Ποιος είναι ο κύριος μπαλέτου; Διάσημοι δάσκαλοι μπαλέτου του κόσμου. Pierre lacotte - ο διάσημος Γάλλος χορευτής και χορογράφος Η διάσημη γαλλική ιδέα του σταυρόλεξου

Το γαλλικό και το ρωσικό μπαλέτο έχουν εμπλουτίσει ο ένας τον άλλον περισσότερες από μία φορές. Και ο Γάλλος πλοίαρχος μπαλέτου Ρολάντ Πετιτ θεωρούσε τον εαυτό του «κληρονόμο» των παραδόσεων του «Ρωσικού Μπαλέτου» του S. Diaghilev.

Ο Roland Petit γεννήθηκε το 1924. Ο πατέρας του ήταν ο ιδιοκτήτης ενός δείπνου - ο γιος του είχε ακόμη την ευκαιρία να εργαστεί εκεί, και αργότερα στη μνήμη αυτού έφτιαξε έναν χορογραφικό αριθμό με ένα δίσκο, αλλά η μητέρα του είχε άμεση σχέση με την τέχνη του μπαλέτου: ίδρυσε την εταιρεία Repetto, η οποία παράγει ρούχα και παπούτσια για μπαλέτο. Στην ηλικία των 9 ετών, το αγόρι δηλώνει ότι θα φύγει από το σπίτι εάν δεν του επιτραπεί να σπουδάσει μπαλέτο. Έχοντας περάσει επιτυχώς τις εξετάσεις στη Σχολή της Όπερας του Παρισιού, σπούδασε εκεί Σ. Λίπαρ και Γ. Ρίκο, ένα χρόνο αργότερα άρχισε να παίζει σε μίμηση σε παραστάσεις όπερας.

Μετά την αποφοίτησή του το 1940, ο Roland Petit έγινε χορευτής του σώματος του μπαλέτου στην Όπερα του Παρισιού, ένα χρόνο αργότερα επιλέχθηκε ως συνεργάτης του M. Burg και αργότερα έδωσε βραδιές μπαλέτου με τον J. Charr. Σε αυτά τα βράδια, οι μικροί αριθμοί εκτελούνται στη χορογραφία από τον J. Charr, αλλά εδώ ο R. Petit παρουσιάζει το πρώτο του έργο - "Ski Jump". Το 1943 έπαιξε ένα σόλο μέρος στο μπαλέτο Love the Enchantress, αλλά προσελκύθηκε περισσότερο από τη δραστηριότητα ενός χορογράφου.

Αφού έφυγε από το θέατρο το 1940, ο 20χρονος R. Petit, χάρη στην οικονομική υποστήριξη του πατέρα του, οργάνωσε το μπαλέτο "Comedians" στο Théâtre des Champs Elysees. Η επιτυχία ξεπέρασε όλες τις προσδοκίες - οι οποίες κατέστησαν δυνατή τη δημιουργία του δικού τους συγκροτήματος, που ονομάζεται Ballet of the Champs Elysees. Διήρκεσε μόνο επτά χρόνια (οι διαφωνίες με τη διοίκηση του θεάτρου έπαιξαν μοιραίο ρόλο), αλλά πολλές παραστάσεις διοργανώθηκαν: «Η Νεολαία και ο Θάνατος» σε μουσική και άλλα έργα του ίδιου του R. Petit, παραστάσεις άλλων χορογράφων εκείνης της εποχής, αποσπάσματα από κλασικά μπαλέτα - «Sylphide» , "Ωραία Κοιμωμένη", " ".

Όταν το "Ballet de Champs Elysees" έπαψε να υπάρχει, ο R. Petit δημιούργησε το "Μπαλέτο του Παρισιού". Το νέο συγκρότημα περιελάμβανε τη Margot Fontaine - ήταν αυτή που έπαιξε έναν από τους κεντρικούς ρόλους στο μπαλέτο Girl in the Night για τη μουσική του J. France (το άλλο κύριο μέρος χορεύτηκε από τον ίδιο τον R. Petit) και το 1948 χορεύει στο μπαλέτο Carmen μουσική του J. Bizet στο Λονδίνο.

Το ταλέντο του Roland Petit εκτιμήθηκε όχι μόνο μεταξύ των οπαδών του μπαλέτου, αλλά και στο Χόλιγουντ. Το 1952, στη μουσική ταινία "Hans Christian Andersen", παίζει τον ρόλο του Πρίγκιπα από το παραμύθι "Η Μικρή Γοργόνα", και το 1955, ως χορογράφος, συμμετέχει στη δημιουργία των ταινιών "The Crystal Slipper" με βάση το παραμύθι "Σταχτοπούτα" και - μαζί με τον χορευτή F. Astaire - "Μπαμπάς με μακριά πόδια".

Αλλά ο Roland Petit έχει ήδη αρκετή εμπειρία για να δημιουργήσει ένα μπαλέτο πολλαπλών πράξεων. Και δημιούργησε μια τέτοια παραγωγή το 1959, λαμβάνοντας ως βάση το δράμα του E. Rostand "Cyrano de Bergerac". Ένα χρόνο αργότερα, αυτό το μπαλέτο γυρίστηκε μαζί με τρεις άλλες παραγωγές του χορογράφου - "Carmen", "The Eater of Diamonds" και "Mourning for 24 Hours" - όλα αυτά τα μπαλέτα συμπεριλήφθηκαν στην ταινία του Terence Young "One, Two, Three, Four ή Black Leotards" ... Σε τρεις από αυτούς, ο ίδιος ο χορογράφος έπαιξε τους κύριους ρόλους - Cyrano de Bergerac, Jose και the Bridegroom.

Το 1965, ο Roland Petit παρουσίασε το μπαλέτο Notre Dame de Paris με τη μουσική του M. Jarre στην Όπερα του Παρισιού. Από όλους τους χαρακτήρες, ο χορογράφος άφησε τέσσερις κύριους χαρακτήρες, καθένας από τους οποίους ενσωματώνει μια συγκεκριμένη συλλογική εικόνα: Esmeralda - αγνότητα, Claude Frollo - κακότητα, Phoebus - πνευματική κενότητα σε ένα όμορφο "κέλυφος", Quasimodo - η ψυχή ενός αγγέλου σε ένα άσχημο σώμα (αυτός ο ρόλος έπαιξε ο R. Μικρός). Μαζί με αυτούς τους ήρωες, υπάρχει ένα απρόσωπο πλήθος στο μπαλέτο, το οποίο μπορεί να σώσει και να σκοτώσει με την ίδια ευκολία ... Το επόμενο έργο ήταν το μπαλέτο Paradise Lost, που σκηνοθετήθηκε στο Λονδίνο, το οποίο αποκαλύπτει το θέμα του αγώνα των ποιητικών σκέψεων στην ανθρώπινη ψυχή με μια τραχιά αισθησιακή φύση. Ορισμένοι κριτικοί το είδαν ως «γλυπτική αφαίρεση του σεξ». Η τελική σκηνή, στην οποία η γυναίκα θρηνεί την χαμένη καθαρότητα, φαινόταν αρκετά απροσδόκητη - έμοιαζε με ανεστραμμένη ευσέβεια ... Σε αυτή την παράσταση η Margot Fontaine και ο Rudolf Nureyev χόρευαν.

Επικεφαλής του Μπαλέτου της Μασσαλίας το 1972, ο Ρολάντ Πετίτ λαμβάνει ως βάση για την παράσταση του μπαλέτου ... τους στίχους του V. V. Mayakovsky. Σε αυτό το μπαλέτο με τίτλο "Light the Stars" ο ίδιος παίζει τον κύριο ρόλο, για τον οποίο ξυρίζει το κεφάλι του. Την επόμενη χρονιά συνεργάζεται με τη Maya Plisetskaya - χορεύει στο μπαλέτο του "Sick Rose". Το 1978 οργάνωσε το μπαλέτο The Queen of Spades για τον Mikhail Baryshnikov και μετά - το μπαλέτο για τον Charlie Chaplin. Ο χορογράφος γνώριζε προσωπικά αυτόν τον σπουδαίο ηθοποιό και μετά το θάνατό του έλαβε τη συγκατάθεση του γιου του ηθοποιού για να δημιουργήσει μια τέτοια παραγωγή.

Μετά από 26 χρόνια ηγεσίας του Ballet de Marseille, ο R. Petit αποχώρησε από το συγκρότημα λόγω σύγκρουσης με τη διοίκηση και μάλιστα απαγόρευσε τη διοργάνωση του μπαλέτου του. Στις αρχές του ΧΧΙ αιώνα συνεργάστηκε με το Θέατρο Μπολσόι στη Μόσχα: "Passacaglia" στη μουσική του A. Webern, "Η βασίλισσα των μπαστούνι" στη μουσική του PI Tchaikovsky, διοργανώθηκε στη Ρωσία και τον "Καθεδρικό Ναό της Νοτρ Νταμ". Το πρόγραμμα Roland Petit Talks, που παρουσιάστηκε στο Θέατρο Μπολσόι στη Νέα Σκηνή το 2004, προκάλεσε μεγάλο δημόσιο ενδιαφέρον: ο Νικολάι Τσισκαρίντζε, η Λούσια Λάκκαρα και η Ιλζέ Λίπα έκαναν αποσπάσματα από τα μπαλέτα του, ενώ ο ίδιος ο χορογράφος μίλησε για τη ζωή του.

Ο πλοίαρχος μπαλέτου απεβίωσε το 2011. Ο Ρόλαντ Πετίτ έχει παίξει περίπου 150 μπαλέτα - ισχυρίστηκε ακόμη και ότι είναι "πιο παραγωγικός από τον Πάμπλο Πικάσο". Για το έργο του, ο χορογράφος έχει επανειλημμένα λάβει κρατικά βραβεία. Στο σπίτι το 1974 του απονεμήθηκε το Τάγμα της Λεγεώνας της Τιμής, και για το μπαλέτο Η Βασίλισσα των Σπαδών του απονεμήθηκε το Κρατικό Βραβείο της Ρωσικής Ομοσπονδίας.

Μουσικές σεζόν

Ένας μάστερ μπαλέτου είναι διευθυντής αριθμών χορού σε συναυλίες, παραστάσεις μπαλέτου, χορογραφικές σκηνές σε μουσικές και δραματικές παραστάσεις, ο επικεφαλής ενός συνόλου χορού ή μια ομάδα χορευτών. Αυτό είναι το άτομο που δημιουργεί και ζωντανεύει τις εικόνες των χαρακτήρων, τις κινήσεις τους, την πλαστικότητα, επιλέγει μουσικό υλικό και καθορίζει επίσης το φως, το μακιγιάζ, τα κοστούμια και τις διακοσμήσεις.

