Στυλ και τάσεις στις εικαστικές τέχνες. Κύριοι τύποι και είδη τέχνης Τύπος τέχνης

Ο αριθμός των στυλ και των τάσεων είναι τεράστιος, αν όχι άπειρος. Το βασικό χαρακτηριστικό με το οποίο τα έργα μπορούν να ομαδοποιηθούν ανά στυλ είναι οι ενοποιημένες αρχές της καλλιτεχνικής σκέψης. Η αντικατάσταση ορισμένων μεθόδων καλλιτεχνικής σκέψης από άλλους (εναλλαγή τύπων συνθέσεων, μέθοδοι χωρικών κατασκευών, ιδιαιτερότητες χρώματος) δεν είναι τυχαία. Η αντίληψή μας για την τέχνη είναι επίσης ιστορικά μεταβλητή.
Χτίζοντας το στιλ σύστημα με ιεραρχική σειρά, θα ακολουθήσουμε την ευρωκεντρική παράδοση. Η μεγαλύτερη ιδέα στην ιστορία της τέχνης είναι η έννοια μιας εποχής. Κάθε εποχή χαρακτηρίζεται από μια συγκεκριμένη «εικόνα του κόσμου», η οποία αποτελείται από φιλοσοφικές, θρησκευτικές, πολιτικές ιδέες, επιστημονικές ιδέες, ψυχολογικά χαρακτηριστικά της κοσμοθεωρίας, ηθικούς και ηθικούς κανόνες, αισθητικά κριτήρια ζωής, που διακρίνουν τη μια εποχή από την άλλη. Αυτές είναι η Πρωτόγονη Εποχή, η Εποχή του Αρχαίου Κόσμου, η Αρχαιότητα, ο Μεσαίωνας, η Αναγέννηση, η Νέα Ώρα.
Τα στυλ στην τέχνη δεν έχουν σαφή όρια, συγχωνεύονται ομαλά το ένα με το άλλο και βρίσκονται σε συνεχή ανάπτυξη, ανάμιξη και αντίθεση. Στο πλαίσιο ενός ιστορικού στυλ τέχνης, ένα νέο γεννιέται πάντα και αυτό, με τη σειρά του, περνά στο επόμενο. Πολλά στυλ συνυπάρχουν ταυτόχρονα και επομένως δεν υπάρχουν καθόλου "καθαρά στυλ".
Πολλά στυλ μπορούν να συνυπάρχουν στην ίδια ιστορική εποχή. Για παράδειγμα, ο κλασικισμός, ο ακαδημαϊκός και μπαρόκ τον 17ο αιώνα, ο ροκοκό και ο νεοκλασικισμός τον 18ο αιώνα, ο ρομαντισμός και ο ακαδημαϊκός τον 19ο αιώνα. Στυλ όπως, για παράδειγμα, ο κλασικισμός και το μπαρόκ ονομάζονται υπέροχα στυλ, καθώς εφαρμόζονται σε όλους τους τύπους τέχνης: αρχιτεκτονική, ζωγραφική, τέχνες και χειροτεχνίες, λογοτεχνία, μουσική.
Θα πρέπει να γίνει διάκριση μεταξύ καλλιτεχνικών στυλ, τάσεων, τάσεων, σχολείων και των ιδιαιτεροτήτων των μεμονωμένων στυλ των μεμονωμένων δασκάλων. Πολλές καλλιτεχνικές κατευθύνσεις μπορούν να υπάρχουν σε ένα στυλ. Η καλλιτεχνική κατεύθυνση διαμορφώνεται τόσο από τα χαρακτηριστικά χαρακτηριστικά μιας δεδομένης εποχής, όσο και από τους περίεργους τρόπους της καλλιτεχνικής σκέψης. Το στιλ αρ νουβό, για παράδειγμα, περιλαμβάνει μια σειρά από τάσεις στα τέλη του αιώνα: μετα-ιμπρεσιονισμός, συμβολισμός, fauvism κ.λπ. Από την άλλη πλευρά, η έννοια του συμβολισμού ως καλλιτεχνικής κατεύθυνσης αναπτύσσεται καλά στη λογοτεχνία, ενώ στη ζωγραφική είναι πολύ αόριστη και ενώνει τους καλλιτέχνες τόσο διαφορετικούς στυλιστικά που συχνά ερμηνεύονται μόνο ως μια ενοποιητική κοσμοθεωρία.

Παρακάτω θα δοθούν οι ορισμοί των εποχών, των στυλ και των τάσεων που αντικατοπτρίζονται κάπως στις σύγχρονες καλές και διακοσμητικές τέχνες.

