่น ๆ troupes J. Charr, "Balle de l'Eguale" ภายใต้การดูแลของ M. Bejart Bejart แม้จะเป็นหัวหน้าคณะบัลเลต์บรัสเซลส์ในศตวรรษที่ XX ตั้งแต่ปี 1960 แต่ก็เป็นหนึ่งในนักบัลเล่ต์ชั้นนำของฝรั่งเศสเขาเห็นการออกแบบท่าเต้นในงานศิลปะ วิธีการแสดงทัศนคติที่มีต่อปัญหาในชีวิตบางครั้งโดยตรงบางครั้งอาจเป็นแง่มุมทางปรัชญาหรือลึกลับนักออกแบบท่าเต้นแสดงความสนใจเป็นพิเศษในปรัชญาตะวันออกรูปแบบละครตะวันออกและการเต้นรำ รูปแบบของการแสดงท่าเต้น: ประเภทของ "t-ra ทั้งหมด" ที่มีความโดดเด่นของท่าเต้น ("The Four Sons of Emon" สำหรับดนตรีประกอบ, 2504), บัลเล่ต์ที่มีข้อความเป็นคำพูด ("Baudelaire" สำหรับดนตรีและบทกวีรวม, 1968; "Our Faust" สำหรับการรวมกัน ดนตรี, 2518), การแสดงที่ยิ่งใหญ่ในเวทีกีฬาและในละครสัตว์ ("Ninth Symphony" ให้กับดนตรีของ L. Beethoven, 1964) เขาจัดแสดงบัลเลต์ที่มีชื่อเสียงของตัวเอง: "The Rite of Spring", 1959; "Bolero", 1961; "Heat -bird ", 1970 ความรู้สึกทันสมัยทำให้บัลเล่ต์ของ Bejart อยู่ใกล้ ๆ สำหรับข้อเรียกร้องของผู้ชมโดยเฉพาะเยาวชน

ในยุค 70 Paris Opera ได้รับการจัดระเบียบใหม่ มีแนวโน้มสองประการที่นี่: ในแง่หนึ่งคือรวมบัลเล่ต์ที่ได้รับการอนุมัติโดยนักออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียง (Balanchine, Robbins, Petit, Bejart, Alicia Alonso, Grigorovich) ในละครเพลงและฟื้นฟูมาตรฐาน ฉบับบัลเล่ต์เก่า ("La Sylphide" และ "Coppelia" ในกองบรรณาธิการของ P. Lakota) ในทางกลับกันให้โอกาสในการทดลองกับหนุ่มสาวชาวฝรั่งเศส นักออกแบบท่าเต้น (F.Blaska, N.Shmuki) และชาวต่างชาติรวมถึง ตัวแทนของการเต้นรำสมัยใหม่ (G.Tetley, J. Butler, M. Cunningham) Theatre Group ก่อตั้งขึ้นที่โรงละครโอเปร่าในปี พ.ศ. 2517 ค้นหาภายใต้มือ หญิงชาวอเมริกัน K. Carlson Paris Opera เป็นไปตามกระแสนิยมของชาวฝรั่งเศส บัลเล่ต์ที่เพิ่มความสนใจในโรงละครล่าสุด แบบฟอร์ม

ในยุค 60 และ 70 หลายคนทำงานในฝรั่งเศส คณะบัลเล่ต์: "Gran Balle du Marc de Cuevas" (2490–62) ซึ่งเน้นการแสดงแบบดั้งเดิมดึงดูดนักแสดงที่มีชื่อเสียง (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov); บัลเล่ต์ร่วมสมัยในปารีส (บัลเล่ต์โดย F. และ D. Dupuis ตั้งแต่ปี 1955) French Dance Theatre J. Lazzini (1969–71) บัลเล่ต์โดย Felix Blasky (ตั้งแต่ปี 1969 ตั้งแต่ปี 1972 ใน Grenoble), Nat บัลเล่ต์ของกล้ามเนื้อ เยาวชนของฝรั่งเศส (บัลเล่ต์ Lacotte ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2506 ถึงจุดสิ้นสุด 60-ies) คณะบัลเล่ต์ภายใต้มือ J.Roussillo (จากปี 1972), Theatre of Silence (จากปี 1972) กลุ่มคนเร่ร่อนจำนวนมากทำงานในต่างจังหวัด: Modern Ballet Theatre (บัลเล่ต์ F.Adre ตั้งแต่ปี 1968 ใน Amiens ตั้งแต่ปี 1971 ใน Angers) Ballet of Marseille (บัลเล่ต์ Petit ตั้งแต่ปี 1972) Rhine Ballet (ตั้งแต่ปี 1972 ใน Strasbourg บัลเล่ต์ P. van Dijk ตั้งแต่ปี 1974) ที่โรงละครโอเปร่าของลียง (บัลเล่ต์โดย V. Biagi) บอร์โดซ์ (บัลเล่ต์โดย Skuratov) ศิลปินเดี่ยวชั้นนำในยุค 60 - 70: J.Amiel, S. Atanasov, C.Bessy, J. P. Bonfoux, R.Briand, D.Kanio, J. Guiserix, M. Denard, A.Labis, C. Motte, J.Piletta, N.Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G.Tesmar, N. Thibon, J. P. Franchetti