Χορογράφος

Το πόσο ισχυρή είναι μια συναισθηματική επίδραση ενός αριθμού χορού, μιας χορογραφικής σκηνής σε ένα μουσικό και δραματικό θέατρο ή ολόκληρη η παράσταση του μπαλέτου, εξαρτάται από το πόσο όμορφα και με ακρίβεια οργανώνονται οι κινήσεις και οι αλληλεπιδράσεις των χορευτών και των χορευτών, από την εκφραστικότητα και την πρωτοτυπία των κινήσεών τους, για το πώς Οι χοροί τους συνδυάζονται με μουσικό υλικό, σκηνικό φωτισμό, κοστούμια και μακιγιάζ - όλα αυτά μαζί δημιουργούν μια ενιαία εικόνα ολόκληρης της δράσης. Και ο χορογράφος είναι ακριβώς το άτομο που είναι ο δημιουργός του. Πρέπει να γνωρίζει όλους τους κανόνες και τις λεπτές αποχρώσεις της τέχνης του μπαλέτου, την ιστορία της, για να δημιουργήσει τέτοιους χορούς που θα είναι ενδιαφέροντες για να παρακολουθήσουν οι θεατές και να χορέψουν οι χορευτές. Ο σκηνοθέτης πρέπει να διαθέτει γνώση, να έχει την εμπειρία και τις ικανότητες ενός διοργανωτή, να έχει πλούσια φαντασία, φαντασία, να είναι πρωτότυπος στις ιδέες του, να έχει ταλέντο, να είναι μουσικός, να κατανοεί τη μουσική, να έχει μια αίσθηση ρυθμού, να μπορεί να εκφράζει συναισθήματα με τη βοήθεια του πλαστικού - από αυτά τα συστατικά δημιουργείται η τέχνη πλοίαρχος μπαλέτου. Εάν όλα αυτά βρίσκονται στο οπλοστάσιο του ηγέτη, τότε η παραγωγή του θα είναι επιτυχής με το κοινό και τους κριτικούς.

Η λέξη «χορογράφος» σε μετάφραση στα ρωσικά σημαίνει «πλοίαρχος του χορού». Αυτό το επάγγελμα είναι δύσκολο και απαιτεί πολλή εργασία και προσπάθεια, τόσο σωματική όσο και ηθική. Ο σκηνοθέτης πρέπει να δείξει σε όλους τους ερμηνευτές τα μέρη τους, να εξηγήσει τι συναισθήματα πρέπει να εκφράζουν σε πλαστικές και εκφράσεις του προσώπου. Η πολυπλοκότητα αυτού του έργου έγκειται επίσης στο γεγονός ότι το σενάριο χορού δεν μπορεί να καταγραφεί σε χαρτί, ο χορογράφος πρέπει να το κρατήσει στο κεφάλι του και να δείξει στους καλλιτέχνες έτσι ώστε να μάθουν το ρόλο τους. Η γνωριμία των χορευτών με το ρόλο πραγματοποιείται απευθείας σε πρόβες, ενώ οι ηθοποιοί του δράματος και του μουσικού θεάτρου έχουν την ευκαιρία να λάβουν εκ των προτέρων κείμενο και μουσικό υλικό. Ο χορογράφος πρέπει να αποκαλύψει στον ερμηνευτή το περιεχόμενο του ρόλου του, δείχνοντάς του τι να χορεύει και πώς. Και όσο πιο ρητά ο σκηνοθέτης αποδεικνύει την ιδέα του στον καλλιτέχνη, τόσο γρηγορότερα και ευκολότερα η ιδέα του θα γίνει κατανοητή και αφομοιωμένη.

Το καθήκον του χορογράφου είναι επίσης να οργανώσει τον χορό ή ολόκληρη την παράσταση με τέτοιο τρόπο ώστε να διατηρεί και να αυξάνει το ενδιαφέρον του κοινού. Από μόνες τους, οι χορευτικές κινήσεις είναι απλώς μηχανικές ασκήσεις, μια σειρά από πόζες που δεν θα πουν στον θεατή τίποτα, θα επιδείξουν την ευελιξία του σώματος του ερμηνευτή και θα μιλήσουν μόνο εάν ο σκηνοθέτης τους γεμίσει με σκέψη και συναίσθημα και βοηθά τον καλλιτέχνη να τα βάλει σε αυτά επίσης την ψυχή του. Από πολλές απόψεις, η επιτυχία της παράστασης και η διάρκεια της «ζωής» της στη σκηνή θα εξαρτηθούν από αυτό. Ο πρώτος ερμηνευτής όλων των χορών είναι ο ίδιος ο χορογράφος, γιατί πρέπει πρώτα να δείξει στους ερμηνευτές τα μέρη τους.

Χορογράφοι του παρελθόντος και του παρόντος

Διάσημοι δάσκαλοι μπαλέτου της Ρωσίας και του κόσμου του 19ου και του 20ου αιώνα:

• Ο Marius Petipa, ο οποίος έκανε μια τεράστια και ανεκτίμητη συνεισφορά στο ρωσικό μπαλέτο.
• Ο Jose Mendes - ήταν σκηνοθέτης σε πολλά διάσημα θέατρα του κόσμου, συμπεριλαμβανομένου του θεάτρου Μπολσόι στη Μόσχα.
• Filippo Taglioni;
• Ο Jules Joseph Perrot είναι ένας από τους πιο λαμπρούς εκπροσώπους του "ρομαντικού μπαλέτου".
• Gaetano Gioia - εκπρόσωπος του ιταλικού χοροδράματος ·
• Ο George Balanchine - έθεσε τα θεμέλια για το αμερικανικό μπαλέτο, καθώς και τον σύγχρονο νεοκλασικό μπαλέτο, πίστευε ότι η πλοκή πρέπει να εκφράζεται αποκλειστικά με τη βοήθεια των σωμάτων των χορευτών, και το τοπίο και τα πλούσια κοστούμια είναι περιττά.
• Mikhail Baryshnikov - έκανε μεγάλη συμβολή στην παγκόσμια τέχνη μπαλέτου.
• Ο Maurice Bejart είναι ένας από τους λαμπρότερους μπαλέτες του 20ού αιώνα.
• Maris Liepa;
• Pierre Lacotte - ασχολείται με την αποκατάσταση της αρχαίας χορογραφίας.
• Igor Moiseev - ο δημιουργός του πρώτου επαγγελματικού συνόλου στη Ρωσία στο λαϊκό είδος.
• Ο Vaclav Nijinsky - ήταν καινοτόμος στην τέχνη της χορογραφίας.
• Ρούντολφ Νουρέγιεφ;

Σύγχρονοι δάσκαλοι μπαλέτου του κόσμου:

• Jerome Belle - εκπρόσωπος της σχολής σύγχρονου μπαλέτου ·
• Ο Angelin Preljocaj είναι ένας λαμπρός εκπρόσωπος του νέου

Χορογράφοι της Ρωσίας του 21ου αιώνα:

• Boris Eifman - ο δημιουργός του δικού του θεάτρου.
• Alla Sigalova;
• Lyudmila Semenyaka;
• Maya Plisetskaya;
• Gedeminas Taranda;
• Ο Evgeny Panfilov είναι ο δημιουργός του δικού του μπαλέτου, ενθουσιώδεις στο είδος του ελεύθερου χορού.

Όλοι αυτοί οι Ρώσοι δάσκαλοι μπαλέτου είναι πολύ διάσημοι όχι μόνο στη χώρα μας, αλλά και στο εξωτερικό.

Μαρίους Πετίπα

Γάλλος και Ρώσος χορογράφος που άφησε μια τεράστια κληρονομιά. Από το 1847 εισήλθε στην υπηρεσία ως χορογράφος στο Θέατρο Mariinsky στην Αγία Πετρούπολη και στο Θέατρο Μπολσόι στη Μόσχα, μετά από πρόσκληση του Ρώσου αυτοκράτορα. Το 1894 έγινε θέμα της Ρωσικής Αυτοκρατορίας. Έχει σκηνοθετήσει έναν τεράστιο αριθμό μπαλέτων, όπως οι Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, Pharaoh's Daughter, Don Quixote, La Bayadere, A Midsummer Night's Dream, Daughter of the Snows, Robert the Devil "Και πολλοί άλλοι. δρ.

Ρολάντ Πιτ

Υπάρχουν διάσημοι χορογράφοι που θεωρούνται κλασικά του μπαλέτου του 20ού αιώνα. Μεταξύ αυτών, μία από τις πιο λαμπρές μορφές είναι ο Roland Petit. Το 1945 δημιούργησε τη δική του ομάδα μπαλέτου στο Παρίσι, το οποίο ονομάστηκε "Ballet de Champs Elysees". Ένα χρόνο αργότερα, παρουσίασε το διάσημο έργο "The Youth and Death" στη μουσική του I.S. Ο Μπαχ, που μπήκε στα κλασικά της παγκόσμιας τέχνης. Το 1948, ο Roland Petit ίδρυσε ένα νέο συγκρότημα μπαλέτου που ονομάζεται Ballet de Paris. Στη δεκαετία του 50, ήταν σκηνοθέτης χορού για πολλές ταινίες. Το 1965 σκηνοθέτησε στο Παρίσι το θρυλικό μπαλέτο Νοτρ Νταμ ντε Παρίσι, στο οποίο έπαιξε ο ίδιος το ρόλο του καουτσούκ Quasimodo, το 2003 σκηνοθέτησε αυτήν την παραγωγή στη Ρωσία - στο Θέατρο Μπολσόι, όπου ο Νικολάι Τσισκαρίντζες χόρευε το μέρος του άσχημου κουδουνιού.

Gedeminas Taranda

Ένας άλλος παγκοσμίως διάσημος χορογράφος είναι ο Gedeminas Taranda. Αφού αποφοίτησε από τη χορογραφική σχολή στο Voronezh, ήταν σολίστ στο Θέατρο Μπολσόι στη Μόσχα. Το 1994 ίδρυσε το "αυτοκρατορικό ρωσικό μπαλέτο", το οποίο του έδωσε παγκόσμια φήμη. Από το 2012, είναι ο ηγέτης και συνιδρυτής του Ιδρύματος για την Προώθηση της Δημιουργικής Εκπαίδευσης, Πρόεδρος του Grand Pa Ballet Festival. Ο Gedeminas Taranda κατέχει τον τίτλο του τιμημένου καλλιτέχνη της Ρωσίας.

Μπόρις Eifman

Ο B. Eifman είναι ένας λαμπρός, μοντέρνος, πρωτότυπος χορογράφος. Είναι ο ιδρυτής του δικού του μπαλέτου. Έχει διάφορους τίτλους και βραβεία στον τομέα της τέχνης. Οι πρώτες του παραγωγές το 1960 ήταν: "Towards Life" στη μουσική του συνθέτη D.B. Kabalevsky, καθώς και "Icarus" στη μουσική των V. Arzumanov και A. Chernov. Η φήμη ως χορογράφος έφερε το μπαλέτο "Firebird" στη μουσική του συνθέτη. Από το 1977 σκηνοθετεί το δικό του θέατρο. Οι παραγωγές του Boris Eifman είναι πάντοτε πρωτότυπες, καινοτόμες, συνδυάζουν ακαδημαϊκή, non-pointe και μοντέρνα ροκ χορογραφία. Κάθε χρόνο ο θίασος ταξιδεύει στην Αμερική. Το ρεπερτόριο του θεάτρου περιλαμβάνει παιδικά και ροκ μπαλέτα.

Ο Pierre Lacotte είναι χορευτής και χορογράφος, αναγνωρισμένος ειδικός στην αρχαία χορογραφία. Ονομάζεται αρχαιολόγος μπαλέτου, μια χορογραφική αρχαιότητα. Είναι αναγνωρισμένος αποκαταστάτης ξεχασμένων αριστουργημάτων των περασμένων αιώνων.

Ο Pierre Lacotte γεννήθηκε στις 4 Απριλίου 1932. Σπούδασε στο σχολείο μπαλέτου στην Όπερα του Παρισιού, πήρε μαθήματα από τους μεγάλους Ρώσους μπαλαρίνες - Matilda Kshesinskaya, Olga Preobrazhenskaya, Lyubov Egorova. Συνάντησε ιδιαίτερα καλά με τον πρώτο δάσκαλό του, Yegorova - είχε μια εξαιρετική μνήμη, θυμήθηκε τα μπαλέτα του Marius Petipa σε κάθε λεπτομέρεια και είπε στο αγόρι όλους τους ρόλους, τόσο μεγάλους όσο και μικρούς.