	- ένα καλλιτεχνικό στυλ που αναπτύχθηκε στις χώρες της Δυτικής και Κεντρικής Ευρώπης κατά τους XII-XV αιώνες. Ήταν το αποτέλεσμα της αιώνων εξέλιξης της μεσαιωνικής τέχνης, της υψηλότερης σκηνής της και, ταυτόχρονα, του πρώτου ευρωπαϊκού, διεθνούς καλλιτεχνικού στιλ στην ιστορία. Καλύπτει όλους τους τύπους τέχνης - αρχιτεκτονική, γλυπτική, ζωγραφική, βιτρό, διακόσμηση βιβλίων, τέχνες και χειροτεχνίες. Η βάση του γοτθικού στιλ ήταν η αρχιτεκτονική, η οποία χαρακτηρίζεται από αιχμηρές καμάρες που κατευθύνονται προς τα πάνω, πολύχρωμα βιτρό παράθυρα και οπτική αποϋλοποίηση της μορφής. Στοιχεία της γοτθικής τέχνης βρίσκονται συχνά στη μοντέρνα εσωτερική διακόσμηση, ιδίως σε τοιχογραφίες, λιγότερο συχνά σε καβαλέτο. Από τα τέλη του περασμένου αιώνα, υπήρξε μια γοτθική υποκουλτούρα που εκδηλώθηκε με σαφήνεια στη μουσική, την ποίηση και τον σχεδιασμό ενδυμάτων.
	(Renaissance) - (French Renaissance, Italian Rinascimento) Μια εποχή στην πολιτιστική και ιδεολογική ανάπτυξη ορισμένων χωρών στη Δυτική και Κεντρική Ευρώπη, καθώς και σε ορισμένες χώρες της Ανατολικής Ευρώπης. Τα κύρια διακριτικά χαρακτηριστικά του αναγεννησιακού πολιτισμού: κοσμικός χαρακτήρας, ανθρωπιστική προοπτική, έκκληση στην αρχαία πολιτιστική κληρονομιά, ένα είδος «αναβίωσης» αυτής (εξ ου και το όνομα). Η κουλτούρα της Αναγέννησης έχει συγκεκριμένα χαρακτηριστικά της μεταβατικής εποχής από τον Μεσαίωνα έως τη νέα εποχή, στην οποία το παλιό και το νέο, που συνδέονται, σχηματίζουν ένα ιδιαίτερο, ποιοτικά νέο κράμα. Το ζήτημα των χρονολογικών ορίων της Αναγέννησης (στην Ιταλία - 14-16 αιώνες, σε άλλες χώρες - 15-16 αιώνες), η εδαφική κατανομή και τα εθνικά χαρακτηριστικά του είναι δύσκολα. Στοιχεία αυτού του στιλ στη σύγχρονη τέχνη χρησιμοποιούνται συχνά σε τοιχογραφίες, λιγότερο συχνά σε καβαλέτο.
	- (από την ιταλική μανιέρα - τεχνική, τρόπος) ρεύμα στην ευρωπαϊκή τέχνη του 16ου αιώνα. Οι εκπρόσωποι του τρόμου απομακρύνθηκαν από την αρμονική αντίληψη της Αναγέννησης για τον κόσμο, την ανθρωπιστική έννοια του ανθρώπου ως τέλεια δημιουργία της φύσης. Μια έντονη αντίληψη για τη ζωή συνδυάστηκε με μια προγραμματική επιθυμία να μην ακολουθήσει τη φύση, αλλά να εκφράσει την υποκειμενική «εσωτερική ιδέα» της καλλιτεχνικής εικόνας που γεννιέται στην ψυχή του καλλιτέχνη. Πιο εμφανώς εκδηλώνεται στην Ιταλία. Για τον ιταλικό τρόπο του 1520. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) χαρακτηρίζονται από δραματική οξύτητα των εικόνων, τραγωδία αντίληψης για τον κόσμο, πολυπλοκότητα και υπερβολική έκφραση θέσεων και κινήτρων κίνησης, επιμήκυνση των διαστάσεων των φιγούρων, χρωματιστές και ελαφριές και σκοτεινές αποκλίσεις. Πρόσφατα, έχει χρησιμοποιηθεί από κριτικούς της τέχνης για να υποδηλώσει φαινόμενα στη σύγχρονη τέχνη που σχετίζονται με τον μετασχηματισμό ιστορικών στυλ.
	- ιστορικό στυλ τέχνης, το οποίο διαδόθηκε αρχικά στην Ιταλία στη μέση. XVI-XVII αιώνες, και στη συνέχεια στη Γαλλία, την Ισπανία, τη Φλάνδρα και τη Γερμανία XVII-XVIII αιώνες. Γενικότερα, αυτός ο όρος χρησιμοποιείται για να καθορίσει τις συνεχώς ανανεωμένες τάσεις μιας ανήσυχης, ρομαντικής προοπτικής, που σκέφτεται σε εκφραστικές, δυναμικές μορφές. Τέλος, κάθε φορά, σχεδόν σε κάθε ιστορικό στιλ τέχνης, μπορείτε να βρείτε τη δική σας «περίοδο μπαρόκ» ως ένα στάδιο της υψηλότερης δημιουργικής ανάκαμψης, έντασης συναισθημάτων, εκρηκτικότητας μορφών.
	- καλλιτεχνικό στυλ στη Δυτική Ευρώπη τέχνη του XVII - νωρίς. ΧΙΧ αιώνα και στα ρωσικά XVIII - νωρίς. XIX, αναφερόμενος στην αρχαία κληρονομιά ως ιδανικό να ακολουθήσετε. Εκδηλώθηκε στην αρχιτεκτονική, τη γλυπτική, τη ζωγραφική, τις τέχνες και τη χειροτεχνία. Οι καλλιτέχνες-κλασικιστές θεώρησαν την αρχαιότητα το υψηλότερο επίτευγμα και το έκαναν πρότυπο στην τέχνη, το οποίο προσπάθησαν να μιμηθούν. Με την πάροδο του χρόνου, αναγεννήθηκε στον ακαδημαϊκό.
	- η κατεύθυνση στην ευρωπαϊκή και ρωσική τέχνη της δεκαετίας του 1820-1830, η οποία αντικατέστησε τον κλασικισμό. Οι ρομαντικοί τόνισαν την ατομικότητα, αντιτιθέμενοι στην ιδανική ομορφιά των κλασικών με μια «ατελή» πραγματικότητα. Οι καλλιτέχνες προσελκύθηκαν από φωτεινά, σπάνια, εξαιρετικά φαινόμενα, καθώς και από εικόνες φανταστικής φύσης. Στην τέχνη του ρομαντισμού, η οξεία ατομική αντίληψη και εμπειρία παίζει σημαντικό ρόλο. Ο ρομαντισμός απελευθέρωσε την τέχνη από αφηρημένα κλασικιστικά δόγματα και την έστρεψε στην εθνική ιστορία και εικόνες λαογραφίας.
	- (από το Lat. συναίσθημα - συναίσθημα) - η κατεύθυνση της δυτικής τέχνης του δεύτερου μισού του XVIII., εκφράζοντας την απογοήτευσή του στον «πολιτισμό» με βάση τα ιδανικά του «λόγου» (την ιδεολογία του Διαφωτισμού). Ο S. διακηρύσσει το συναίσθημα, τον απόμερο προβληματισμό, την απλότητα της αγροτικής ζωής του «μικρού άνδρα». Ο J.J. Rousseau θεωρείται ιδεολόγος του S.
	- μια τάση στην τέχνη, που αγωνίζεται με τη μεγαλύτερη αλήθεια και αξιοπιστία για να εμφανίσει τόσο την εξωτερική μορφή όσο και την ουσία των φαινομένων και των πραγμάτων. Ως δημιουργική μέθοδος, συνδυάζει μεμονωμένα και τυπικά χαρακτηριστικά κατά τη δημιουργία μιας εικόνας. Η μεγαλύτερη κατεύθυνση της ύπαρξης, από την πρωτόγονη εποχή έως σήμερα.
	- μια τάση στον ευρωπαϊκό καλλιτεχνικό πολιτισμό στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ού αιώνα. Εμφανίστηκε ως αντίδραση στην κυριαρχία στην ανθρωπιστική σφαίρα των κανόνων της αστικής «κοινής λογικής» (στη φιλοσοφία, την αισθητική - θετικισμός, στην τέχνη - νατουραλισμός), ο συμβολισμός καταρχήν διαμορφώθηκε στη γαλλική λογοτεχνία στα τέλη της δεκαετίας του 1860 -70, αργότερα εξαπλώθηκε στο Βέλγιο, τη Γερμανία, την Αυστρία, τη Νορβηγία, τη Ρωσία. Οι αισθητικές αρχές του συμβολισμού από πολλές απόψεις επέστρεψαν στις ιδέες του ρομαντισμού, καθώς και σε ορισμένα δόγματα της ιδεαλιστικής φιλοσοφίας του A. Schopenhauer, του E. Hartmann, εν μέρει του F. Nietzsche, στο έργο και τη θεωρία του Γερμανού συνθέτη R Βάγκνερ. Ο συμβολισμός αντιτάχθηκε στη ζωντανή πραγματικότητα στον κόσμο των οραμάτων και των ονείρων. Ένα σύμβολο που δημιουργείται από την ποιητική διορατικότητα και εκφράζει την άλλη κοσμική έννοια των φαινομένων που κρύβονται από τη συνήθη συνείδηση \u200b\u200bθεωρήθηκε καθολικό εργαλείο για την κατανόηση των μυστικών της ύπαρξης και της ατομικής συνείδησης. Ο καλλιτέχνης-δημιουργός θεωρήθηκε ως μεσολαβητής μεταξύ του πραγματικού και του υπεραίσθητου, βρίσκοντας παντού «σημάδια» παγκόσμιας αρμονίας, μαντεύοντας προφητικά τα σημάδια του μέλλοντος τόσο στα σύγχρονα φαινόμενα όσο και στα γεγονότα του παρελθόντος.
	- (από τη γαλλική εντύπωση - εντύπωση) τάση στην τέχνη του τελευταίου τρίτου του 19ου - αρχές του 20ού αιώνα, που εμφανίστηκε στη Γαλλία. Το όνομα εισήχθη από τον κριτικό τέχνης L. Leroy, ο οποίος μίλησε περιφρονητικά για την έκθεση καλλιτεχνών του 1874, όπου, μεταξύ άλλων, ο πίνακας του C. Monet «Sunrise. Εντύπωση". Ο ιμπρεσιονισμός διεκδικούσε την ομορφιά του πραγματικού κόσμου, τονίζοντας τη φρεσκάδα της πρώτης εντύπωσης, τη μεταβλητότητα του περιβάλλοντος. Η κυρίαρχη προσοχή στην επίλυση καθαρά εικονογραφικών προβλημάτων μείωσε την παραδοσιακή ιδέα του σχεδίου ως το κύριο συστατικό ενός έργου τέχνης. Ο ιμπρεσιονισμός είχε ισχυρό αντίκτυπο στην τέχνη των ευρωπαϊκών χωρών και των Ηνωμένων Πολιτειών, προκάλεσε ενδιαφέρον για θέματα από την πραγματική ζωή. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley κ.λπ.)