ก่อตั้งโรงเรียนที่ Paris Opera ในปี 1713 (ตั้งแต่ปี 2515 ผู้กำกับ K. Bessie) ในปารีสตั้งแต่ยุค 20 ศตวรรษที่ 20 ทำงานมากมาย โรงเรียนเอกชน: M. F. Kshesinskaya, O. I. Preobrazhenskaya, L. N. Egorova, A. E. Volinin, H.Lander, B.Knyazev, M. Gube และอื่น ๆ ในเมืองคานส์ในปีพ. ศ. 2505 ศูนย์คลาสสิกได้เปิดขึ้น การเต้นรำ (ก่อตั้งโดย R.Hightower) ปารีสเป็นเจ้าภาพจัดงานเทศกาลเต้นรำประจำปีตั้งแต่ปีพ. ศ. 2506 การเต้นรำเกิดขึ้นอย่างมากในงานเทศกาลในอาวิญงและอื่น ๆ

นิตยสารบัลเล่ต์: "หอจดหมายเหตุ international de la danse" (พ.ศ. 2475–36), "ทรีบูนเดอลาแดนส์" (พ.ศ. 2476–39), "Art et danse" (พ.ศ. 2501), "Toute la danse et la musique" (พ.ศ. 2495 ), "Danse et rythmes" (c 1954), "Les saisons de la danse" (c 1968)

นักวิจัยและนักวิจารณ์ที่มีชื่อเสียงที่สุด (ศตวรรษที่ 20): A.Punnier, P. Thugal, FReina, P. Michaud, L. Vaya, M.F.Cristu, I.Lidova, Y. Sazonova, A. K. Dieni, A. F. Ersen Lifar เขียนหนังสือมากกว่า 25 เล่ม

Lit .: Khudekov S. ประวัติศาสตร์การเต้นรำตอนที่ 1-3 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - P. , 1913–15; เลวินสันΑ. บัลเล่ต์โทเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2457; Sollertinsky I. ชีวิตและการแสดงละครของ Jean Georges Noverre ในหนังสือ; Noverre J. J. , Letters about the dance, [trans. จากภาษาฝรั่งเศส], L. , 1927; โมกุลสกี้เอส, ประวัติศาสตร์โรงละครยุโรปตะวันตก, ตอนที่ 1, M. , 1936; ท่าเต้นคลาสสิก [ส.] ล. - ม. 2480; Slonimsky Y. บัลเล่ต์ Masters, M. - L. , 1937; ละครบัลเล่ต์ของเขาในศตวรรษที่ XIX, M. , 1977; Iofiev M. บัลเล่ต์ "Grand Opera" ในมอสโกในหนังสือของเขา: Profiles of Art, M. , 1965; Chistyakova V. , Roland Petit, L. , 1977; V. Krasovskaya โรงละครบัลเล่ต์ยุโรปตะวันตก บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ ตั้งแต่ต้นกำเนิดจนถึงกลางศตวรรษที่ 18, L. , 1979; Prunleres H. , Le ballet de Cour en France avant Benserade et Lully, R. 1914; Levinson., La vie de Noverre, ใน: Noverre J. G. , Lettres sur la danse et sur les ballets, R. ,; เขา Marie Taglioni (1804–1884), R. , 1929; โบมอนต์ซีดับเบิลยูนักเต้นฝรั่งเศสสามคนในศตวรรษที่ 18: Camargo, Sallé, Guimard, L. , 1935; Lifar S. , Giselle, apothéose du ballet romantique, P. ,; Michaut P. , เลอบัลเล่ต์ร่วมสมัย, ร. 2493; Lidova I. , Dix-sept visages de la danse française, R. 1953; โคชโนบี, เลอบัลเล่ต์. , ร. 2497; Reyna F. , Des origines du ballet, P. 1955; Arout G. , La danse โคตรร. 2498; Ouest I. บัลเล่ต์ของจักรวรรดิที่สอง 1-2, L. , 1953-1955; บัลเล่ต์โรแมนติกในปารีสแอล, 2509; Le ballet de l "Opéra de Paris, R. , 1976; Lobet M. , Le ballet français d" aujourd "hui de Lifar àBéjart, Brux., 1958; Tugal R. , Jean-Georges Noverre. Der große Reformator des Balletts, V. , 1959; Laurent J. , Sazonova J. , Serge Lifar, rénovateur du ballet français (1929-1960), R. , 1960; Christout MF, Le ballet de Cour de Louis XIV, R. , 1967 ; เธอ, มอริซเบจาร์ต, อาร์, 2515


อียา. สุรีย์.







ฉากจากบัลเล่ต์ "Triumph of Love"



ฉากจากบัลเล่ต์ "La Sylphide" บัลเล่ต์. F. Taglioni



“ เภาดรา”. ปารีสโอเปร่า บัลเล่ต์. S. Lifar



"เยาวชนกับความตาย". บัลเล่ต์แห่งช็องเซลิเซ่ บัลเล่ต์. ร



"ไฟร์เบิร์ด". ปารีสโอเปร่า บัลเล่ต์. M. Bejart

บัลเล่ต์. สารานุกรม. - ม.: สารานุกรมสหภาพโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่. หัวหน้าบรรณาธิการ Yu.N. Grigorovich. 1981 .