Επίσκεψη στο πράσινο σαλόνι - Pierre Lacotte,

Σε ηλικία 19 ετών, ο Pierre Lacotte έγινε ο πρώτος χορευτής του κύριου θεάτρου στη Γαλλία. Χόρευε με αστέρια όπως η Yvette Chauvire, η Lisette Darsonval, ο Christian Vossard. Σε ηλικία 22 ετών άρχισε να ενδιαφέρεται για τον σύγχρονο χορό, άρχισε να ανεβαίνει ανεξάρτητα, εγκατέλειψε την καριέρα του ως κλασικός χορευτής και το 1955 εγκατέλειψε την Όπερα του Παρισιού. Το 1957, χορεύει στη Μητροπολιτική Όπερα της Νέας Υόρκης.

Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του '50 και στις αρχές της δεκαετίας του εξήντα, η Lacotte σκηνοθέτησε το συγκρότημα μπαλέτου πύργου του Άιφελ, το οποίο έπαιξε στο Théâtre des Champs-Élysées, σκηνοθέτησε για τις παραστάσεις της «The Fairy Night», «The Parisian Boy» στη μουσική του Charles Aznavour και άλλων. Το 1963-1968 ήταν καλλιτεχνικός διευθυντής του συγκροτήματος Εθνικού Μπαλέτου Γαλλικής Μουσικής Νεότητας, για τον οποίο ανέλαβε μια απλή συμφωνία για τη μουσική του Britten, τον Άμλετ στη μουσική του Walton και το Future Passions στη μουσική του Lutoslawski. Εκεί, ο λαμπρός χορευτής Ghilen Tesmar, που αργότερα έγινε σύζυγος του Lacotte, ανακοίνωσε για πρώτη φορά τον εαυτό του.

Το Sylphide είναι ένα απόλυτο σύμβολο του ρομαντικού μπαλέτου. Ήταν στο La Sylphide που η μπαλαρίνα Maria Taglioni ανέβηκε για πρώτη φορά στα παπούτσια pointe («όχι για αποτέλεσμα, αλλά για χάρη των εικονιστικών εργασιών»). Η ηρωίδα του Taglioni έμοιαζε πραγματικά σαν ένα υπερφυσικό ον, όχι γυναίκα, αλλά ένα πνεύμα που αψηφούσε τους νόμους της έλξης, όταν ο χορευτής "γλιστράει" στη σκηνή, σχεδόν χωρίς να αγγίξει το πάτωμα, και πάγωσε για μια στιγμή σε μια πετώντας αραμπέσκ, σαν να στηρίζεται από μια θαυματουργή δύναμη στην άκρη του τοξωτού ποδιού της. Ήταν αυτό το "La Sylphide", που διοργάνωσε για τη Μαρία ο πατέρας της Filippo Taglioni, που ο Γάλλος χορογράφος Pierre Lacotte αναβίωσε προσεκτικά μετά από εκατόν πενήντα χρόνια.

Το 1971, ο Lacotte αναδόμησε αναπάντεχα το μπαλέτο La Sylphide, το οποίο ανέβηκε το 1832 από τον Philippe Taglioni για τη θρυλική του κόρη. Η παράσταση, που έγινε για την τηλεόραση, έκανε μια βουτιά, μεταφέρθηκε στη σκηνή της Όπερας του Παρισιού το 1972, γέννησε μια μόδα για παλιά μπαλέτα και έγινε η πρώτη σε μια μακρά σειρά ανανεώσεων Lacotte. Η ανοικοδόμηση δεν ήταν εκατό τοις εκατό - ο Lacotte δεν μπορούσε να «σκύψει» την ατελή τεχνική των χορευτών εκείνης της εποχής και να βάλει όλες τις μπαλαρίνες σε παπούτσια pointe, αν και το 1832 «La Sylphide» μόνο η Μαρία Ταγλιόνη στάθηκε στα δάχτυλά της και η χορογραφία έπαιξε αυτό.

Η πλοκή του μπαλέτου βασίζεται στο φανταστικό διήγημα "Trilby" (1822) του Γάλλου συγγραφέα Charles Nodier. Η πρεμιέρα του μπαλέτου στη μουσική του Γάλλου συνθέτη Jean Schneizhoffer πραγματοποιήθηκε το 1832 στη Μεγάλη Όπερα του Παρισιού.
Συνθέτης: J. Schneitzhoffer. Χορογράφος σκηνής: Pierre Lacotte
Σκηνικά και κοστούμια: Pierre Lacotte. Όπερα Mariinskii. Μουσική - Cesare Puni. Χορογραφία - Pierre Lacotte
Ηθοποιοί: Undine - Evgenia Obraztsova, Matteo - Leonid Sarafanov, Dzhanina - Yana Serebryakova, Lady of the Sea - Ekaterina Kondaurova, Two undine - Nadezhda Gonchar και Tatiana Tkachenko.

Ο Γάλλος μαέστρος εργάστηκε στο μπαλέτο "Ondine" για αρκετά χρόνια - ένα σπάνιο γεγονός στον δυτικό κόσμο. Ξεκίνησε με το γεγονός ότι ήρθε στην Αγία Πετρούπολη μετά από πρόσκληση της διεύθυνσης του θεάτρου Mariinsky για διαπραγματεύσεις - αυτό που ο Λακότ θα μπορούσε να σκηνοθετήσει σε αυτό το θέατρο. Η χορογράφος Nikita Dolgushin βρήκε ένα παλιό σκορ για τον Ondine, μια εκδοχή του μπαλέτου της Πετρούπολης από τον Jules Perrot το 1851. Ο Λάκοτ συνειδητοποίησε ότι ήταν πεπρωμένο. Πήρε το "Ondine", άρχισε να συγκεντρώνει τις εκδόσεις της Αγίας Πετρούπολης και του Λονδίνου, με βάση τρία σενάρια που δημιούργησε η Perrault και το μπαλέτο αποδείχθηκε πολύ από το τέλειο, αλλά δίνει μια ιδέα της χορογραφίας εκείνης της εποχής.

Για το συγκρότημα της Όπερας του Παρισιού, η Lacotte το 2001 αποκατέστησε την Coppelia του Arthur Saint-Léon, η οποία έκανε πρεμιέρα το 1870. Ο ίδιος έπαιξε το ρόλο του παλιού εκκεντρικού Coppelius.

Το 1980, με το σύνολο κλασικού μπαλέτου της Μόσχας, ο Γάλλος χορογράφος πραγματοποίησε για την Ekaterina Maximova το έργο Natalie, ή το Swiss Milkmaid, ένα άλλο σε μεγάλο βαθμό ξεχασμένο μπαλέτο από τον Filippo Taglioni.

Αλλά ο Λακότ δεν είναι χορογράφος περιοδείας χωρίς το δικό του θίασο. Το 1985 έγινε διευθυντής του μπαλέτου Monte Carlo. Το 1991, ο Pierre Lacotte έγινε διευθυντής του κρατικού μπαλέτου της Nancy και της Lorraine. Με την άφιξή του, το μπαλέτο της πόλης Nancy έγινε ο δεύτερος πιο σημαντικός κλασικός θίασος στη Γαλλία (μετά την Όπερα του Παρισιού).

Απέκτησε το αρχείο της Μαρίας Ταγλιόνι και πρόκειται να δημοσιεύσει ένα βιβλίο για αυτήν τη θρυλική μπαλαρίνα. Είναι γεμάτος νέες ιδέες ...

belcanto.ru ›lacotte.html

Γαλλικό μπαλέτο ΓΑΛΛΙΚΟ ΜΠΑΛΑ. Στη Γαλλία, στον αιώνα Σύγκρισης, ο χορός ήταν μέρος των κουλουριών. παιχνίδια και εκκλησία. γιορτές. Από τον 14ο αιώνα. συμπεριλήφθηκε στα βουνά. θεατρικές παραστάσεις και παλάτια παρεμβολές, μερικές φορές με τη μορφή παρεμβλημάτων. Τον 15ο αιώνα. Το "momeria" με χορούς πραγματοποιήθηκε κατά τη διάρκεια τουρνουά και εορτασμών. Καθηγητής χορός στον Sravn αιώνα αναπτύχθηκε σε λαογραφική βάση στην τέχνη των ζογκλέρ. Μια άλλη πηγή ήταν ο χορός της αίθουσας χορού (μπάσο) των εορτασμών του παλατιού. Με βάση μια ποικιλία εορταστικών ψυχαγωγιών, σχηματίστηκε η μορφή της παράστασης, η οποία έλαβε στο τέλος. 16ος αιώνας όνομα "μπαλέτο". Διοργανωτές φεστιβάλ παλατιών, Ιταλικά. δάσκαλοι χορού που κυριάρχησαν στην Ιταλία του 16ου αιώνα χορός. σχολείο, ήταν σκηνοθέτες. Το Μπαλέτο των Πολωνών Πρεσβευτών (1573) και το Κωμικό Μπαλέτο της Βασίλισσας (1581), με σκηνοθεσία τη Βαλταζάρνη στο Μπελγιόσιο (Balthazar de Beaujouillet), έγινε τα πρώτα πλήρη παραδείγματα ενός νέου είδους - μια παράσταση με μια σταθερά αναπτυσσόμενη δράση που περιελάμβανε λέξεις, μουσική και χορό.

Καθ 'όλη τη διάρκεια του 17ου αιώνα. η ανάπτυξη του "μπαλέτου δικαστηρίου" έχει περάσει αρκετά. στάδια. Το 1600-10 ήταν «μπαλέτες-μεταμφιέσεις» («Μεταμφίεση του Αγίου Ζερμαίν», 1606), το 1610-1620 - «μελοδραματικά μπαλέτα» με τραγούδι, βασισμένα σε μυθολογικά. οικόπεδα και παραγωγές. λογοτεχνία ("Μπαλέτο των Αργοναυτών", 1614, "Η τρέλα του Ρολάντ", 1618), στη συνέχεια πραγματοποιήθηκε μέχρι το τέλος. 17ος αιώνας μπαλέτες στις εξόδους (Βασιλικό Μπαλέτο της Νύχτας, 1653). Οι ερμηνευτές τους ήταν ευγενικοί (το 1651–70 - King Louis XIV) και καθηγητής. οι χορευτές είναι "μπαλάντες". Στη δεκαετία του 1660 και του 70. Moliere μαζί με comp. J. B. Lully και μπαλέτο. Ο P. Beauchamp δημιούργησε το είδος της «κωμωδίας-μπαλέτου» («Μπουρζουά στην αριστοκρατία», 1670), όπου ο χορός δραματοποιήθηκε, γεμάτος μοντέρνα. περιεχόμενο. Το 1661, ο Beauchamp ηγήθηκε της Βασιλικής Ακαδημίας Χορού (υπήρχε μέχρι το 1780), σχεδιασμένος για να ρυθμίζει τις μορφές και την ορολογία του χορού μπαλέτου, που άρχισαν να διαμορφώνονται στο κλασικό σύστημα. χορός. Το 1669 ιδρύθηκε και άνοιξε το 1671 μούσες. tr - Royal Academy of Music, το 1672 με επικεφαλής τον Lully. Στις όπερες του («λυρικές τραγωδίες»), οι οποίες σταδιακά συνωστίζονταν από το μπαλέτο του γηπέδου, ο χορός κατέλαβε μια δευτερεύουσα θέση. Όμως, μέσα στην παράσταση υπήρχε μια διαδικασία επαγγελματικοποίησης του χορού, γυαλίσματος των μορφών του στην τέχνη του Beauchamp, χορευτής G.L. χορευτές (και άλλοι.\u003e.), οι οποίοι εμφανίστηκαν για πρώτη φορά το 1681 στο μπαλέτο του Λούλι "Ο Θρίαμβος της Αγάπης". Στο τέλος. 17ος αιώνας τα επιτεύγματα της χορογραφίας αντικατοπτρίζονται στη θεωρητική. τα έργα του K. F. Menetrie ("Στο μπαλέτο παλιό και μοντέρνο σύμφωνα με τους νόμους του θεάτρου", 1682) και R. Feye ("Χορογραφία και η τέχνη της ηχογράφησης ενός χορού", 1700). Στο τέλος των 17-18 αιώνων. οι χορευτές N. Blondy και J. Balon και ο χορευτής M. T. de Subliny κέρδισαν τη φήμη.