	- ρεύμα στη ζωγραφική (συνώνυμο - διχασμός), που αναπτύχθηκε στο πλαίσιο του νεο-ιμπρεσιονισμού. Ο νεοϊμπρεσιονισμός ξεκίνησε στη Γαλλία το 1885 και εξαπλώθηκε επίσης στο Βέλγιο και την Ιταλία. Οι νεο-ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να εφαρμόσουν τα τελευταία επιτεύγματα στον τομέα της οπτικής στην τέχνη, σύμφωνα με τα οποία η ζωγραφική που πραγματοποιήθηκε με ξεχωριστά σημεία των πρωταρχικών χρωμάτων στην οπτική αντίληψη δίνει μια συγχώνευση χρωμάτων και ολόκληρη τη γκάμα της ζωγραφικής. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Μετα-ιμπρεσιονισμός - το υπό όρους συλλογικό όνομα των κύριων κατευθύνσεων της γαλλικής ζωγραφικής έως το τέλος του XIX - 1ο τέταρτο. ΧΧ αιώνα Η τέχνη του μετα-ιμπρεσιονισμού προέκυψε ως αντίδραση στον ιμπρεσιονισμό, η οποία εστίαζε την προσοχή στη μετάδοση της στιγμής, στο αίσθημα της γραφικότητας και έχασε το ενδιαφέρον για το σχήμα των αντικειμένων. Μεταξύ των ιμπρεσιονιστικών είναι οι P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh και άλλοι.
	- στυλ στην ευρωπαϊκή και αμερικανική τέχνη στο τέλος των αιώνων XIX-XX. Ο σύγχρονος ερμήνευσε εκ νέου και σχηματοποίησε τις γραμμές της τέχνης των διαφορετικών εποχών και επεξεργάστηκε τις δικές του καλλιτεχνικές πρακτικές, βασισμένες στις αρχές της πρακτικής. Το αντικείμενο του εκσυγχρονισμού είναι επίσης stanovyatsya και φυσικές μορφές. Αυτό obyacnyaetcya ne tolko intepec to pactitelnym opnamentam in ppoizvedeniyax modepna, Nr and cama THEIR kompozitsionnaya and placticheckaya ctpyktypa - obilie kpivolineynyx ocheptany, oplyvayuschix, nepovnyx kontypov, napovnyom kontypov, napovnyom Συνδέεται στενά με τη νεωτερικότητα - έναν συμβολισμό που χρησίμευσε ως αισθητική-φιλοσοφική φιλοσοφική βάση για μια μόδα, στηριζόμενη στο μοντέρνο στιλ όπως και στην πρακτική πραγματοποίηση των ιδεών της. Το Modern είχε διαφορετικά ονόματα σε διαφορετικές χώρες, τα οποία ουσιαστικά είναι συνώνυμα: Art Nouveau - στη Γαλλία, Secession - στην Αυστρία, Jugendstil - στη Γερμανία, Liberty - στην Ιταλία.
	- (από τα γαλλικά σύγχρονα - μοντέρνα) το γενικό όνομα μιας σειράς καλλιτεχνικών τάσεων του πρώτου μισού του 20ού αιώνα, που χαρακτηρίζονται από την άρνηση των παραδοσιακών μορφών και της αισθητικής του παρελθόντος. Ο μοντερνισμός είναι κοντά στην πρωτοπορία και αντίθετα με τον ακαδημαϊκό.
	- ένα όνομα που ενώνει το φάσμα των καλλιτεχνικών τάσεων που είναι κοινές τις 1905-1930. (fauvism, cubism, futurism, ekspresionism, dadism, surrealism). Όλοι αυτοί οι τομείς ενώνονται με την επιθυμία να ανανεώσουν τη γλώσσα της τέχνης, να επανεξετάσουν τα καθήκοντά της και να αποκτήσουν ελευθερία καλλιτεχνικής έκφρασης.
	- κατεύθυνση στην τέχνη τέλη XIX - n. ΧΧ αιώνα, βασισμένο στα δημιουργικά μαθήματα του Γάλλου καλλιτέχνη Paul Cezanne, ο οποίος μείωσε όλες τις μορφές της εικόνας στα πιο απλά γεωμετρικά σχήματα και το χρώμα σε αντίθετες κατασκευές ζεστών και κρύων τόνων. Το Cezanneism χρησίμευσε ως ένα από τα σημεία εκκίνησης για τον Κυβισμό. Σε μεγάλο βαθμό, ο Τσεζανισμός επηρέασε επίσης τη ρωσική ρεαλιστική σχολή ζωγραφικής.
	- (από fauve - wild) avant-garde τάση στη γαλλική τέχνη n. ΧΧ αιώνα Το όνομα "άγριο" δόθηκε από τους σύγχρονους κριτικούς σε μια ομάδα καλλιτεχνών που εμφανίστηκε το 1905 στο Σαλόνι των Ανεξάρτητων στο Παρίσι και είχε ειρωνικό χαρακτήρα. Η ομάδα αποτελούνταν από τους A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen και άλλους. Οι Fauves συγκέντρωσαν την έλξη στη λακωνική εκφραστικότητα φόρμες και έντονες χρωματικές λύσεις., αναζήτηση ερεθισμάτων στην πρωτόγονη δημιουργικότητα, τέχνη του Μεσαίωνα και της Ανατολής.
	- σκόπιμη απλοποίηση των εικονογραφικών μέσων, απομίμηση των πρωτόγονων σταδίων της ανάπτυξης της τέχνης. Αυτός ο όρος αναφέρεται στο λεγόμενο. αφελής τέχνη καλλιτεχνών που δεν έχουν λάβει ειδική εκπαίδευση, αλλά συμμετέχουν στη γενική καλλιτεχνική διαδικασία του τέλους XIX - νωρίς. ΧΧ αιώνα. Τα έργα αυτών των καλλιτεχνών - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov και άλλοι χαρακτηρίζονται από μια περίεργη παιδικότητα στην ερμηνεία της φύσης, έναν συνδυασμό γενικευμένης μορφής και μικρής γραμματικότητας στις λεπτομέρειες. Ο πρωταγωνισμός της φόρμας δεν προκαθορίζει καθόλου την πρωταρχικότητα του περιεχομένου. Χρησιμεύει συχνά ως πηγή για επαγγελματίες που δανείστηκαν φόρμες, εικόνες, μεθόδους από λαϊκούς, στην ουσία πρωτόγονη τέχνη. Ο Ν. Γκοντσάροφ, ο Μ. Λαρινόφ, ο Π. Πικάσο, ο Α. Ματίς εμπνεύστηκαν από τον πριμιτιβισμό.
	- μια τάση στην τέχνη, διαμορφωμένη βάσει των ακολουθιών των κανόνων της αρχαιότητας και της Αναγέννησης. Χρησιμοποιήθηκε σε πολλές ευρωπαϊκές σχολές τέχνης από τον 16ο έως τον 19ο αιώνα. Ο ακαδημαϊκός χαρακτήρας μετέτρεψε τις κλασικές παραδόσεις σε ένα σύστημα «αιώνιων» κανόνων και κανονισμών που περιόριζαν τις δημιουργικές αναζητήσεις, προσπάθησαν να αντιταχθούν στις «υψηλές» βελτιωμένες, μη εθνικές και διαχρονικές μορφές ομορφιάς σε ατελή ζωή. Ο ακαδημαϊκός χαρακτήρας χαρακτηρίζεται από προτίμηση για θέματα αρχαίας μυθολογίας, βιβλικά ή ιστορικά θέματα από τη ζωή του σύγχρονου καλλιτέχνη.
	- (Γαλλική cubisme, από κύβο - κύβος) κατεύθυνση στην τέχνη του πρώτου τετάρτου του ΧΧ αιώνα. Η Πλακτική γλώσσα του Κυβισμού βασίστηκε στην παραμόρφωση και τη διάταξη των παραμέτρων στα γεωμετρικά επίπεδα, στην πλαστική μετατόπιση της φόρμας. Η γέννηση του Κυβισμού πέφτει στα έτη 1907-1908 - την παραμονή του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου. Ο αδιαμφισβήτητος ηγέτης αυτής της τάσης ήταν ο ποιητής και δημοσιογράφος G. Apollinaire. Αυτό το κίνημα ήταν ένα από τα πρώτα που ενσαρκώνει τις κορυφαίες τάσεις στην περαιτέρω ανάπτυξη της τέχνης του εικοστού αιώνα. Μία από αυτές τις τάσεις ήταν η κυριαρχία της έννοιας πάνω στην καλλιτεχνική εγγενή αξία του πίνακα. Οι J. Braque και P. Picasso θεωρούνται οι πατέρες του κυβισμού. Οι Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris και άλλοι μπήκαν στο τρέχον.
	- τρέχει στη λογοτεχνία, τη ζωγραφική και τον κινηματογράφο, που δημιουργήθηκε το 1924 στη Γαλλία. Συνέβαλε σημαντικά στη διαμόρφωση της συνείδησης του σύγχρονου ανθρώπου. Οι κύριες φιγούρες του κινήματος είναι οι André Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Juan Miro και πολλοί άλλοι καλλιτέχνες σε όλο τον κόσμο. Ο σουρεαλισμός εξέφρασε την ιδέα της ύπαρξης εκτός του πραγματικού, ένας ιδιαίτερα σημαντικός ρόλος εδώ αποκτά ο παράλογος, το ασυνείδητο, τα όνειρα, τα όνειρα. Μία από τις χαρακτηριστικές μεθόδους του σουρεαλιστή καλλιτέχνη είναι η απόσπαση από τη συνειδητή δημιουργικότητα, η οποία τον καθιστά ένα εργαλείο που με διάφορους τρόπους εξάγει παράξενες εικόνες του υποσυνείδητου, παρόμοια με παραισθήσεις. Ο σουρεαλισμός επέζησε από διάφορες κρίσεις, επέζησε από τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο και σταδιακά, συγχωνεύτηκε με τη μαζική κουλτούρα, τέμνονταν με το trans-avant-garde, μπήκε στον μεταμοντερνισμό ως αναπόσπαστο μέρος.
	- (από lat.futurum - μέλλον) λογοτεχνικό και καλλιτεχνικό ρεύμα στην τέχνη της δεκαετίας του 1910. Otvodya cebe pol ppoobpaza ickycctva bydyschego, fytypizm in kachectve ocnovnoy ppogpammy vydvigal ideyu pazpysheniya kyltypnyx ctepeotipov and ppedlagal vzamen apologiyu texniki και ypbanizma Η σημαντική καλλιτεχνική ιδέα του φυτουρισμού έχει γίνει μια αναζήτηση για μια φυσική έκφραση του ρυθμού κίνησης ως θεμελιώδους ζωής του ρυθμού της σύγχρονης ζωής. Η ρωσική εκδοχή του φουτουρισμού έφερε το όνομα kybofyturism και βασίστηκε στη σύνδεση των πλαστικών αρχών του φανταστικού κυβισμού και της ευτροφίας