ดูว่า "บัลเล่ต์ฝรั่งเศส" ในพจนานุกรมอื่น ๆ มีอะไรบ้าง:

    บอลโลก - บริเตนใหญ่ ก่อนการทัวร์คณะละครของ Diaghilev และ Anna Pavlova ในลอนดอนในช่วงทศวรรษที่ 1910 และ 1920 บัลเล่ต์ถูกนำเสนอในอังกฤษโดยส่วนใหญ่เป็นการแสดงของนักบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงบางคนบนเวทีของห้องแสดงดนตรีเช่น Adeline Genet หญิงชาวเดนมาร์ก (1878 1970) ... สารานุกรมของถ่านหิน

    บัลเล่ต์จนถึงปี 1900 - ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์ในการแสดงในศาล ในตอนท้ายของยุคกลางเจ้าชายอิตาลีให้ความสนใจอย่างมากกับงานเฉลิมฉลองในพระราชวังอันงดงาม การเต้นรำครอบครองสถานที่สำคัญในพวกเขาซึ่งทำให้เกิดความต้องการผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นมืออาชีพ ... ... สารานุกรมของถ่านหิน

    บัลเล่ต์ - ตั้งแต่กลางยุค 30 ศตวรรษที่สิบแปด ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กการแสดงบัลเล่ต์ในศาลกลายเป็นเรื่องปกติ ในปี ค.ศ. 1738 โรงเรียนบัลเล่ต์รัสเซียแห่งแรกได้เปิดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (จากปี พ.ศ. 2322 โรงเรียนโรงละคร) ซึ่งรวมถึงชั้นเรียนบัลเล่ต์ (ปัจจุบันคือโรงเรียนออกแบบท่าเต้น) ... เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (สารานุกรม)

    บัลเล่ต์ "Giselle" - Giselle (ชื่อเต็ม Giselle หรือ Wilis, French Giselle, ou les Wilis) เป็นบัลเล่ต์โขน 2 บทในการแสดงดนตรีของ Adolphe Charles Adam Libretto โดยThéophile Gaultier, Vernois de Saint Georges และ Jean Coralli บัลเล่ต์ Giselle ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของ ... ... สารานุกรมของผู้ผลิตข่าว

    บัลเล่ต์ของ Igor Stravinsky เรื่อง The Firebird - บัลเล่ต์ Firebird เป็นหนึ่งในผลงานแรกสุดของ Igor Stravinsky และบัลเล่ต์เรื่องแรกในธีมรัสเซียในองค์กรของ Sergei Diaghilev ผู้จัดงาน Russian Seasons ในปารีสที่โดดเด่น ความคิดที่จะสร้างงานละครเวทีเรื่องดังกล่าวเกิดขึ้น ... … สารานุกรมของผู้ผลิตข่าว

ในฝรั่งเศสเมื่อพ. การเต้นรำเป็นส่วนหนึ่งของการละเล่นพื้นบ้านและงานเทศกาลของคริสตจักรมานานหลายศตวรรษ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 เขารวมอยู่ในภูเขา การแสดงละครและการแสดงในวังบางครั้งอยู่ในรูปแบบของฉากแทรก ในศตวรรษที่ 15 "momerias" มีการเต้นรำในระหว่างการแข่งขันและงานเฉลิมฉลอง ศ. เต้นรำในวันพุธ ศตวรรษที่พัฒนาบนพื้นฐานชาวบ้านในศิลปะของนักเล่นกล อีกแหล่งหนึ่งคือการเต้นรำบอลรูม (การเต้นรำเบส) ของงานเฉลิมฉลองในวัง บนพื้นฐานของความสนุกสนานรื่นเริงที่หลากหลายรูปแบบของการแสดงจึงถูกสร้างขึ้นซึ่งได้รับในตอนท้าย ศตวรรษที่ 16 ชื่อ "บัลเล่ต์". ผู้จัดงานเทศกาลในวังอิตาลี ปรมาจารย์ด้านการเต้นที่เชี่ยวชาญในอิตาลีในศตวรรษที่ 16 เต้นรำ. โรงเรียนเป็นกรรมการบนเวที The Ballet of Polish Ambassadors (1573) และ The Queen's Comedy Ballet (1581) ซึ่งจัดแสดงโดย Baltazarini di Belgioioso (Balthasar de Beaujouillet) ได้กลายเป็นตัวอย่างแรกของประเภทใหม่ - การแสดงที่มีการดำเนินการที่พัฒนาอย่างต่อเนื่องซึ่งรวมถึงคำพูดดนตรีและการเต้นรำ ตลอดศตวรรษที่ 17 การพัฒนา "คอร์ทบัลเลต์" ได้ผ่านไปหลายครั้ง ขั้นตอน ในปี 1600-10 เหล่านี้คือ "บัลเลต์ - มาสเคอเรด" ("Masquerade of Saint-Germain Fair", 1606) ในปี 1610-1620 - "บัลเลต์ไพเราะ" พร้อมการร้องเพลงตามตำนาน แผนการและการผลิต วรรณกรรม ("Ballet of the Argonauts", 1614; "Roland's Madness", 1618) จากนั้นก็จัดขึ้นจนจบ ศตวรรษที่ 17 บัลเล่ต์ที่ทางออก (Royal Ballet of the Night, 1653) นักแสดงของพวกเขาคือข้าราชบริพาร (ในปี 1651-70 - พระเจ้าหลุยส์ที่ 14) และศ. นักเต้นคือ "บาลาเดน" ในช่วงทศวรรษที่ 1660 และ 70 Moliere ร่วมกับคอมพ์ J. B. Lully และบัลเล่ต์ P. Beauchamp ได้สร้างประเภทของ "ตลก - บัลเล่ต์" ("Bourgeois in the ขุนนาง", 1670) ซึ่งการเต้นรำได้รับการถ่ายทอดออกมาด้วยความทันสมัย เนื้อหา. ในปี 1661 Beauchamp กลายเป็นหัวหน้าของ Royal Academy of Dance (มีอยู่จนถึงปี 1780) ซึ่งออกแบบมาเพื่อควบคุมรูปแบบและคำศัพท์ของการเต้นบัลเล่ต์ซึ่งเริ่มเป็นรูปเป็นร่างในระบบการเต้นรำคลาสสิก 1669 ก่อตั้งและเปิดในปีค. ศ. 1671 โรงละคร - Royal Academy of Music ซึ่งในปี 1672 นำโดย Lully ในโอเปร่าของเขา ("โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ") ซึ่งค่อยๆอัดแน่นไปด้วยบัลเล่ต์ในศาลการเต้นรำมีตำแหน่งรองลงมา แต่ภายในการแสดงนั้นมีกระบวนการของการเต้นรำอย่างมืออาชีพขัดรูปแบบในศิลปะของ Beauchamp นักเต้น G.L.Pekura และศ. นักเต้น (La Fontaine และคนอื่น ๆ ) ซึ่งปรากฏตัวครั้งแรกในปี 1681 ในบัลเล่ต์ The Triumph of Love ของ Lully ไปยังจุดสิ้นสุด ศตวรรษที่ 17 ความสำเร็จของการออกแบบท่าเต้นสะท้อนให้เห็นในทางทฤษฎี ผลงานของ K. F. Menetrie ("บนบัลเล่ต์ที่เก่าแก่และทันสมัยตามกฎหมายของโรงละคร", 1682) และ R. Feye ("ท่าเต้นและศิลปะการบันทึกการเต้นรำ", 1700) ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 17-18 นักเต้น N.Blondy และ J. Balon และนักเต้น M. T. de Subliny ได้รับชื่อเสียง