Αμερικάνικη έλαφος. 2ος όροφος 17-18 αιώνες. ήταν κλασικιστής, αλλά στο μπαλέτο, λόγω της αργής ανάπτυξής του, τα χαρακτηριστικά του μπαρόκ παρέμειναν για μεγάλο χρονικό διάστημα. Οι παραστάσεις παρέμειναν πλούσιες και δύσκολες, χωρίς στιλιστική ενότητα.

Στις αρχές του 18ου αιώνα. υπήρχαν σημάδια στασιμότητας στο ιδεολογικό-εικονιστικό περιεχόμενο του μπαλέτου με τον περαιτέρω εμπλουτισμό της τεχνικής του χορού. Η γενική τάση στην ανάπτυξη του μπαλέτου t-ra τον 18ο αιώνα. - η επιθυμία για αυτοδιάθεση, η δημιουργία μιας ολοκληρωμένης παράστασης, το περιεχόμενο της οποίας θα εκφράζεται σε παντομίμα και χορό. Ωστόσο, οι παλιές φόρμες διατηρήθηκαν κατά τη διάρκεια του 18ου αιώνα, ειδικά στη σκηνή της Βασιλικής Ακαδημίας Μουσικής, προκαλώντας κριτική στους διαφωτιστές (D. Diderot και άλλοι). Στην αρχή. 18ος αιώνας αυτά ήταν γενναίοι ποιμένες, από τη δεκαετία του '30. - Όπερες-μπαλέτες J. F. Rameau ("Gallant India", 1735), όπου ο χορός εξακολουθούσε να εμφανίζεται με τη μορφή αδύναμων συνδεδεμένων καταστημάτων. Οι ερμηνευτές του Virtuoso έγιναν διάσημοι σε αυτές τις παραστάσεις: ο χορευτής M. Camargo, ο χορευτής L. Dupre, ο αδελφός και η αδερφή του Lani. Προσπάθειες για μεταφορά ενός δραματικού χορού. το περιεχόμενο περιγράφηκε στην πράξη του χορευτή F. Prevost (παντομίμα στην πλοκή του επεισοδίου από το "The Horatii" του P. Corneille στη μουσική του J. J. Mouret, 1714, "Characters of the Dance" στη μουσική του J. F. Rebel, 1715) και ιδιαίτερα Ο M. Salle, Edges, συνεργαζόμενος με τη Βασιλική Ακαδημία Μουσικής στο Λονδίνο, έβαλε εκεί «δραματικές δράσεις» στην αντίκα. θέματα ("Πυγμαλίων", 1734).

Υπό την επιρροή των ιδεών του Διαφωτισμού, στο έργο των πιο προοδευτικών μορφών του θεάτρου μπαλέτου, η ψυχαγωγία έδωσε τη θέση της στη «μίμηση της φύσης», η οποία ανέλαβε τη φυσικότητα των χαρακτήρων και την αλήθεια των συναισθημάτων. Αυτές οι εμπειρίες, ωστόσο, δεν διεισδύθηκαν σχεδόν στο στάδιο της Βασιλικής Ακαδημίας Μουσικής. Οι δραστηριότητες του μεγάλου μεταρρυθμιστή του θεάτρου μπαλέτου J. J. Nover πραγματοποιήθηκαν έξω από αυτό το θέατρο και εν μέρει εκτός της Γαλλίας (Στουτγκάρδη, Βιέννη, Λονδίνο). Οι αρχές της μεταρρύθμισης του μπαλέτου διατυπώθηκαν από τον Νόβερ θεωρητικά. το έργο "Letters on Dance and Ballets" (1η έκδοση, 1760). Τα μπαλέτα που δημιούργησε υπό την επήρεια των ιδεών του Διαφωτισμού δεν ήταν μια διασκεδαστική παράσταση, αλλά ένα σοβαρό θέατρο. παράσταση, συχνά στα θέματα των κλασικών τραγωδιών. Κατέχουν ακεραιότητα, οι πράξεις και οι εμπειρίες των χαρακτήρων εκφράστηκαν μέσω χορογραφίας (κεφ. Παντομίμα), χωρίς τη συμμετοχή λέξεων. Στη Βασιλική Ακαδημία Μουσικής το 1776–78 πραγματοποιήθηκαν οι «Μήδεια και Τζέισον» και «Appeles and Campasp» του Rodolphe, «Horace» Granier και «Trinkets» του Μότσαρτ. Στον 2ο όροφο. 18ος αιώνας Αρκετοί χορογράφοι πραγματοποίησαν τα πειράματά τους στο παρισινό θέατρο της ιταλικής κωμωδίας και στα θέατρα της Λυών και του Μπορντό. Οπαδός των Novers, J. Doberval, εργάστηκε στο Μπορντό, δημιουργός ενός νέου τύπου κωμωδίας μπαλέτου (A Vain Precaution, 1789). Στο τέλος. 18ος αιώνας διάσημοι ήταν οι χορευτές M. Guimard, M. Allard, A. Geinel, Theodore, χορευτές G. Vestris, M. και P. Gardel, Doberval.

Από τη δεκαετία του '80. 18ος αιώνας μέχρι τη δεκαετία του '20. 19ος αιώνας Ο P. Gardel ήταν επικεφαλής του θίασου της Ακαδημίας Μουσικής (το 1789-1814 άλλαξε το όνομά του αρκετές φορές). Το ρεπερτόριο περιελάμβανε τα μπαλέτα του (Telemac and Psyche by Miller, 1790, Dancemania by Megul, 1800; Paul and Virginia by Kreutzer, 1806) και μπαλέτα από τον L. Milon (Nina στη μουσική του Peruis μετά τον Daleirak, 1813 "Καρναβάλι της Βενετίας" στη μουσική του Perseuis μετά τον Kreutzer, 1816). Στη δεκαετία του 20. υπήρχαν μπαλέτα από τον J. Omer: "A Vain Precaution" από τον Herald σύμφωνα με τον Doberval (1828), "Somnambul" από τον Herald (1827), "Manon Lescaut" από τον Halevy (1830). Από τους ερμηνευτές των 1780-1810. Ο O. Vestris ήταν ιδιαίτερα διάσημος · στα 10-20. - χορευτές M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, χορευτής L. Duport. Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, η τεχνική του χορού άλλαξε δραματικά: όχι ομαλές, χαριτωμένες, αλλά δεξιοτεχνικές κινήσεις περιστροφής και άλματος, κυριαρχούσαν οι κινήσεις στα μισά δάχτυλα. Όταν στα 30s. το μπαλέτο t-r επηρεάστηκε από τις ιδέες του ρομαντισμού, αυτές οι τεχνικές απέκτησαν μια νέα σημασία. Στις παραστάσεις του F. Taglioni, σκηνοθετήθηκε για την κόρη του Μ. Taglioni (La Sylphide, 1832; Η Παναγία του Δούναβη, 1836), ch. οι χαρακτήρες ήταν φανταστικοί. πλάσματα που πεθαίνουν από την επαφή με την πραγματικότητα. Εδώ αναπτύχθηκε ένα νέο στυλ χορού, με βάση την εναέρια πτήση των κινήσεων και την τεχνική του χορού στο pointe, δημιουργώντας ένα αίσθημα έλλειψης βαρύτητας. Στα 30-50. Το μπαλέτο στη Γαλλία έφτασε στην υψηλότερη άνοδο. Ένα από τα πιο νόημα. κατασκευαστής. αυτή η κατεύθυνση οργανώθηκε από τους J. Coralli και J. Perrot "Giselle" (1841). Ρεπερτόριο της Ακαδημίας Μουσικής της δεκαετίας του 40-50 αποτελούνταν από ρομαντικό. μπαλέτες Coralli (Tarantula του K. Gide, 1839; Peri, 1843) και J. Mazilier (Paquita, 1846; Le Corsaire, 1856). Ταυτόχρονα, ο Perrault έπαιξε εκτός Γαλλίας (κυρίως στο Λονδίνο, αλλά ερμήνευσε Γάλλοι καλλιτέχνες) τα καλύτερα μπαλέτα του - Esmeralda (1844), Catarina, The Robber's Daughter (1846) κ.λπ. Αυτές ήταν παραστάσεις , κοντά στην τέχνη των ρομαντικών ποιητών της επαναστατικής εποχής. ups, to-rye επηρέασε το κοινό ηρωικό. Πάθος, η δύναμη του πάθους. Έντονη δράση ενσωματώθηκε στα κουμινμάτ. στιγμές ανεπτυγμένου χορού, δόθηκε ιδιαίτερη προσοχή στον χαρακτηριστικό χορό. Ο F. Elsler είχε μεγάλη επιτυχία σε αυτά. Άλλοι έχουν παίξει στη Γαλλία. διάσημο ρομαντικό. χορευτές - K. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Πρακτική και ρομαντική θεωρία. Το μπαλέτο αντικατοπτρίζεται στα έργα των F.A.J. Castile-Blaz και T. Gaultier, οι οποίοι ήταν επίσης συγγραφέας ορισμένων σεναρίων.