από συνεντεύξεις, βασίζονται στην αρχή ότι ο καλλιτέχνης, όταν απεικονίζει, αναδημιουργεί την ομορφιά και την αλήθεια, οι οποίες δεν μπορούν να μειωθούν στην απεικονιζόμενη εμφάνιση. Για έναν εκπαιδευμένο θεατή, ένα ταλαντούχο έργο τέχνης είναι ένας διάλογος μεταξύ του καλλιτέχνη και της ανθρωπότητας, στον οποίο επιδιώκει να ανοίξει στους ανθρώπους «μια λίγο πιο άγνωστη ομορφιά του κόσμου» (A. Matisse). Η «ορατή αυτο-απόδειξη» της ζωγραφικής είναι ικανή να αντικαταστήσει, να απλοποιήσει το μήνυμα του καλλιτέχνη, να μειώσει το περιεχόμενό του είτε μόνο στην καλλιτεχνική, είτε μόνο στην ηθική, ή μόνο στην κοινωνική. Ο ζωγράφος ξεπερνά μια τέτοια κατάσταση, αναπτύσσοντας μέσα καλλιτεχνικής έκφρασης, αποφεύγει την «αναγνώριση», προσκαλώντας τον συνομιλητή σε «περίπου-γνώση» του νέου. Το "άγνωστη ομορφιά" μπορεί να ανακαλυφθεί από τον θεατή μόνο υπό την προϋπόθεση ότι το αισθητικό του ιδανικό δεν περιορίζεται στο πλαίσιο οποιουδήποτε συγκεκριμένου, κανονιστικού προτύπου πανεμορφη.Επομένως, το αισθητικό ιδανικό ενός εμπειρογνώμονα είναι πολυδιάστατο και δυναμικό, περιέχει την ικανότητα για αυτο-ανάπτυξη. Εξ ου και το πιο σημαντικό αξίωμα της στάσης ενός ειδικού σε ένα έργο τέχνης - κατανόηση του μέτρου και του "κώδικα" της καλλιτεχνικής του σύμβασης.