กวางมูส โรงละครชั้น 2 17-18 ศตวรรษ เป็นนักคลาสสิก แต่ในบัลเล่ต์เนื่องจากการพัฒนาที่ช้าคุณสมบัติของบาร็อคยังคงอยู่เป็นเวลานาน การแสดงยังคงเขียวชอุ่มและยุ่งยากปราศจากความเป็นเอกภาพของโวหาร

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 มีสัญญาณของความเมื่อยล้าในเนื้อหาเชิงอุดมคติ - เป็นรูปเป็นร่างของบัลเล่ต์พร้อมกับเทคนิคการเต้นรำที่เพิ่มมากขึ้น แนวโน้มทั่วไปในการพัฒนาโรงละครบัลเล่ต์ในศตวรรษที่ 18 - มุ่งมั่นในการตัดสินใจด้วยตนเองสร้างการแสดงที่สมบูรณ์ซึ่งเนื้อหาจะแสดงเป็นโขนและนาฏศิลป์ อย่างไรก็ตามรูปแบบเก่า ๆ ยังคงมีอยู่ตลอดศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งบนเวทีของ Royal Academy of Music ซึ่งกระตุ้นให้เกิดการวิพากษ์วิจารณ์ผู้รู้แจ้ง (D. Diderot และอื่น ๆ ) ในตอนเริ่มต้น. ศตวรรษที่ 18 สิ่งเหล่านี้เป็นสีพาสเทลที่กล้าหาญจากยุค 30 - คอมพ์โอเปร่า - บัลเลต์ J. F. Rameau ("Gallant India", 1735) ซึ่งการเต้นรำยังคงอยู่ในรูปแบบของร้านค้าที่เชื่อมต่อกันอย่างอ่อนแอ นักแสดง Virtuoso มีชื่อเสียงในการแสดงเหล่านี้ ได้แก่ นักเต้น M.Camargo นักเต้น L. Dupre พี่ชายและน้องสาวของ Lani พยายามที่จะถ่ายทอดการเต้นที่น่าทึ่ง เนื้อหาถูกระบุไว้ในศิลปะของนักเต้น F. Prevost (โขนในเนื้อเรื่องของตอนจาก "The Horace" โดย P. Corneille ถึงเพลงของ J. J. Mouret, 1714; "Characters of the Dance" กับเพลงของ J. F. Salléซึ่งทำงานร่วมกับ Royal Academy of Music ในลอนดอนเช่นกันได้จัดฉาก "การแสดงละคร" ที่นั่นในสมัยโบราณ ธีม ("Pygmalion", 1734)

ภายใต้อิทธิพลของแนวความคิดของการตรัสรู้ในผลงานของบุคคลที่ก้าวหน้าที่สุดของโรงละครบัลเล่ต์ความบันเทิงทำให้เกิด "การเลียนแบบธรรมชาติ" ซึ่งถือว่าความเป็นธรรมชาติของตัวละครและความจริงของความรู้สึก อย่างไรก็ตามประสบการณ์เหล่านี้แทบจะไม่ทะลุเวทีของ Royal Academy of Music กิจกรรมของนักปฏิรูปผู้ยิ่งใหญ่ของโรงละครบัลเล่ต์ J. J. Novers เกิดขึ้นนอกโรงละครแห่งนี้และนอกฝรั่งเศสบางส่วน (สตุ๊ตการ์ทเวียนนาลอนดอน) หลักการของการปฏิรูปโรงละครบัลเล่ต์ถูกระบุโดย Nover ในทางทฤษฎี ผลงาน "Letters about Dance and Ballets" (1st ed., 1760) บัลเล่ต์ที่เขาสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของแนวคิดเรื่องวิชชาไม่ใช่การแสดงเพื่อความบันเทิง แต่เป็นการแสดงละครที่จริงจัง การแสดงมักจะเป็นเรื่องของโศกนาฏกรรมคลาสสิก พวกเขามีความซื่อสัตย์การกระทำและประสบการณ์ของตัวละครแสดงออกโดยวิธีการออกแบบท่าเต้น (ch. Arr. Pantomime) โดยไม่ต้องมีส่วนร่วมของคำพูด ที่ Royal Academy of Music ในปี 1776-78 "Medea and Jason" และ "Appeles and Campasp" โดย Rodolphe, "Horace" Granier และ "Trinkets" โดย Mozart อยู่ชั้น 2. ศตวรรษที่ 18 นักออกแบบท่าเต้นหลายคนทำการทดลองที่โรงละครตลกของอิตาลีในปารีสและที่โรงละครของลียงและบอร์กโดซ์ ผู้ติดตามของ Novers, J. ในที่สุด. ศตวรรษที่ 18 ที่มีชื่อเสียง ได้แก่ นักเต้น M. Guimard, M. Allard, A. Heinel, Theodore, นักเต้น G. Vestris, M. และ P.Gardel, Doberval