Με την παρακμή του ρομαντισμού (70-90 του 19ου αιώνα), το μπαλέτο έχασε την επαφή με τις ιδέες της εποχής μας. Παραγωγές του A. Saint-Léon στην Ακαδημία Μουσικής στη δεκαετία του '60. προσελκύεται από τον πλούτο του χορού και την αφθονία των σκηνικών παραστάσεων. εφέ ("Nemea" Min-kusa και άλλα.\u003e.). Το καλύτερο μπαλέτο του Saint-Léon είναι το Coppelia (1870). Το 1875 η ομάδα του t-ra άρχισε να εργάζεται σε ένα νέο κτίριο που χτίστηκε από αρχιτέκτονα. Ο Γκάρνιερ, και το όνομα του μπαλέτου της Όπερας του Παρισιού δημιουργήθηκε πίσω της. Αλλά η τέχνη μπαλέτου στη δεκαετία του '80 και του '90. 19ος αιώνας υποβαθμισμένο Στην Όπερα του Παρισιού, το μπαλέτο έχει γίνει ένα προσάρτημα στην παράσταση της όπερας. Μια έκκληση για τα μπαλέτα των συνθετών L. Delibes ("Sylvia" στη θέση. Meranta, 1876), E. Lalo ("Namuna" στη θέση. L. Petipa, 1882), A. Messager ("Δύο περιστέρια" στη θέση. Meranta, 1886 ) δεν άλλαξε τη θέση. Παραστάσεις από τον Merant στις δεκαετίες του '70 και του '80, Ι. Χάνσεν στη δεκαετία του '90. και στην αρχή. 20ος αιώνας ("Maladetta" Vidal, 1893, "Bacchus" Duvernois, 1905) δεν είχε επιτυχία, παρά τη συμμετοχή του εξαιρετικού χορευτή Κ. Ζαμπέλλι. Η αναβίωση του μπαλέτου στη Γαλλία πραγματοποιήθηκε υπό την επήρεια των Ρώσων και συσχετίστηκε με τις ρωσικές εποχές, τις οποίες ο S.P.Diaghilev διεξήγαγε στο Παρίσι από το 1908 (η πρώτη παράσταση του μπαλέτου το 1909), καθώς και με τις δραστηριότητες του ρωσικού συγκροτήματος μπαλέτου Diaghilev, που εμφανίστηκε στη Γαλλία το 1911 –29. Πολλοί καλλιτέχνες και χορογράφοι που εργάστηκαν εδώ αργότερα συνδέθηκαν με τους Γάλλους. μπαλέτο t-rom: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. Άλλοι είχαν επίσης αντίκτυπο. Ρωσική θίασοι και καλλιτέχνες: ο θίασος του Ι. Λ. Ρούμπινσταϊν (1909–11 και τη δεκαετία του 1920), για τον οποίο έγραψαν τον Κ. Ντεμπού (Ο Μάρτυρας του Αγίου Σεμπαστιάν, μπαλέτο Ρουμπινστάιν, 1911) και ο Μ. Ράβελ ( "Bolero", μπαλέτο Nizhinskaya, 1928) NV Trukhanov, για μια περικοπή διοργανώθηκε από τον ΙΝ Khlyustin, ο οποίος εργάστηκε επίσης στην Όπερα του Παρισιού. Ρους. συγκροτήματα στράφηκαν στη μουσική των Γάλλων. συν. (Ravel, Debussy, Duque, τη δεκαετία του 1920 - οι συνθέτες των έξι), για τις παραστάσεις τους το σκηνικό δημιουργήθηκε από τους Γάλλους. καλλιτέχνες (P. Picasso, A. Matisse, F. Leger, J. Rouault και άλλοι.). Μετά τον 1ο Παγκόσμιο Πόλεμο, pl. Ρωσική καλλιτέχνες άνοιξαν σχολές μπαλέτου στο Παρίσι, που μεγάλωσαν περισσότερες από μία γενιές Γάλλων. καλλιτέχνες. Σκηνοθέτης της Όπερας του Παρισιού (1910–44) J. Rouchet, προσπαθώντας να ανεβάσει το επίπεδο του μπαλέτου, κάλεσε εξέχοντες καλλιτέχνες στο θέατρο (L. S. Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breyer, M. Detoma), Ρώσος. καλλιτέχνες, χορογράφοι. Κάποια αναβίωση της δραστηριότητας του μπαλέτου Opera περιγράφηκε στα 10-20. Μια σειρά από παραστάσεις μετά. Ο L. Stats ("Μέλισσες" στη μουσική του Stravinsky, 1917, "Sidaliz and Satyr" του Piernet, 1923), κάλεσε τον Fokine ("Daphnis and Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva. Μετά το 1929, βάσει της επιχείρησης του Diaghilev, μια σειρά ρωσικών-γαλλικών. συλλογές μπαλέτου: "Balle rus de Monte-Carlo" και άλλοι. Το 1930–59 (διάλειμμα 1944–47), ο θίασος της όπερας ήταν επικεφαλής του S. Lifar, ο οποίος διοργάνωσε τον St. 50 παραστάσεις. Οι δραστηριότητές του είχαν μεγάλη σημασία για τους Γάλλους. μπαλέτο, το οποίο έχει ανακτήσει το παλαιό του κύρος. Το ρεπερτόριο της Όπερας έχει ανανεωθεί πλήρως. Σημαντικοί συνθέτες, καλλιτέχνες και σεναριογράφοι συμμετείχαν στη δημιουργία μπαλέτου. Ο Lifar χρησιμοποίησε αντίκες, βιβλικά, θρυλικά θέματα για τις παραστάσεις του, μερικές φορές τα ερμηνεύοντας συμβολικά: "Icarus" στους ρυθμούς του Sifer (1935, αναβίωσε το 1962 με διακοσμήσεις από τον P. Picasso), "Joan of Tsarissa" από την Egka (1942), "Phaedra" Orica (1950, με σενάριο και σετ από τον J. Cocteau), Sauguet's Visions (1947), Delannoy's Fantastic Wedding (1955). Από τους παλαιότερους συγχρόνους του, τους χορογράφους της επιχείρησης Diaghilev, ο Lifar υιοθέτησε τις παραδόσεις του δράματος μπαλέτου του Fokin και τις παραδόσεις της χορογραφίας του 19ου αιώνα, όπου το κύριο μέσο έκφρασης ήταν η κλασική. χορός. Χορός. εκσυγχρονίζει τη γλώσσα και δημιούργησε εικόνες με βάση λογικό και όχι συναισθηματικό («νεοκλασικισμός» του Lifar). Στις παραστάσεις του, ανατράφηκαν περισσότερες από μία γενιές γαλλικών. καλλιτέχνες: χορευτές S. Schwartz, L. Darsonval, I. Shovire, M. Lafon, K. Vossard, L. Deide, K. Bessy; χορευτές M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Ωστόσο, η αφηρημένη ρητορική που ενυπάρχει στα μπαλέτα του Lifar, η απώλεια σύνδεσης με το σύγχρονο. Η πραγματικότητα, ιδιαίτερα απτή μετά τον 2ο Παγκόσμιο Πόλεμο 1939-45, προκάλεσε δυσαρέσκεια αυτή τη στιγμή. Νέοι καλλιτέχνες που αναζητούν νέους τρόπους και επαναπροσέγγιση της τέχνης με τη νεωτερικότητα άρχισαν να εργάζονται έξω από την Όπερα, του οποίου το ρεπερτόριο Lifar περιοριζόταν στις δικές του παραγωγές. Ο R. Petit δημιούργησε το συγκρότημα Ballet of the Champs Elysees (1945–51) και το μπαλέτο του Παρισιού (1948–67, διαλείπουσα), όπου έκανε τα μπαλέτα The Wandering Comedians Soge (1945), The Youth and Death to music. JS Bach (1946), "Carmen" στη μουσική. Bizet (1949), "The Wolf" Dutilleu (1953). Αργότερα (στη δεκαετία του '60 και του '70), μεταξύ των καλύτερων έργων του ήταν ο καθεδρικός ναός της Παναγίας των Παρισίων (1965, Όπερα του Παρισιού) και το Light the Stars! στη συνδυασμένη μουσική (1972, "Marseille Ballet"). Ο Petit εργάζεται στο δραματικό είδος. μπαλέτο (διάφορα σενάρια για αυτόν γράφτηκαν από τον J. Anouil), το οποίο τραβάει πρώτα την τραγωδία, στη συνέχεια, ειδικά στην αρχή της περιόδου, στην κωμωδία της ζαχαροπλαστικής, αλλά πάντα χτισμένη πάνω σε ζωντανούς χαρακτήρες και συνδυάζοντας χορό. μορφές με καθημερινό λεξιλόγιο. Στα καλύτερα μπαλέτα, στρέφεται σε συγκρούσεις που αντανακλούν τις πραγματικές αντιφάσεις της ζωής και τις επιλύει με ανθρωπιστικό τρόπο. σχέδιο (απόρριψη του αναπόφευκτου του κακού, ηθική δύναμη, πίστη σε ένα άτομο). Μαζί με τον ίδιο τον Petit, οι χορευτές Ν. Vyrubova, R. Zhanmer, E. Pagava, N. Filippar, K. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, χορευτές J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. Στη δεκαετία του '50. υπήρχαν άλλοι. συγκροτήματα, όπου πραγματοποιήθηκαν αναζητήσεις στον τομέα της ανανέωσης θεμάτων και του χορού. γλώσσα: Μπαλέτο της Γαλλίας και άλλοι. Τσαμπ, Τσαρ, "Balle de l'Eguale" υπό την καθοδήγηση του Μ. Bejart. Ο Bejart, παρά το γεγονός ότι από το 1960 έγινε επικεφαλής του συγκροτήματος μπαλέτου των Βρυξελλών του ΧΧ αιώνα, είναι ένας από τους κορυφαίους Γάλλους μάστερ μπαλέτου. Βλέπει τη χορογραφία στην τέχνη ένα μέσο έκφρασης μιας στάσης στα προβλήματα της ζωής, μερικές φορές άμεσα, μερικές φορές σε μια φιλοσοφική ή μυστικιστική πτυχή. Ο χορογράφος έχει ιδιαίτερο ενδιαφέρον για την ανατολική φιλοσοφία, τις ανατολικές μορφές θεάτρου και το χορό (μπαλέτο "Μπακτί" στην ινδική μουσική, 1968). μορφές χορογραφικής παράστασης: ένα είδος "συνολικού t-ra" με κυριαρχία της χορογραφίας ("The Four Sons of Emon" για συνδυασμένη μουσική, 1961), μπαλέτα με λεκτικό κείμενο ("Baudelaire" για συνδυασμένη μουσική και ποίηση, 1968, "Our Faust" για το συνδυασμό μουσική, 1975), μνημειακές παραστάσεις σε αθλητικούς χώρους και σε τσίρκο (The Ninth Symphony to music του L. Beethoven, 1964). Έκανε τις δικές του εκδόσεις των διάσημων μπαλέτων: The Rite of Spring, 1959, Bolero, 1961, Heat -bird ", 1970. Η έντονη αίσθηση της νεωτερικότητας κάνει τα μπαλέτα του Bejart κοντά για αυτόν τον ισχυρισμό του κοινού, ειδικά των νέων.

Στη δεκαετία του '70. η Όπερα του Παρισιού αναδιοργανώθηκε. Έχουν προκύψει δύο τάσεις: αφενός, να συμπεριληφθούν εγκεκριμένα μπαλέτα από εξέχοντες χορογράφους (Balanchine, Robbins, Petit, Bejart, Alicia Alonso, Grigorovich) στο ρεπερτόριο και να αποκατασταθεί το κανονικό. Η έκδοση των παλαιών μπαλέτων ("La Sylphide" και "Coppelia" στη σύνταξη του P. Lakota), από την άλλη πλευρά, παρέχει την ευκαιρία να πειραματιστεί με νέους Γάλλους. χορογράφοι (F. Blaska, N. Shmuki) και αλλοδαποί, συμπεριλαμβανομένων εκπρόσωποι του σύγχρονου χορού (G. Tetley, J. Butler, M. Cunningham). Το Theatre Group ιδρύθηκε στην Όπερα το 1974. αναζητήσεις κάτω από τα χέρια. Αμερικανίδες γυναίκες Κ. Κάρλσον. Αναχωρώντας από τον συνηθισμένο ακαδημαϊκό, η Όπερα του Παρισιού ακολουθεί τη γενική τάση των Γάλλων. μπαλέτο, όπου αυξήθηκε το ενδιαφέρον για το τελευταίο θέατρο. φόρμες.