Για έναν κριτικό της τέχνης, το έργο ενός καλλιτέχνη υπάρχει στο σύνολό του, που αντιπροσωπεύει τόσο μια μοναδική δημιουργική προσωπικότητα όσο και τα πνευματικά ιδανικά της εποχής και την έκφραση των κοινωνικών αναγκών. Γνωρίζει ότι κάθε καλλιτέχνης ενσωματώνει το δικό του δημιουργικό κριτικό, μετατρέποντας την πραγματικότητα στη γλώσσα ενός ατομικού καλλιτεχνικού τρόπου. Επομένως, επικεντρώνεται στην κατανόηση του συστήματος των καλλιτεχνικών εννοιών ενός δεδομένου έργου τέχνης, της μοναδικότητάς του κ.λπ.

Οι επισημασμένες αρχές της αντίληψης πραγματοποιούνται από έναν ειδικό της τέχνης στην πραγματική διαδικασία ανάλυσης ενός έργου καλής τέχνης, καθορίζοντας μια ποικιλία μεμονωμένων χαρακτηριστικών. Ταυτόχρονα, για καθένα από τα σημεία, μπορεί να παρουσιαστεί μια συγκεκριμένη υποθετική κλίμακα, στην οποία σημειώνεται ο βαθμός έντασης του σημείου ή η απουσία του. Φυσικά,

ότι το κριτήριο της έντασης ενός χαρακτηριστικού μεταξύ των ειδικών μπορεί να μην συμπίπτει μεταξύ τους, ορίζοντας διαφορετικές στάσεις τόσο για τις ατομικές ιδιότητες όσο και για το έργο που αναλύθηκε στο σύνολό του.

Ταυτόχρονα, το εμπειρικό πείραμα που πραγματοποιήθηκε έδειξε ότι όταν οι εκτιμήσεις των κριτικών της τέχνης δεν συμπίπτουν, τα ίδια τα κριτήρια αξιολόγησης υπάρχουν στον ίδιο χώρο καλλιτεχνικής ερμηνείας ενός έργου τέχνης. Η γενικότητα των αρχών της στάσης απέναντι στις αισθητικές αξίες καθορίζεται όχι από τη σύμπτωση των εκτιμήσεων, αλλά από το σύστημα αντίληψης και κατανόησης της τέχνης. Όταν ένας κριτικός τέχνης αναλύει ένα έργο τέχνης, το κατανοεί στο πλαίσιο της ανάπτυξης της καλής τέχνης, το συσχετίζει με διάφορες κατευθύνσεις, σχολεία, δασκάλους, συνειδητοποιώντας ότι η ανάπτυξη της τέχνης είναι σχετικά ανεξάρτητη. Από την άμεση εμπειρία της αντιληπτής εικόνας, προχωρά σε αισθητική ερμηνεία και γενίκευση, αποκαλύπτοντας τον στόχο του δημιουργού - να δείξει μια νέα καλλιτεχνική αλήθεια.

Φυσικά, η αντίληψη ενός εμπειρογνώμονα τέχνης είναι κάπως διαφορετική από την κατανόηση της τέχνης από αυτήν την ομάδα μαθητών, την οποία αποδίδουμε στον καλλιτεχνικό τύπο. Ένας κριτικός της τέχνης όχι μόνο διαθέτει γνώση αυτού του ειδικού «προγράμματος» ανάγνωσης των εικονιστικών εννοιών ενός έργου τέχνης, το οποίο καθορίζει τις διαδικασίες κατανόησης νέων καλλιτεχνικών πληροφοριών: συνειδητοποιεί επαγγελματικά τις δυνατότητες της γνώσης του και του ταλέντου του μέσω του «προγράμματος» της λεκτικοποίησης (λογοτεχνική παρουσίαση) του τι γίνεται αντιληπτό και κατανοητό, συμμορφούμενο από διαφορετικά κοινωνικά, πολιτιστικά και ιστορικά πλαίσια.

Φυσικά, ανεξάρτητα από το πόσο επαγγελματικά εκπαιδεύεται ένας ειδικός στην τέχνη, εάν δεν είναι σε θέση να αισθανθεί και να ανακαλύψει την «ανεξερεύνητη ομορφιά του κόσμου», τότε κανένα σχέδιο «λεκτικού σεναρίου» δεν θα τον κάνει θεατή καλλιτεχνικού τύπου. Η καλλιτεχνική συνείδηση \u200b\u200bδεν καθορίζει καθόλου το περιεχόμενο του καλλιτεχνικού οράματος.