ตั้งแต่ยุค 80 ศตวรรษที่ 18 ถึงยุค 20 ศตวรรษที่ 19 P.Gardel เป็นหัวหน้าคณะดนตรีของ Academy of Music (ในปี 1789-1814 ได้เปลี่ยนชื่อหลายครั้ง) ละครรวมถึงบัลเล่ต์ของเขา (Telemac และ Psyche โดย Miller, 1790; Dancemania by Megul, 1800; Paul and Virginia โดย Kreutzer, 1806) และบัลเล่ต์โดย L. Milon (Nina เป็นดนตรีของ Peruis หลังจาก Daleirak, 1813 ; "Carnival of Venice" ในดนตรีของ Perseuis หลัง Kreutzer, 1816) ในยุค 20 มีบัลเล่ต์โดย J. Omer: "A Vain Precaution" โดย Herald ตาม Doberval (1828), "Somnambul" โดย Herald (1827), "Manon Lescaut" โดย Halevy (1830) ของนักแสดงในปี 1780-1810 O. Vestris มีชื่อเสียงเป็นพิเศษในช่วงทศวรรษที่ 10-20 - นักเต้น M.Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, นักเต้น L. Duport ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเทคนิคการเต้นรำเปลี่ยนไปอย่างมาก: ไม่ราบรื่นสง่างาม แต่การเคลื่อนไหวแบบหมุนและการกระโดดที่ชาญฉลาดการเคลื่อนไหวของนิ้วครึ่งกลายเป็นสิ่งที่โดดเด่น เมื่ออยู่ในยุค 30 โรงละครบัลเล่ต์ได้รับอิทธิพลจากแนวความคิดแนวโรแมนติกเทคนิคเหล่านี้ได้รับเนื้อหาใหม่ ในการแสดงของ F.Taglioni จัดแสดงให้กับลูกสาวของเขา M. Taglioni (La Sylphide, 1832; The Virgin of the Danube, 1836), ch. ตัวละครนั้นยอดเยี่ยมมาก สิ่งมีชีวิตที่ตายจากการสัมผัสกับความเป็นจริง ที่นี่มีการพัฒนารูปแบบใหม่ของการเต้นรำโดยอาศัยการเคลื่อนไหวทางอากาศและเทคนิคการเต้นบนปวงต์ทำให้เกิดความรู้สึกไร้น้ำหนัก ในยุค 30-50 บัลเล่ต์ในฝรั่งเศสพุ่งขึ้นสูงสุด มีความหมายมากที่สุดอย่างหนึ่ง manuf. ทิศทางนี้จัดแสดงโดย J. Coralli และ J. Perrot "Giselle" (1841) เพลงของ Academy of Music ยุค 40-50 ประกอบด้วยโรแมนติก บัลเลต์ Coralli (Tarantula โดย K. Gide, 1839; Peri, 1843) และ J. Mazilier (Paquita, 1846; Le Corsaire, 1856) ในเวลาเดียวกัน Perrault แสดงนอกฝรั่งเศส (ส่วนใหญ่อยู่ในลอนดอน แต่แสดงโดยศิลปินชาวฝรั่งเศส) บัลเล่ต์ที่ดีที่สุดของเขา - Esmeralda (1844), Catharina, the Robber's Daughter (1846) เป็นต้นซึ่งเป็นการแสดง ใกล้เคียงกับงานศิลปะของกวีโรแมนติกในยุคปฏิวัติ อัพที่ส่งผลกระทบต่อผู้ชมอย่างกล้าหาญ สิ่งที่น่าสมเพชพลังแห่งความหลงใหล การกระทำที่รุนแรงเป็นตัวเป็นตนใน kulminats ช่วงเวลาของการเต้นรำที่พัฒนาขึ้นความสนใจเป็นพิเศษจะจ่ายให้กับการเต้นที่มีลักษณะเฉพาะ F. Elsler ประสบความสำเร็จอย่างมากในพวกเขา นักดนตรีแนวโรแมนติกที่มีชื่อเสียงคนอื่น ๆ แสดงในฝรั่งเศส นักเต้น - K. Grisi, L. Gran, F. Cerrito การปฏิบัติและทฤษฎีโรแมนติก บัลเล่ต์สะท้อนให้เห็นในผลงานของ F.A.J. Castile-Blaz และ T. Gaultier ซึ่งเป็นผู้เขียนสคริปต์หลายเรื่องด้วย