Στη δεκαετία του '60 και του '70. πολλοί άνθρωποι εργάστηκαν στη Γαλλία. συγκροτήματα μπαλέτου: "Gran Balle du Marc de Cuevas" (1947–62), που επικεντρώθηκε στο παραδοσιακό ρεπερτόριο, προσελκύοντας διάσημους ερμηνευτές (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov). Σύγχρονο μπαλέτο στο Παρίσι (μπαλέτο των F. και D. Dupuis, από το 1955), Γαλλικό Θέατρο Χορού J. Lazzini (1969–71), Μπαλέτο από τον Felix Blasky (από το 1969, από το 1972 στη Γκρενόμπλ), Nat. μπαλέτο από μούσες. νεολαία της Γαλλίας (μπαλέτο. Lacotte, από το 1963 - έως το τέλος. 60-ες.), Μπαλέτο θίασος κάτω από τα χέρια. J. Roussillo (από το 1972), Theatre of Silence (από το 1972). Πολλά συγκροτήματα εργάζονται στις επαρχίες: το Σύγχρονο Θέατρο Μπαλέτου (μπαλέτο F. Adre, από το 1968 στο Amiens, από το 1971 στο Angers), Μπαλέτο της Μασσαλίας (μπαλέτο Petit, από το 1972), Μπαλέτο του Ρήνου (από το 1972 στο Στρασβούργο, μπαλέτο από τον P. van Dijk από το 1974), στα θέατρα της Λυών (μπαλέτο από τον V. Biagi), στο Μπορντό (μπαλέτο από τον Skuratov). Κορυφαίοι σολίστ της δεκαετίας του '60 - 70: J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfoux, R. Briand, D. Ganio, J. Guizerix, M. Denard, A. Labis, C. Motte, J. Piletta, N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Tesmar, N. Thibon, J. P. Franchetti.

Σχολείο στην Όπερα του Παρισιού, ιδρύθηκε. το 1713 (από το 1972 ο σκηνοθέτης του K. Bessie). Στο Παρίσι από τη δεκαετία του '20. 20ος αιώνας δούλεψε πολλά. ιδιωτικά σχολεία: M. F. Kshesinskaya, O. I. Preobrazhenskaya, L. N. Egorova, A. E. Volinin, H. Lander, B. Knyazev, M. Gube και άλλοι. Στις Κάννες το 1962, το Classic Center άνοιξε. χορός (ιδρύθηκε από τον R. Hightower). Το Παρίσι φιλοξενεί ετήσια φεστιβάλ χορού από το 1963. ο χορός παίρνει μια μεγάλη θέση στο φεστιβάλ στην Αβινιόν και σε άλλους.

Μεταξύ περιοδικών μπαλέτου: "Archives internationale de la danse" (1932–36), "Tribune de la danse" (1933–39), "Art et danse" (από το 1958), "Toute la danse et la musique" (από το 1952 ), "Danse et rythmes" (c 1954), "Les saisons de la danse" (c 1968).

Οι πιο διάσημοι ερευνητές και κριτικοί (20ος αιώνας): A. Prunnier, P. Thugal, F. Reina, P. Michaud, L. Vaya, M.F. Christu, I. Lidova, Y. Sazonova, A. Livio, Zh K. Dieni, A. F. Ersen. Ο Lifar έγραψε περισσότερα από 25 βιβλία.

Lit .: Khudekov S., Ιστορία των χορών, σελ. 1-3, SPB - P., 1913–15; Levinson Α., Μάστερ μπαλέτου, Αγία Πετρούπολη, 1914; Sollertinsky I., Ζωή και θεατρικό έργο του Jean Georges Noverre, στο βιβλίο. Noverre J. J., Γράμματα για τον χορό, [trans. από Γαλλικά], L., 1927; Mokulsky S., Ιστορία του Δυτικοευρωπαϊκού Θεάτρου, Μέρος 1, M., 1936; Κλασική χορογραφία. [Σάβ], L.–M., 1937; Yu. Slonimsky, Ballet Masters, M.–L., 1937; του, Δράμα του θεάτρου μπαλέτου του ΧΙΧ αιώνα, Μ., 1977; Iofiev M., Μπαλέτο "Grand Opera" στη Μόσχα, στο βιβλίο του: Profiles of Art, M., 1965; Chistyakova V., Roland Petit, L., 1977; V. Krasovskaya, Θέατρο Μπαλέτου Δυτικής Ευρώπης. Δοκίμια για την ιστορία. Από τις ρίζες μέχρι τα μέσα του 18ου αιώνα, L., 1979; Prunleres H., Le ballet de cour en France avant Benserade et Lully, R. 1914; Levinson H., La vie de Noverre, στο βιβλίο: Noverre J. G., Lettres sur la danse et sur les ballets, R.,; αυτόν, Marie Taglioni (1804–1884), R., 1929; Beaumont C. W., Τρεις Γάλλοι χορευτές του 18ου αιώνα: Camargo, Sallé, Guimard, L., 1935; Lifar S., Giselle, apothéose du ballet romantique, Ρ.,; Michaut R., Le ballet contemporain, R. 1950; Lidova I., Dix-sept visages de la danse française, R. 1953; Kochno B., μπαλέτο Le. , R., 1954; Reyna F., Des origines du ballet, σ. 1955; Arout G., La danse contemporaine, R. 1955; Ouest I., Το μπαλέτο της δεύτερης αυτοκρατορίας, 1-2, L., 1953-1955; του, Το ρομαντικό μπαλέτο στο Παρίσι, L., 1966; του, Le ballet de l "Opéra de Paris, R., 1976; Lobet M., Le ballet français d" aujourd "hui de Lifar à Béjart, Brux., 1958; Tugal R., Jean-Georges Noverre. Der große Reformator des Balletts, V., 1959; Laurent J., Sazonova J., Serge Lifar, rénovateur du ballet français (1929-1960), R., 1960; Christout MF, Le ballet de cour de Louis XIV, R., 1967 , αυτή, Maurice Béjart, R., 1972.

Ε. Ναι. Surits.

Σκηνή από το μπαλέτο "Triumph of Love"

Μια σκηνή από το μπαλέτο "La Sylphide". Μπαλέτο. Φ. Ταγλιόνι

"Φαίδρα". Όπερα του Παρισιού. Μπαλέτο. Σ. Λιβάρ

«Νεολαία και θάνατος». Μπαλέτο των Ηλυσίων Ελύσεων. Μπαλέτο. R. Petit

"Firebird". Όπερα του Παρισιού. Μπαλέτο. Μ. Μπέτζαρτ

Μπαλέτο. Εγκυκλοπαίδειες. - Μ.: Μεγάλη Σοβιετική Εγκυκλοπαίδεια. Ο επικεφαλής συντάκτης Yu.N. Grigorovich. 1981 .

Δείτε τι είναι το "Γαλλικό μπαλέτο" σε άλλα λεξικά:

ΠΑΓΚΟΣΜΙΟ Μπαλέτο - Μεγάλη Βρετανία. Πριν από την περιοδεία του θίασου του Diaghilev και της Anna Pavlova στο Λονδίνο τη δεκαετία του 1910 και του 1920, το μπαλέτο παρουσιάστηκε στην Αγγλία κυρίως από παραστάσεις ορισμένων διάσημων μπαλαρίνων στις σκηνές των μουσικών αιθουσών, για παράδειγμα, η δανική γυναίκα Adeline Genet (1878 1970) ... Εγκυκλοπαίδεια του Collier

Μπαλέτο έως το 1900 - Η προέλευση του μπαλέτου ως θέαμα του γηπέδου. Στο τέλος του Μεσαίωνα, οι Ιταλοί πρίγκιπες έδωσαν μεγάλη προσοχή στις υπέροχες γιορτές του παλατιού. Ο χορός κατέλαβε μια σημαντική θέση σε αυτά, η οποία προκάλεσε την ανάγκη για επαγγελματίες δασκάλους χορού. ... ... Εγκυκλοπαίδεια του Collier

Μπαλέτο - Από τα μέσα της δεκαετίας του '30. XVIII αιώνα. Στην Αγία Πετρούπολη, οι παραστάσεις μπαλέτου του γηπέδου έγιναν κανονικές. Το 1738, η πρώτη ρωσική σχολή μπαλέτου άνοιξε στην Αγία Πετρούπολη (από το 1779 η Σχολή Θεάτρου), η οποία περιελάμβανε μαθήματα μπαλέτου (τώρα Χορογραφική Σχολή) ... Αγία Πετρούπολη (εγκυκλοπαίδεια)

Μπαλέτο "Giselle" - Το Giselle (πλήρες όνομα Giselle, ή Wilis, γαλλικό Giselle, ou les Wilis) είναι ένα παντομίμα μπαλέτου σε δύο πράξεις στη μουσική του Adolphe Charles Adam. Libretto από τους Théophile Gaultier, Vernois de Saint Georges και Jean Coralli. Το μπαλέτο Giselle δημιουργήθηκε με βάση ένα παλιό ... ... Εγκυκλοπαίδεια των Newsmakers

Το μπαλέτο του Ιγκόρ Στράβινσκι "The Firebird" - Το μπαλέτο Firebird είναι ένα από τα πρώτα έργα του Ιγκόρ Στράβινσκι και το πρώτο μπαλέτο με θέμα ρωσικά στην επιχείρηση του εξαιρετικού διοργανωτή των Russian Seasons στο Παρίσι, Sergei Diaghilev. Η ιδέα της δημιουργίας σκηνικού έργου αυτού του θέματος προέκυψε ... ... Εγκυκλοπαίδεια των Newsmakers