Με βάση το σύστημα των προσδοκιών που έχουμε ανακατασκευάσει - τις απαιτήσεις του τύπου αντίληψης και κατανόησης των καλών τεχνών με προσανατολισμό την τέχνη - είναι δυνατόν να παρουσιάσουμε και να ερμηνεύσουμε ένα μοντέλο εργασίας αυτού του τύπου με τη μορφή ενός διαγράμματος (1):

Η εργασία είναι - Σύστημα έτοιμο - Η εργασία είναι -

τέχνη ως συστήματα (στάσεις της τέχνης ως άτομο

αξίες της διάθεσης) οπτική αίσθηση

σύστημα αξιολόγησης

Το αποτέλεσμα της αντίληψης της τέχνης από έναν θεατή αυτού του τύπου είναι το αποτέλεσμα μιας σύνθετης αλληλεπίδρασης και των δύο επιπέδων αναπαραστάσεων των θεατών. Αναγνωρίζοντας την αρχή της συμπληρωματικότητας αυτών των επιπέδων, μπορούμε να σημειώσουμε την προτεραιότητα αυτού του τύπου αντίληψης του δεύτερου - καλλιτεχνικού-εικονιστικού - επιπέδου. Κατά τη γνώμη μας, στο αναλυόμενο μοντέλο, όταν το βλέπουμε τοπολογικά, το πρώτο επίπεδο κατανόησης του θεατή είναι μόνο ένα στοιχείο του δεύτερου: η αντίληψη των έργων τέχνης σε μιμητικό επίπεδο εμπλουτίζει και διευρύνει το σύστημα των εννοιών των θεατών - ερμηνείες το καλλιτεχνικό-εικονιστικό επίπεδο της προβολής της πραγματικότητας στην τέχνη.

ΤΥΠΟΣ ΤΕΧΝΗΣ (Ελληνικά τυπογραφικά λάθη - αποτύπωμα, δείγμα) είναι μια εικόνα της τέχνης που δημιουργήθηκε στη διαδικασία της δημιουργικής φαντασίας ενός συγγραφέα, καλλιτέχνη, που αντικατοπτρίζει τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα μιας συγκεκριμένης ομάδας ανθρώπων, μιας συγκεκριμένης κοινωνίας. Ένας καλλιτεχνικός τύπος μπορεί να βασίζεται σε μια συγκεκριμένη ιστορική προσωπικότητα, αλλά πιο συχνά είναι το αποτέλεσμα της γενίκευσης ορισμένων ιδιοτήτων μιας κοινωνικής ομάδας ανθρώπων, της τάξης τους, των εθνικών, ψυχολογικών χαρακτηριστικών κ.λπ. Πολλοί κορυφαίοι σοβιετικοί συγγραφείς έχουν δημιουργήσει ζωντανές τυπικές εικόνες χρησιμοποιώντας αληθινά πρωτότυπα ("How steel" του Ν. Οστρόβσκι, "Young Guard" του A. Fadeev, "The Story of a Real Man" του B. Polevoy, "Zoya" του M. Aliger και άλλων).

Ωστόσο, τόσο το ζωντανό πρωτότυπο όσο και η συλλογική εικόνα πρέπει να αντιπροσωπεύουν μια καλλιτεχνική γενίκευση. Υπάρχουν διαφορές στις μεθόδους και τις τεχνικές για τη δημιουργία καλλιτεχνικών τύπων σε μια ενιαία ρεαλιστική μέθοδο. Έτσι, η μέθοδος του Γκόγκολ να εστιάζει την προσοχή σε ένα βασικό χαρακτηριστικό, να ακονίζει ορισμένα κοινωνικο-ψυχολογικά χαρακτηριστικά των τύπων των γαιοκτημόνων που έχουν καθιερωθεί στη ζωή στο "Dead Souls", φέρνοντάς τα "στα μάτια των ανθρώπων" δεν είναι ίδια με ένα βαθιά ψυχολογική ανάλυση της ίδιας της διαδικασίας σχηματισμού ενός συγκεκριμένου τύπου προσωπικότητας στο "Πόλεμος και Ειρήνη" από τον Λ. Τολστόι, την αποκάλυψή του για τη "διαλεκτική της ψυχής" από τον Πιερ Μπέζοφκοφ, τον Αντρέι Μπολκόνσκι, τη Νατάσα Ροστόβα.

Στην ικανότητα της τέχνης να «κατανοήσει» και να γεμίσει καλλιτεχνικά τον τύπο της κίνησης των χαρακτήρων, την ίδια τη διανοητική διαδικασία, τη γέννηση και την ανάπτυξη της ιδέας ως κινητήρια δύναμη της προσωπικότητας. Ο Ντοστογιέφσκι είδε τον ρεαλισμό «με την υψηλότερη έννοια». Η ιστορία του ρεαλισμού μαρτυρεί τις απεριόριστες δυνατότητες δημιουργίας ενός καλλιτεχνικού τύπου. Κάθε καλλιτεχνικός τύπος έχει τη δική του πτυχή, μια γωνία φωτισμού του πνευματικού πλούτου και τους περιορισμούς της ανθρώπινης προσωπικότητας.

Η συγκεκριμένη απόφαση κάθε καλλιτέχνη της διαλεκτικής του γενικού και του ατόμου σε καλλιτεχνικό τύπο σχετίζεται άμεσα με το βαθμό γενίκευσής του, καθώς και με τις μεθόδους και τα μέσα τυποποίησης. Η κοινωνική σημασία του καλλιτεχνικού τύπου εξαρτάται από το αντικείμενο της τυποποίησης, συνδέεται με την αναγνώριση των κορυφαίων τύπων της εποχής, θεμελιώδεις κοινωνικές συγκρούσεις. Βαθιά αναπαράγεται από τον καλλιτέχνη, τέτοιοι κοινωνικοί τύποι επιτυγχάνουν κολοσσιαίο δημόσιο συντονισμό, χαρακτηρίζουν ολόκληρες εποχές στη ζωή της κοινωνίας. Αυτοί ήταν οι τύποι "περιττών" ανθρώπων στη ρωσική λογοτεχνία στα μέσα του 19ου αιώνα, ήρωες της δεκαετίας του εξήντα στα έργα του Τσέρνσεφσκι και του Τουργκενέφ, επαναστατικών εργατών στα έργα του Γκόρκι κ.λπ.