ด้วยการลดลงของแนวโรแมนติก (70-90s ของศตวรรษที่ 19) บัลเล่ต์จึงขาดความเชื่อมโยงกับแนวคิดในยุคของเรา โปรดักชั่นโดย A. Saint-Léonที่ Academy of Music ในยุค 60 ดึงดูดด้วยความมั่งคั่งของการเต้นรำและการแสดงบนเวทีมากมาย เอฟเฟกต์ ("Nemea" โดย Min-kus ฯลฯ ) บัลเล่ต์ที่ดีที่สุดของ Saint-Léonคือ Coppelia (1870) ในปีพ. ศ. 2418 คณะละครเริ่มทำงานในอาคารใหม่ซึ่งสร้างโดยสถาปนิก C. Garnier และชื่อของ Paris Opera ballet ตั้งอยู่ข้างหลังเธอ แต่ศิลปะบัลเล่ต์ในยุค 80-90 ศตวรรษที่ 19 เสื่อมโทรม ที่ Paris Opera บัลเล่ต์ได้กลายเป็นส่วนเสริมของการแสดงโอเปร่า การอุทธรณ์ต่อบัลเลต์ของนักประพันธ์ L. Delibes ("Sylvia" ในโพสต์ Meranta, 1876), E. Lalo ("Namuna" ในโพสต์ L. Petipa, 1882), A. Messager ("Two Doves" ในโพสต์ Meranta, 1886 ) ไม่ได้เปลี่ยนตำแหน่ง การแสดงของ Merant ในยุค 70-80, I.Hansen ในยุค 90 และที่จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 20 ("Maladetta" Vidal, 1893; "Bacchus" Duvernois, 1905) ไม่ประสบความสำเร็จแม้จะมีส่วนร่วมของนักเต้นที่โดดเด่น K. Zambelli การฟื้นฟูบัลเล่ต์ในฝรั่งเศสเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของรัสเซียและเกี่ยวข้องกับฤดูกาลของรัสเซียซึ่ง S.P Diaghilev ดำเนินการในปารีสตั้งแต่ปี 1908 (การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกในปี 1909) รวมถึงกิจกรรมของคณะบัลเล่ต์รัสเซีย Diaghilev ซึ่งแสดงในฝรั่งเศสในปี 2454-2552 ... ศิลปินและนักออกแบบท่าเต้นหลายคนที่ทำงานที่นี่ได้เชื่อมโยงกับชาวฝรั่งเศสในเวลาต่อมา โรงละครบัลเล่ต์: M. M. Fokin, L. F.Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar อิทธิพลยังกระทำโดย rus อื่น ๆ คนจรจัดและศิลปิน: คณะ I. L. Rubinstein (1909-11 และในปี ค.ศ. 1920) ซึ่ง K. Debussy ("The Martyrdom of St. Sebastian", ballet Rubinstein, 1911) และ M. Ravel ("Bolero ", บัลเล่ต์. Nijinska, 2471); NV Trukhanov ซึ่งจัดแสดงโดย IN Khlyustin ซึ่งทำงานที่ Paris Opera มาตุภูมิ คนเร่ร่อนหันมาสนใจดนตรีของชาวฝรั่งเศส คอมพ์ (Ravel, Debussy, Duque ในปี ค.ศ. 1920 - นักแต่งเพลง "Six") สำหรับการแสดงของพวกเขาได้สร้างทัศนียภาพของชาวฝรั่งเศส ศิลปิน (P. Picasso, A.Matisse, F.Leger, J.Roault ฯลฯ ) หลังสงครามโลกครั้งที่ 1 pl. รัสเซีย ศิลปินเปิดโรงเรียนสอนบัลเล่ต์ในปารีสซึ่งเปิดสอนภาษาฝรั่งเศสมากกว่าหนึ่งรุ่น ศิลปิน ผู้กำกับ Paris Opera (2453-44) J. Rouche พยายามยกระดับบัลเล่ต์เชิญศิลปินที่มีชื่อเสียงมาที่โรงละคร (L. S. Bakst, R.Dufy, M. Brianchon, I.Breyer, M. Detoma) ชาวรัสเซีย ศิลปินนักออกแบบท่าเต้น การฟื้นฟูกิจกรรมบางอย่างของบัลเล่ต์โอเปร่าได้รับการกล่าวถึงในช่วงทศวรรษที่ 10-20 การแสดงโพสต์จำนวนหนึ่ง L. Stats ("Bees" ประกอบดนตรีโดย Stravinsky, 1917; "Sidaliz and Satyr" โดย Piernet, 1923) เชิญ Fokine ("Daphnis and Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva หลังจากปีพ. ศ. 2472 บนพื้นฐานของความประหลาดใจของ Diaghilev ซึ่งเป็นชาวรัสเซีย - ฝรั่งเศสจำนวนหนึ่ง บริษัท บัลเล่ต์: "Balle rus de Monte-Carlo" และอื่น ๆ ในปีพ. ศ. 2473-59 (ช่วงพักปี พ.ศ. 2487-47) คณะละครโอเปร่านำโดยเอส. 50 รอบการแสดง กิจกรรมของเขามีความสำคัญอย่างยิ่งต่อชาวฝรั่งเศส บัลเล่ต์ซึ่งฟื้นคืนศักดิ์ศรีในอดีต ละครของ Opera ได้รับการปรับปรุงใหม่ทั้งหมด นักแต่งเพลงศิลปินและนักเขียนบทภาพยนตร์รายใหญ่มีส่วนร่วมในการสร้างบัลเล่ต์ Lifar ใช้วิชาโบราณตามพระคัมภีร์ในตำนานสำหรับการแสดงของเขาบางครั้งก็ตีความในเชิงสัญลักษณ์: "Icarus" เป็นจังหวะของ Sifer (1935, ฟื้นขึ้นมาในปี 1962 พร้อมการตกแต่งโดย P. Picasso), "Joan of Tsarissa" โดย Egka (1942), "Phaedra" Orica (1950 พร้อมบทและฉากโดย J. Cocteau), Sauguet's Visions (1947), Fantastic Wedding ของ Delannoy (1955) จากรุ่นเก่าของเขานักออกแบบท่าเต้นขององค์กร Diaghilev Lifar ได้นำเอาประเพณีของละครบัลเล่ต์ของ Fokin และประเพณีการออกแบบท่าเต้นในศตวรรษที่ 19 ซึ่งคลาสสิกเป็นวิธีการแสดงออกหลัก เต้นรำ. เต้นรำ. เขาปรับปรุงภาษาให้ทันสมัยและสร้างภาพบนพื้นฐานของเหตุผลมากกว่าอารมณ์ ("นีโอคลาสสิก" ของ Lifar) ชาวฝรั่งเศสมากกว่าหนึ่งรุ่นถูกนำมาใช้ในการแสดงของเขา ศิลปิน: นักเต้น S. Schwartz, L. Darsonval, I.Shovire, M. Lafon, K. Vossard, L. Deide, K. Bessy; นักเต้น M.Reno, M. Bozzoni, A.Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis อย่างไรก็ตามวาทศิลป์เชิงนามธรรมที่มีอยู่ในบัลเล่ต์ของ Lifar การสูญเสียความเชื่อมโยงกับสมัยใหม่ โดยเฉพาะความรู้สึกหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 พ.ศ. 2482 - 45 ทำให้เกิดความไม่พอใจในครั้งนี้ ศิลปินรุ่นใหม่ที่กำลังมองหาวิธีการใหม่ ๆ และการสร้างสายสัมพันธ์ทางศิลปะกับความทันสมัยเริ่มทำงานนอกโรงละครโอเปร่าซึ่งเพลง Lifar จำกัด เฉพาะผลงานของเขาเอง R.Petit สร้างคณะบัลเล่ต์ของ Champs Elysees (1945-51) และ Ballet of Paris (1948-67 เป็นช่วง ๆ ) ซึ่งเขาแสดงบัลเลต์ The Wandering Comedians Soge (1945), The Young Man and Death to Music JS Bach (2489), "Carmen" ในดนตรี Bizet (1949), "The Wolf" Dutilleu (1953) ต่อมา (ในยุค 60 และ 70) ผลงานที่ดีที่สุดของเขา ได้แก่ มหาวิหารนอเทรอดาม (1965, Paris Opera) และ Light the Stars! กับดนตรีรวม (1972, "Marseille Ballet") Petit ทำงานในแนวดราม่า บัลเล่ต์ (หลายสถานการณ์สำหรับเขาเขียนโดย J. Anouil) ซึ่งดึงดูดความสนใจเป็นอันดับแรกของโศกนาฏกรรมจากนั้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงแรกไปจนถึงภาพยนตร์ตลกขบขัน แต่สร้างขึ้นจากตัวละครที่มีชีวิตและการเต้นรำผสมผสานกัน แบบฟอร์มพร้อมคำศัพท์ในชีวิตประจำวัน ในบัลเล่ต์ที่ดีที่สุดเขาหันไปใช้ความขัดแย้งที่สะท้อนถึงความขัดแย้งที่แท้จริงของชีวิตและแก้ไขด้วยวิธีที่เห็นอกเห็นใจผู้อื่น แผน (การปฏิเสธความไม่สามารถหลีกเลี่ยงได้ของความชั่วร้ายความเข้มแข็งทางศีลธรรมศรัทธาในตัวบุคคล) พร้อมกับ Petit ตัวเองนักเต้น N. Vyrubova, R.Shanmer, E.Pagava, N. Filippar, K. Marchand, V. Verdi, I.Skorik นักเต้น J. Babile, Y. Algarov, R.Briand ในยุค 50 คนเร่ร่อนอื่น ๆ เกิดขึ้นซึ่งมีการค้นหาในด้านการต่ออายุธีมและการเต้นรำ ภาษา: บัลเล่ต์แห่งฝรั่งเศสและคณะอื่น ๆ J. Charr, "Balle de l'Eguale" ภายใต้การดูแลของ M. Bejart Bejart แม้ว่าจะกลายเป็นหัวหน้าคณะบัลเลต์บรัสเซลส์ในศตวรรษที่ XX ตั้งแต่ปี 1960 แต่ก็เป็นหนึ่งในนักบัลเล่ต์ชั้นนำของฝรั่งเศส เขามองว่าศิลปะการออกแบบท่าเต้นเป็นวิธีการแสดงทัศนคติต่อปัญหาในชีวิตบางครั้งโดยตรงบางครั้งในแง่มุมทางปรัชญาหรือลึกลับนักออกแบบท่าเต้นแสดงความสนใจเป็นพิเศษในปรัชญาตะวันออกรูปแบบละครตะวันออกและการเต้นรำ (บัลเล่ต์ "Bakti" กับดนตรีอินเดีย พ.ศ. 2511 เขาสร้างรูปแบบใหม่ของการแสดงท่าเต้น: แบบ "โรงละครทั้งหมด" ที่มีความโดดเด่นของท่าเต้น ("The Four Sons of Emon" ในการผสมผสานดนตรี, 1961), บัลเล่ต์ที่มีข้อความเป็นคำพูด ("Baudelaire" ไปจนถึงดนตรีและบทกวีแบบผสมผสาน, 1968; "Our Faust "กับดนตรีผสมผสาน, 1975), การแสดงที่ยิ่งใหญ่ในเวทีกีฬาและในละครสัตว์ (" Ninth Symphony "กับดนตรีโดย L. Beethoven, 1964) เขาแสดงบัลเลต์ที่มีชื่อเสียงในเวอร์ชั่นของตัวเอง:" The Rite of Spring ", 1959;" Bolero ", 1961 ; "The Firebird", 1970 ความรู้สึกทันสมัยทำให้ t บัลเล่ต์โดย Bejart นั้นใกล้ชิดกับผู้ชมก่อนหน้านี้ต่างจากศิลปะนี้โดยเฉพาะเยาวชน