Στη Γαλλία την Τετ. Για αιώνες, ο χορός ήταν μέρος λαϊκών παιχνιδιών και εκκλησιαστικών φεστιβάλ. Από τον 14ο αιώνα. συμπεριλήφθηκε στα βουνά. θεατρικές παραστάσεις και παλάτια παρεμβολές, μερικές φορές με τη μορφή παρεμβλημάτων. Τον 15ο αιώνα. Το "momeria" με χορούς πραγματοποιήθηκε κατά τη διάρκεια τουρνουά και εορτασμών. Καθηγητής χορός την Τετ αιώνα αναπτύχθηκε σε λαογραφική βάση στην τέχνη των ζογκλέρ. Μια άλλη πηγή ήταν ο χορός της αίθουσας χορού (μπάσο) των εορτασμών του παλατιού. Με βάση μια ποικιλία εορταστικών ψυχαγωγιών, σχηματίστηκε η μορφή της παράστασης, η οποία έλαβε στο τέλος. 16ος αιώνας όνομα "μπαλέτο". Διοργανωτές φεστιβάλ παλατιών, Ιταλικά. δάσκαλοι χορού που κυριάρχησαν στην Ιταλία του 16ου αιώνα. χορός. σχολείο, ήταν σκηνοθέτες. Το Μπαλέτο των Πολωνών Πρεσβευτών (1573) και το Κωμικό Μπαλέτο της Βασίλισσας (1581), με σκηνοθεσία τη Βαλταζάρνι στο Μπελγιόσιο (Balthasar de Beaujouillet), έγινε το πρώτο πλήρες παράδειγμα ενός νέου είδους - μια παράσταση με μια σταθερά αναπτυσσόμενη δράση που περιελάμβανε λέξεις, μουσική και χορό. Καθ 'όλη τη διάρκεια του 17ου αιώνα. η ανάπτυξη του "μπαλέτου δικαστηρίου" έχει περάσει αρκετά. στάδια. Το 1600-10 ήταν «μπαλέτες-μεταμφιέσεις» («Μεταμφίεση του Αγίου Ζερμαίν», 1606), το 1610-1620 - «μελοδραματικά μπαλέτα» με τραγούδι, βασισμένα σε μυθολογικά. οικόπεδα και παραγωγές. λογοτεχνία ("Μπαλέτο των Αργοναυτών", 1614, "Roland's Madness", 1618), στη συνέχεια έμεινε στο τέλος. 17ος αιώνας μπαλέτες στις εξόδους (Βασιλικό Μπαλέτο της Νύχτας, 1653). Οι ερμηνευτές τους ήταν ευγενικοί (το 1651-70 - King Louis XIV) και καθηγητής. οι χορευτές είναι "μπαλάντες". Στη δεκαετία του 1660 και του 70. Moliere μαζί με comp. J. B. Lully και μπαλέτο. Ο P. Beauchamp δημιούργησε το είδος της «κωμωδίας-μπαλέτου» («Μπουρζουά στην αριστοκρατία», 1670), όπου ο χορός δραματοποιήθηκε, γεμάτος μοντέρνα. περιεχόμενο. Το 1661, ο Beauchamp έγινε επικεφαλής της Βασιλικής Ακαδημίας Χορού (υπήρχε μέχρι το 1780), σχεδιασμένος να ρυθμίζει τις μορφές και την ορολογία του χορού μπαλέτου, που άρχισε να διαμορφώνεται στο σύστημα του κλασικού χορού. Το 1669 ιδρύθηκε και άνοιξε το 1671 μούσες. θέατρο - Βασιλική Ακαδημία Μουσικής, η οποία το 1672 ήταν επικεφαλής της Λούλυ. Στις όπερες του («λυρικές τραγωδίες»), οι οποίες σταδιακά έβγαζαν το μπαλέτο του γηπέδου, ο χορός κατέλαβε μια δευτερεύουσα θέση. Ωστόσο, μέσα στην παράσταση υπήρχε μια διαδικασία επαγγελματικοποίησης του χορού, γυαλίσματος των μορφών του στην τέχνη του Beauchamp, του χορευτή G.L.Pekura και του καθηγητή. χορευτές (La Fontaine και άλλοι), που εμφανίστηκαν για πρώτη φορά το 1681 στο μπαλέτο του Lully The Triumph of Love. Στο τέλος. 17ος αιώνας τα επιτεύγματα της χορογραφίας αντικατοπτρίζονται στη θεωρητική. τα έργα του K. F. Menetrie ("Στο μπαλέτο παλιό και μοντέρνο σύμφωνα με τους νόμους του θεάτρου", 1682) και R. Feye ("Χορογραφία και η τέχνη της ηχογράφησης ενός χορού", 1700). Στο τέλος των 17-18 αιώνων. διάσημοι χορευτές N. Blondy και J. Balon, χορευτής M. T. de Subliny.

Αμερικάνικη έλαφος. θέατρο 2ου ορόφου 17-18 αιώνες. ήταν κλασικιστής, αλλά στο μπαλέτο, λόγω της αργής ανάπτυξής του, τα χαρακτηριστικά του μπαρόκ παρέμειναν για μεγάλο χρονικό διάστημα. Οι παραστάσεις παρέμειναν πλούσιες και δύσκολες, χωρίς στιλιστική ενότητα.

Στις αρχές του 18ου αιώνα. υπήρχαν σημάδια στασιμότητας στο ιδεολογικό-εικονιστικό περιεχόμενο του μπαλέτου με τον περαιτέρω εμπλουτισμό της τεχνικής του χορού. Η γενική τάση ανάπτυξης του θεάτρου μπαλέτου τον 18ο αιώνα - η επιθυμία για αυτοδιάθεση, η δημιουργία μιας ολοκληρωμένης παράστασης, το περιεχόμενο της οποίας θα εκφράζεται σε παντομίμα και χορό. Ωστόσο, οι παλιές μορφές διατηρήθηκαν κατά τη διάρκεια του 18ου αιώνα, ειδικά στη σκηνή της Βασιλικής Ακαδημίας της Μουσικής, προκαλώντας κριτική στους διαφωτιστές (D. Diderot και άλλοι). Στην αρχή. 18ος αιώνας αυτά ήταν γενναίοι ποιμένες, από τη δεκαετία του '30. - Όπερες-μπαλέτες J. F. Rameau ("Gallant India", 1735), όπου ο χορός εξακολουθούσε να εμφανίζεται με τη μορφή αδύναμων συνδεδεμένων καταστημάτων. Οι ερμηνευτές του Virtuoso έγιναν διάσημοι σε αυτές τις παραστάσεις: ο χορευτής M. Camargo, ο χορευτής L. Dupre, ο αδελφός και η αδερφή του Lani. Προσπάθειες για μεταφορά του δραματικού χορού. Το περιεχόμενο περιγράφηκε στην τέχνη του χορευτή F. Prevost (παντομίμα στην πλοκή του επεισοδίου από το "The Horatii" του P. Corneille στη μουσική του J. J. Mouret, 1714, "Characters of the Dance" στη μουσική του J. F. Rebel, 1715) και ειδικά του M. Ο Sallé, ο οποίος, μαζί με τη Βασιλική Ακαδημία Μουσικής στο Λονδίνο, πραγματοποίησε εκεί «δραματικές δράσεις» στην αρχαιότητα. θέματα ("Πυγμαλίων", 1734).

Υπό την επιρροή των ιδεών του Διαφωτισμού, στο έργο των πιο προοδευτικών μορφών του θεάτρου μπαλέτου, η ψυχαγωγία έδωσε τη θέση της στη «μίμηση της φύσης», η οποία ανέλαβε τη φυσικότητα των χαρακτήρων και την αλήθεια των συναισθημάτων. Αυτές οι εμπειρίες, ωστόσο, δεν διεισδύθηκαν σχεδόν στο στάδιο της Βασιλικής Ακαδημίας Μουσικής. Οι δραστηριότητες του μεγάλου μεταρρυθμιστή του θεάτρου μπαλέτου J. J. Novers πραγματοποιήθηκαν έξω από αυτό το θέατρο και εν μέρει εκτός της Γαλλίας (Στουτγκάρδη, Βιέννη, Λονδίνο). Οι αρχές της μεταρρύθμισης του θεάτρου μπαλέτου σκιαγραφήθηκαν από τον Νόβερ στη θεωρητική. το έργο "Letters on Dance and Ballets" (1η έκδοση, 1760). Τα μπαλέτα που δημιούργησε υπό την επήρεια των ιδεών του Διαφωτισμού δεν ήταν μια διασκεδαστική παράσταση, αλλά ένα σοβαρό θέατρο. παράσταση, συχνά στα θέματα των κλασικών τραγωδιών. Κατέχουν ακεραιότητα, οι πράξεις και οι εμπειρίες των χαρακτήρων εκφράστηκαν μέσω χορογραφίας (κεφ. Παντομίμα), χωρίς τη συμμετοχή λέξεων. Στη Βασιλική Ακαδημία Μουσικής το 1776-78 διοργανώθηκαν τα "Medea and Jason" και "Appeles and Campaspa" από τους Rodolphe, "Horace" Granier και "Trinkets" από τον Μότσαρτ. Στον 2ο όροφο. 18ος αιώνας Αρκετοί χορογράφοι πραγματοποίησαν τα πειράματά τους στο Ιταλικό Κωμικό Θέατρο στο Παρίσι και στα θέατρα της Λυών και του Μπορντό. Οπαδός των Novers, J. Doberval, εργάστηκε στο Μπορντό, δημιουργός ενός νέου τύπου κωμωδίας μπαλέτου (A Vain Precaution, 1789). Στο τέλος. 18ος αιώνας διάσημοι ήταν οι χορευτές M. Guimard, M. Allard, A. Heinel, Theodore, χορευτές G. Vestris, M. και P. Gardel, Doberval.

Από τη δεκαετία του '80. 18ος αιώνας μέχρι τη δεκαετία του '20. 19ος αιώνας Ο P. Gardel ήταν επικεφαλής του θίασου της Ακαδημίας Μουσικής (το 1789-1814 άλλαξε το όνομά του αρκετές φορές). Το ρεπερτόριο περιελάμβανε τα μπαλέτα του (Telemac and Psyche by Miller, 1790, Dancemania by Megul, 1800; Paul and Virginia by Kreutzer, 1806) και μπαλέτα από τον L. Milon (Nina στη μουσική του Peruis μετά τον Daleirak, 1813 "Καρναβάλι της Βενετίας" στη μουσική του Perseuis μετά τον Kreutzer, 1816). Στη δεκαετία του 20. υπήρχαν μπαλέτα από τον J. Omer: "A Vain Precaution" από τον Herald σύμφωνα με τον Doberval (1828), "Somnambul" από τον Herald (1827), "Manon Lescaut" από τον Halevy (1830). Από τους ερμηνευτές των 1780-1810. Ο O. Vestris ήταν ιδιαίτερα διάσημος, στα 10-20. - χορευτές M. Gardel, E. Bigottini, J. Goslin, χορευτής L. Duport. Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, η τεχνική του χορού άλλαξε δραματικά: όχι ομαλές, χαριτωμένες, αλλά δεξιοτεχνικές κινήσεις περιστροφής και άλματος, κυριαρχούσαν οι κινήσεις στα μισά δάχτυλα. Όταν στα 30s. το θέατρο μπαλέτου επηρεάστηκε από τις ιδέες του ρομαντισμού · αυτές οι τεχνικές απέκτησαν ένα νέο περιεχόμενο. Στις παραστάσεις του F. Taglioni, σκηνοθετήθηκε για την κόρη του Μ. Taglioni (La Sylphide, 1832; Η Παναγία του Δούναβη, 1836), ch. οι χαρακτήρες ήταν φανταστικοί. πλάσματα που πεθαίνουν από την επαφή με την πραγματικότητα. Εδώ αναπτύχθηκε ένα νέο στυλ χορού, με βάση την αεροπορική κίνηση των κινήσεων και την τεχνική του χορού στο pointe, δημιουργώντας ένα αίσθημα βαρύτητας. Στα 30-50. Το μπαλέτο στη Γαλλία έφτασε στην υψηλότερη άνοδο. Ένα από τα πιο νόημα. κατασκευαστής. αυτή η κατεύθυνση οργανώθηκε από τους J. Coralli και J. Perrot "Giselle" (1841). Το ρεπερτόριο της Ακαδημίας Μουσικής 40-50 αποτελούνταν από ρομαντικό. μπαλέτες Coralli (Tarantula του K. Gide, 1839; Peri, 1843) και J. Mazilier (Paquita, 1846; Le Corsaire, 1856). Ταυτόχρονα, ο Perrault έπαιξε εκτός Γαλλίας (κυρίως στο Λονδίνο, αλλά ερμήνευσε Γάλλοι καλλιτέχνες) τα καλύτερα μπαλέτα του - Esmeralda (1844), Catharina, The Robber's Daughter (1846) κ.λπ. Αυτές ήταν παραστάσεις , κοντά στην τέχνη των ρομαντικών ποιητών της επαναστατικής εποχής. ups που επηρέασαν το κοινό ηρωικό. Πάθος, η δύναμη του πάθους. Έντονη δράση ενσωματώθηκε στα κουμινμάτ. στιγμές ανεπτυγμένου χορού, δόθηκε ιδιαίτερη προσοχή στον χαρακτηριστικό χορό. Ο F. Elsler είχε μεγάλη επιτυχία σε αυτά. Άλλοι διάσημοι ρομαντικοί μουσικοί εμφανίστηκαν στη Γαλλία. χορευτές - K. Grisi, L. Gran, F. Cerrito. Πρακτική και ρομαντική θεωρία. Το μπαλέτο αντικατοπτρίζεται στα έργα των F.A.J. Castile-Blaz και T. Gaultier, που ήταν επίσης συγγραφέας ορισμένων σεναρίων.