Ωστόσο, η σημασία του αντικειμένου της τυποποίησης από μόνη της δεν καθορίζει το βαθμό και το βάθος της καλλιτεχνικής γενίκευσης. Στην τέχνη, η διαδικασία της καλλιτεχνικής αποκάλυψης του τύπου είναι σημαντική. Η ιστορία της τέχνης γνωρίζει έναν τεράστιο αριθμό παραδειγμάτων όταν ένας φαινομενικά ασήμαντος χαρακτήρας κάτω από το χέρι ενός δασκάλου μεγαλώνει σε έναν καλλιτεχνικό τύπο μεγάλης δύναμης γενίκευσης, γίνεται ένα σημαντικό γεγονός της τέχνης. Το βάθος της ποιητικής σκέψης του καλλιτέχνη, η ικανότητα σύνδεσης του επιλεγμένου τύπου με ολόκληρο το σύστημα κοινωνικών σχέσεων, φωτίζει έναν συγκεκριμένο χαρακτήρα με το φως του γενικού περιεχομένου, μια σημαντική καλλιτεχνική ιδέα, δείτε στα απεικονιζόμενα τακτικά χαρακτηριστικά, στοιχεία του " αιώνια "ανθρώπινη αρχή, οι πιο σημαντικές προϋποθέσεις για τη δημιουργία ενός καλλιτεχνικού τύπου.

Μια ολοκληρωμένη λύση στο πρόβλημα του καλλιτεχνικού τύπου βαθαίνει μαζί με την ανάπτυξη της τέχνης και της κοινωνίας. Τέχνη του ΧΧ αιώνα. να προτείνει νέες πτυχές αυτού του προβλήματος. Η θεμελιώδης σχέση μεταξύ των εννοιών της τυπικότητας και της καλλιτεχνίας παρέμεινε αναλλοίωτη, αλλά οι νέες καλλιτεχνικές ανακαλύψεις στον τομέα των μεταβαλλόμενων κοινωνικών τύπων απαιτούν νέες πτυχές της σύγχρονης ερμηνείας τόσο του συγκεκριμένου ιστορικού περιεχομένου του καλλιτεχνικού τύπου, όσο και των νέων μορφών και μέσων της καλλιτεχνικής έκφρασης.

Ι.Ρ. Παύλοφ Προσδιόρισε τέσσερις τύπους υψηλότερης νευρικής δραστηριότητας στους ανθρώπους, οι οποίοι βασίζονται σε ιδέες σχετικά με τη σχέση μεταξύ των διεργασιών διέγερσης και αναστολής. Έτσι, έφερε την «φυσιολογική βάση» κάτω από την αρχαία διδασκαλία Ιπποκράτηςγια τα ιδιοσυγκρασίες.

"ΚΑΙ. Ο P. Pavlov, στη διαδικασία ανάπτυξης της θεωρίας των ρυθμισμένων αντανακλαστικών, παρουσίασε μια σειρά διατάξεων, μεταξύ των οποίων οι έννοιες της "διέγερσης - αναστολής" των νευρικών διεργασιών και των "ιδιοτήτων" του νευρικού συστήματος (NS) διαδραματίζουν βασικό ρόλο στην κατανόηση της νευροφυσιολογικής βάσης της ιδιοσυγκρασίας. Αποκάλυψε τρεις τέτοιες ιδιότητες: «δύναμη», «ηρεμία» και «κινητικότητα».

Η δύναμη του NS ενεργεί ως δείκτης αποτελεσματικότητας, αντοχής των νευρικών κυττάρων και του NS γενικά. Ένα ισχυρό NS μπορεί να αντέξει ένα φορτίο μεγαλύτερο σε μέγεθος και διάρκεια από ένα ασθενές. Ένα ισχυρό NS είναι ικανό να αντισταθεί στην ανάπτυξη υπερβατικής αναστολής. Ο IP Pavlov ταυτόχρονα διαφοροποίησε την παράμετρο της δύναμης του NS σε δύο ανεξάρτητες ιδιότητες - «τη δύναμη διέγερσης» και «τη δύναμη αναστολής».

Υπόλοιπο NS είναι ένας δείκτης της αναλογίας διεγερτικών και ανασταλτικών νευρικών διεργασιών.

Κινητικότητα NS - αυτή είναι η ικανότητα του νευρικού συστήματος να ανταποκρίνεται γρήγορα σε αλλαγές στο περιβάλλον αλλάζοντας εναλλακτικά τις διεργασίες διέγερσης και αναστολής. […] »

Σύμφωνα με τον I.P. Pavlov, υπάρχουν τέσσερις τύποι υψηλότερης νευρικής δραστηριότητας (VND):

«1) ισχυρό, ισορροπημένο, κινητό - αυθεντικό.

2) αδύναμο - μελαγχολικό.

3) ισχυρή, ανισορροπημένη (επικρατεί η διαδικασία του ενθουσιασμού) - χοληρική.

4) ισχυρό, ισορροπημένο, αδρανές - φλεγματικό.

Ο ίδιος ο IP Pavlov, ωστόσο, ήταν προσεκτικός για μια τέτοια άμεση σύγκριση. Επιπλέον, αυτός, συνειδητοποιώντας ότι δεν υπάρχουν «καθαροί» τύποι στην πραγματικότητα, ανέλαβε την παρουσία ενδιάμεσων τύπων ΑΕΕ. Πρέπει να ληφθεί υπόψη ότι το έργο του Ι.Π. Παύλοφ και των συναδέλφων του για τον προσδιορισμό των τύπων ΑΕΕ βασίστηκε αποκλειστικά σε πειράματα με ζώα. Ο ίδιος ο Ιβάν Πετρόβιτς, σε μια από τις διάσημες Τετάρτες του Παβλόβιτς (συναντήσεις αφιερωμένες στην ελεύθερη συζήτηση διαφόρων προβλημάτων της φυσιολογικής επιστήμης), ακόμη και υπογράμμισε ειδικά την αδυναμία μεταφοράς, όπως το έθεσε, «σκύλος» τύπων ΑΕΕ στους ανθρώπους.

Ως εκ τούτου, πρότειναν ένα είδος τυπολογίας της προσωπικότητας ενός ατόμου, ωστόσο, λαμβάνοντας υπόψη όχι τόσο ιδιοσυγκρασιακά χαρακτηριστικά όσο τις κλίσεις και τις ικανότητες:

1) τύπος σκέψης (κυριαρχία του 2ου συστήματος σήματος, δηλ. εξάρτηση από την αλληλεπίδραση με το περιβάλλον κυρίως στην εννοιολογική σκέψη και ομιλία) ·

2) τύπος τέχνης (κυριαρχία του 1ου συστήματος σήματος, δηλ. εξάρτηση από την αλληλεπίδραση με το περιβάλλον κυρίως στην αντίληψη και τη φανταστική σκέψη).