ในยุค 70 Paris Opera ได้รับการจัดระเบียบใหม่ มีแนวโน้มสองประการเกิดขึ้นที่นี่ในแง่หนึ่งคือรวมบัลเล่ต์ที่ได้รับการอนุมัติโดยนักออกแบบท่าเต้นที่มีชื่อเสียง (Balanchine, Robbins, Petit, Bejart, Alicia Alonso, Grigorovich) ในละครเพลงและฟื้นฟูมาตรฐาน ฉบับบัลเล่ต์เก่า ("La Sylphide" และ "Coppelia" ในกองบรรณาธิการของ P. Lakota) ในทางกลับกันให้โอกาสในการทดลองกับหนุ่มสาวชาวฝรั่งเศส นักออกแบบท่าเต้น (F.Blaska, N.Shmuki) และชาวต่างชาติรวมถึง ตัวแทนของการเต้นรำสมัยใหม่ (G.Tetley, J. Butler, M. Cunningham) Theatre Group ก่อตั้งขึ้นที่โรงละครโอเปร่าในปี พ.ศ. 2517 ค้นหาภายใต้มือ หญิงชาวอเมริกัน K. Carlson Paris Opera เป็นไปตามกระแสนิยมของชาวฝรั่งเศส บัลเล่ต์ที่เพิ่มความสนใจในโรงละครล่าสุด แบบฟอร์ม ในยุค 60 และ 70 หลายคนทำงานในฝรั่งเศส บริษัท บัลเล่ต์: "Grand Balle du Marc de Cuevas" (1947-62) ซึ่งเน้นการแสดงละครแบบดั้งเดิมดึงดูดนักแสดงที่มีชื่อเสียง (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov); บัลเล่ต์ร่วมสมัยในปารีส (บัลเล่ต์โดย F. และ D.Dupuis ตั้งแต่ปี 1955) French Dance Theatre J. Lazzini (1969-71) บัลเล่ต์โดย Felix Blaski (ตั้งแต่ปี 1969 ตั้งแต่ปี 1972 ใน Grenoble), Nat บัลเล่ต์ของกล้ามเนื้อ เยาวชนของฝรั่งเศส (บัลเล่ต์ Lacotte ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2506 ถึงจุดสิ้นสุด 60-ies) คณะบัลเล่ต์ภายใต้มือ J.Roussillo (จากปี 1972), Theatre of Silence (จากปี 1972) กลุ่มคนเร่ร่อนจำนวนมากทำงานในต่างจังหวัด: Modern Ballet Theatre (บัลเล่ต์ F.Adre ตั้งแต่ปี 1968 ใน Amiens ตั้งแต่ปี 1971 ใน Angers) Ballet of Marseille (บัลเล่ต์ Petit ตั้งแต่ปี 1972) Rhine Ballet (ตั้งแต่ปี 1972 ใน Strasbourg บัลเล่ต์ P. van Dijk ตั้งแต่ปี 1974) ที่โรงละครโอเปร่าของลียง (บัลเล่ต์โดย V. Biaggi) บอร์โดซ์ (บัลเล่ต์โดย Skuratov) ศิลปินเดี่ยวชั้นนำในยุค 60-70: J.Amiel, S. Atanasov, C.Bessy, J. P. Bonfoux, R.Briand, D.Kanio, J. Guizerix, M. Denard, A. Labis, C. Motte, J.Piletta, N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G.Tesmar, N. Thibon, J. P. Franchetti