3) μεσαίος (ενδιάμεσος) τύπος».

Nikandrov V.V., Psychology, M., "TK Welby"; "Prospect", 2007, σελ. 747 και 748.

Επαγγέλματα στα οποία η εργασία στοχεύει σε καλλιτεχνικά αντικείμενα ή τις συνθήκες δημιουργίας τους. Όλα τα επαγγέλματα του τύπου "πρόσωπο - καλλιτεχνική εικόνα" μπορούν να χωριστούν σε υποτύπους σύμφωνα με ιστορικά διακριτούς τύπους καλλιτεχνικής αναπαράστασης της πραγματικότητας .

1. Καλλιτεχνικά επαγγέλματα.
2. Επαγγέλματα που σχετίζονται με μουσικές δραστηριότητες.
3. Επαγγέλματα που σχετίζονται με λογοτεχνικές και καλλιτεχνικές δραστηριότητες.
4. Επαγγέλματα που σχετίζονται με τη δράση και τις σκηνικές δραστηριότητες.

Οι αναφερόμενοι δευτερεύοντες τύποι δεν περιορίζονται αυστηρά ο ένας από τον άλλο και είναι λίγο πολύ αλληλένδετοι.
Οι πρώτες εκδηλώσεις και μορφές τέχνης (εικόνα, τραγούδι, χορός) στην ιστορία της ανθρωπότητας δεν ήταν καθόλου αδρανείς, αλλά το πιο σημαντικό κοινωνικό ζήτημα - το έργο της συλλογικής. Το τραγούδι έθεσε τον ρυθμό της κοινής δουλειάς ή δημιούργησε την απαραίτητη διάθεση (θλιβερή, χαρούμενη ή μάχη). Ένα σχέδιο ή χορός που καθορίζεται και καθορίζει τις προθέσεις, τους στόχους, τα σχέδια, χρησίμευσε ως ένα είδος προετοιμασίας για κυνήγι, μάχες κ.λπ. Η τέχνη συνδέθηκε με την υποστήριξη της κοινωνίας, της εργασίας.

Στη διαδικασία της ανθρώπινης ανάπτυξης, υπήρχε ένας διαχωρισμός και απομόνωση της παραγωγής καλλιτεχνικών αξιών από την παραγωγή υλικών αξιών. Εμφανίστηκαν καλλιτεχνικοί ειδικοί. Ικανοποιούν τις υλικές τους ανάγκες σε βάρος εκείνων που εργάζονται στον τομέα της γεωργίας, της βιομηχανίας, και σε αντάλλαγμα φέρνουν αισθητικές αξίες στην κοινή αιτία.

Υπάρχει μια φυσική ανταλλαγή προϊόντων εργασίας. Φυσικά, από καιρό σε καιρό, εμφανίζεται ένα «φρενίτιδο πιάνο», το οποίο αρχίζει να πιστεύει ότι «παίζει για τον εαυτό του», με άλλα λόγια, οι ιδέες φαίνεται ότι η τέχνη είναι κάτι εξαιρετικό («τέχνη για τέχνη» κ.λπ.). Αυτή δεν είναι πιο έξυπνη θέση από ό, τι εάν κάποιος διακηρύσσει: «βιομηχανία για τη βιομηχανία», «μελισσοκομία για μελισσοκομία» κ.λπ. Σε οποιονδήποτε τομέα εργασίας, η ικανότητα μπορεί να μην είναι εφικτή. Ωστόσο, δεν εκφράζεται σε κάθε περιοχή με θεαματικά εφέ. Επομένως, δεν είναι όλοι οι τομείς εργασίας οι ίδιοι όροι για την «υπερηφάνεια» για την κατοχή ενός ατόμου.

Ένα από τα χαρακτηριστικά αυτού του τύπου επαγγέλματος είναι ότι ένα σημαντικό ποσοστό του κόστους εργασίας των εργαζομένων παραμένει κρυμμένο από τον εξωτερικό παρατηρητή. Επιπλέον, συχνά γίνονται ειδικές προσπάθειες για τη δημιουργία της επίδρασης της ελαφρότητας, της ευκολίας του τελικού προϊόντος της εργασίας. Έτσι, η παράσταση ενός καλλιτέχνη μπορεί να συνεχιστεί δημόσια για αρκετά λεπτά. Αλλά για να γίνει αυτό, ο καλλιτέχνης καθημερινά και πολλές ώρες εργάζεται για να βελτιώσει και να διατηρήσει την ικανότητά του στο απαιτούμενο επίπεδο, τηρεί αυστηρά ένα ειδικό καθεστώς κ.λπ.

Όταν επιλέγετε την κατάλληλη επαγγελματική πορεία, είναι σημαντικό να σκεφτείτε αυτήν την σιωπηρή πλευρά της εργασίας, η οποία μπορεί να αποδειχθεί μια αφόρητη τιμή για την επιτυχία. Προκειμένου η εργασία να φέρει ικανοποίηση, είναι σημαντικό να καλλιεργήσετε ένα ρεαλιστικό επίπεδο ισχυρισμών για δημόσια αναγνώριση (να μην αξιώνετε περισσότερη αναγνώριση από αυτό που αξίζετε για τα πραγματικά αποτελέσματα των δραστηριοτήτων σας). Ωστόσο, αυτό δεν είναι εύκολο να επιτευχθεί εάν κάποιος έχει ήδη επαινηθεί από κάποιον. Ένα άτομο με μη ρεαλιστικό επίπεδο αξιώσεων απομακρύνει την ιδέα ότι ο πραγματικός λόγος για την έλλειψη ηχηρής επιτυχίας είναι στον εαυτό του. Είναι διατεθειμένος να εξηγήσει τις αποτυχίες από τις ενέργειες άλλων ανθρώπων ("εμποδίζεται", "μην δίνετε πέρασμα", "φθόνος", "επιβράδυνση", κ.λπ.)

Υποτύποι επαγγελμάτων όπως "Ανθρώπινη - Καλλιτεχνική εικόνα"

• Καλλιτεχνικά επαγγέλματα:

Ζωγράφος ταπετσαρίας, πλακάκι, φωτογράφος, ζωγράφος παιχνιδιών, κυνηγός, ξυλογλυπτική, κόπτης κοσμημάτων, καλλιτέχνης μακιγιάζ, σχεδιαστής φωτισμού, συντηρητής, σχεδιαστής παραγωγής.

• Μουσικά επαγγέλματα:

Δέκτης πιάνου, συνοδός, τραγουδιστής, καλλιτέχνης ορχήστρας, μουσικός δέκτης παιχνιδιών.