ก่อตั้งโรงเรียนที่ Paris Opera ในปี 1713 (ตั้งแต่ปี 2515 ผู้กำกับ K. Bessie) ในปารีสตั้งแต่ยุค 20 ศตวรรษที่ 20 ทำงานมากมาย โรงเรียนเอกชน: M.F.Kshesinskaya, O.I. Preobrazhenskaya, L.N. Egorova, A.E. Volinina, H. Lander, B.Knyazev, M. Gube เป็นต้นในเมือง Cannes ในปี 1962 ศูนย์นาฏศิลป์คลาสสิก ( ก่อตั้งโดย R.Hightower) ปารีสเป็นเจ้าภาพจัดงานเทศกาลเต้นรำประจำปีตั้งแต่ปีพ. ศ. 2506 การเต้นรำเกิดขึ้นอย่างมากในงานเทศกาลที่เมืองอาวิญงเป็นต้น

ในบรรดานิตยสารบัลเล่ต์: "Archives international de la danse" (1932-36), "Tribune de la danse" (1933-39), "Art et danse" (since 1958), "Toute la danse et la musique" (ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2495 ), "Danse et rythmes" (จากปี 1954), "Les saisons de la danse" (ตั้งแต่ปี 1968)

นักวิจัยและนักวิจารณ์ที่มีชื่อเสียงที่สุด (ศตวรรษที่ 20): A.Punnier, P. Thugal, FReina, P. Michaud, L. Vaya, M.F.Cristu, I.Lidova, Y. Sazonova, A. K. Dieni, A. F. Ersen Lifar เขียนหนังสือมากกว่า 25 เล่ม

บัลเล่ต์. สารานุกรม SE, 1981

บทความที่คล้ายกัน