Με την παρακμή του ρομαντισμού (70-90 του 19ου αιώνα), το μπαλέτο έχασε τη σύνδεσή του με τις ιδέες της εποχής μας. Παραγωγές του A. Saint-Léon στην Ακαδημία Μουσικής στη δεκαετία του '60. προσελκύεται από τον πλούτο του χορού και την αφθονία των σκηνικών παραστάσεων. εφέ ("Nemea" από Min-kus, κ.λπ.). Το καλύτερο μπαλέτο του Saint-Léon είναι το Coppelia (1870). Το 1875 το θεατρικό συγκρότημα άρχισε να εργάζεται σε ένα νέο κτίριο, που χτίστηκε από αρχιτέκτονα. Ο Γκάρνιερ, και το όνομα του μπαλέτου της Όπερας του Παρισιού δημιουργήθηκε πίσω της. Αλλά η τέχνη μπαλέτου στη δεκαετία του 80-90. 19ος αιώνας υποβαθμισμένο Στην Όπερα του Παρισιού, το μπαλέτο έχει γίνει ένα προσάρτημα στην παράσταση της όπερας. Μια έκκληση για τα μπαλέτα των συνθετών L. Delibes ("Sylvia" στη θέση. Meranta, 1876), E. Lalo ("Namuna" στη θέση. L. Petipa, 1882), A. Messager ("Δύο περιστέρια" στη θέση. Meranta, 1886 ) δεν άλλαξε τη θέση. Παραστάσεις από τον Merant στα 70-80, I. Hansen στη δεκαετία του '90. και στην αρχή. 20ος αιώνας ("Maladetta" Vidal, 1893, "Bacchus" Duvernois, 1905) δεν είχε επιτυχία, παρά τη συμμετοχή του εξαιρετικού χορευτή Κ. Ζαμπέλλι. Η αναβίωση του μπαλέτου στη Γαλλία πραγματοποιήθηκε υπό την επήρεια των Ρώσων και συνδέθηκε με τις Ρώσικες Εποχές, τις οποίες ο S.P.Dyaghilev διεξήγαγε στο Παρίσι από το 1908 (η πρώτη παράσταση μπαλέτου το 1909), καθώς και με τις δραστηριότητες του ρωσικού συγκροτήματος Μπαλέτου Diaghilev, που εμφανίστηκε στη Γαλλία το 1911-29. ... Πολλοί καλλιτέχνες και χορογράφοι που εργάστηκαν εδώ αργότερα συνδέθηκαν με τους Γάλλους. θέατρο μπαλέτου: M. M. Fokin, L. F. Myasin, B. F. Nizhinskaya, J. Balanchine, S. Lifar. Η επιρροή ασκήθηκε επίσης από άλλους rus. θίασοι και καλλιτέχνες: ο θίασος Ι. Λ. Ρούμπινσταϊν (1909-11 και τη δεκαετία του 1920), για τον οποίο ο Κ. Ντέμπις ("Ο Μαρτύρος του Αγίου Σεμπαστιάν", μπαλέτο. Ρούμπινσταϊν, 1911) και ο Μ. Ράβελ ("Μπολερό ", μπαλέτο. Nizhinskaya, 1928); N.V. Trukhanov, για τον οποίο σκηνοθετήθηκε από τον I.N. Khlyustin, ο οποίος εργάστηκε επίσης στην Όπερα του Παρισιού. Ρους. συγκροτήματα στράφηκαν στη μουσική των Γάλλων. συν. (Ravel, Debussy, Duque, τη δεκαετία του 1920 - συνθέτες του "Six"), για τις παραστάσεις τους δημιούργησαν το τοπίο των Γάλλων. καλλιτέχνες (P. Picasso, A. Matisse, F. Leger, J. Rouault και άλλοι). Μετά τον 1ο Παγκόσμιο Πόλεμο, pl. Ρωσική καλλιτέχνες άνοιξαν σχολές μπαλέτου στο Παρίσι, που μεγάλωσαν περισσότερες από μία γενιές Γάλλων. καλλιτέχνες. Ο σκηνοθέτης της Όπερας του Παρισιού (1910-44) J. Rouche, προσπαθώντας να ανεβάσει το επίπεδο του μπαλέτου, κάλεσε εξέχοντες καλλιτέχνες στο θέατρο (L. S. Bakst, R. Dufy, M. Brianchon, I. Breyer, M. Detoma), Ρωσικά. καλλιτέχνες, χορογράφοι. Κάποια αναβίωση της δραστηριότητας του μπαλέτου Opera περιγράφηκε στα 10-20. Μια σειρά από παραστάσεις μετά. Ο L. Stats ("Οι μέλισσες" στη μουσική του Stravinsky, 1917, "Sidaliz and Satyr" του Piernet, 1923), κάλεσε τον Fokine ("Daphnis and Chloe", 1921), O. A. Spesivtseva. Μετά το 1929, βάσει της επιχείρησης του Diaghilev, μια σειρά ρωσικών-γαλλικών. εταιρείες μπαλέτου: "Balle rus de Monte-Carlo" και άλλοι. Το 1930-59 (διάλειμμα 1944-47) ο θίασος της όπερας ήταν επικεφαλής του S. Lifar, ο οποίος διοργάνωσε τον St. 50 παραστάσεις. Οι δραστηριότητές του είχαν μεγάλη σημασία για τους Γάλλους. μπαλέτο, το οποίο έχει ανακτήσει το παλαιό του κύρος. Το ρεπερτόριο της Όπερας έχει ανανεωθεί πλήρως. Σημαντικοί συνθέτες, καλλιτέχνες και σεναριογράφοι συμμετείχαν στη δημιουργία μπαλέτου. Ο Lifar χρησιμοποίησε αντίκες, βιβλικά, θρυλικά θέματα για τις παραστάσεις του, μερικές φορές ερμηνεύοντάς τα συμβολικά: "Icarus" στους ρυθμούς του Sifer (1935, αναβίωσε το 1962 με διακοσμήσεις από τον P. Picasso), "Joan of Tsarissa" της Egka (1942), "Phaedra" Orica (1950, με σενάριο και σετ από τον J. Cocteau), Sauguet's Visions (1947), Delannoy's Fantastic Wedding (1955). Από τους παλαιότερους συγχρόνους του, τους χορογράφους της επιχείρησης Diaghilev, ο Lifar υιοθέτησε τις παραδόσεις του δράματος μπαλέτου του Fokin και τις παραδόσεις της χορογραφίας του 19ου αιώνα, όπου το κύριο μέσο έκφρασης ήταν η κλασική. χορός. Χορός. εκσυγχρονίζει τη γλώσσα και δημιούργησε εικόνες με βάση λογικό και όχι συναισθηματικό («νεοκλασικισμός» του Lifar). Πάνω από μία γενιά Γάλλων μεγάλωσαν στις παραστάσεις του. καλλιτέχνες: χορευτές S. Schwartz, L. Darsonval, I. Shovire, M. Lafon, K. Vossard, L. Deide, K. Bessy; χορευτές M. Reno, M. Bozzoni, A. Kalyuzhny, J. P. Andreani, A. Labis. Ωστόσο, η αφηρημένη ρητορική που ενυπάρχει στα μπαλέτα του Lifar, η απώλεια σύνδεσης με το σύγχρονο. Η πραγματικότητα, ιδιαίτερα αισθητή μετά τον 2ο Παγκόσμιο Πόλεμο 1939-45, προκάλεσε δυσαρέσκεια αυτή τη στιγμή. Νέοι καλλιτέχνες που αναζητούν νέους τρόπους και επαναπροσέγγιση της τέχνης με τη νεωτερικότητα άρχισαν να εργάζονται έξω από την Όπερα, του οποίου το ρεπερτόριο Lifar περιοριζόταν στις δικές του παραγωγές. Ο R. Petit δημιούργησε το συγκρότημα Ballet of the Champs Elysees (1945-51) και το μπαλέτο του Παρισιού (1948-67, κατά διαστήματα), όπου έβαλε τα μπαλέτα The Wandering Comedians Soge (1945), The Youth and Death to music. JS Bach (1946), "Carmen" στη μουσική. Bizet (1949), "The Wolf" Dutilleu (1953). Αργότερα (στη δεκαετία του '60 και του '70), μεταξύ των καλύτερων έργων του ήταν ο καθεδρικός ναός της Νοτρ Νταμ (1965, Όπερα του Παρισιού) και το Light the Stars! στη συνδυασμένη μουσική (1972, "Marseille Ballet"). Ο Petit εργάζεται στο δραματικό είδος. μπαλέτο (διάφορα σενάρια για αυτόν γράφτηκαν από τον J. Anouil), το οποίο τραβάει πρώτα την τραγωδία, στη συνέχεια, ειδικά στην αρχή της περιόδου, στην κωμωδία της ζαχαροπλαστικής, αλλά πάντα χτισμένη πάνω σε ζωντανούς χαρακτήρες και συνδυάζοντας χορό. μορφές με καθημερινό λεξιλόγιο. Στα καλύτερα μπαλέτα, στρέφεται σε συγκρούσεις που αντανακλούν τις πραγματικές αντιφάσεις της ζωής και τις επιλύει με ανθρωπιστικό τρόπο. σχέδιο (απόρριψη του αναπόφευκτου του κακού, ηθική δύναμη, πίστη σε ένα άτομο). Μαζί με τον ίδιο τον Petit, οι χορευτές Ν. Vyrubova, R. Zhanmer, E. Pagava, N. Filippar, K. Marchand, V. Verdi, I. Skorik, χορευτές J. Babile, Y. Algarov, R. Briand. Στη δεκαετία του '50. Άλλα συγκροτήματα εμφανίστηκαν, όπου πραγματοποιήθηκαν αναζητήσεις στον τομέα της ανανέωσης θεμάτων και του χορού. γλώσσα: Μπαλέτο της Γαλλίας και άλλος θίασος J. Charr, "Balle de l'Eguale" υπό τη διεύθυνση του Μ. Bejart. Ο Bejart, παρά το γεγονός ότι από το 1960 έγινε επικεφαλής του μπαλέτου των Βρυξελλών του ΧΧ αιώνα, είναι ένας από τους κορυφαίους Γάλλους μάστερ μπαλέτου. Βλέπει στην τέχνη της χορογραφίας ένα μέσο έκφρασης μιας στάσης στα προβλήματα της ζωής, μερικές φορές άμεσα, μερικές φορές σε μια φιλοσοφική ή μυστικιστική πτυχή. Ο χορογράφος δείχνει ιδιαίτερο ενδιαφέρον για την ανατολική φιλοσοφία, τις ανατολικές μορφές θεάτρου και το χορό (μπαλέτο "Μπακτί" για την ινδική μουσική, 1968 Δημιούργησε νέες μορφές χορογραφικής παράστασης: ένα είδος "συνολικού θεάτρου" με κυριαρχία χορογραφίας ("Four Sons of Emon" στη συνδυασμένη μουσική, 1961), μπαλέτα με λεκτικό κείμενο ("Baudelaire" σε συνδυασμένη μουσική και ποίηση, 1968, "Our Faust "στη συνδυασμένη μουσική, 1975), μνημειώδεις παραστάσεις σε αθλητικές αρένες και σε τσίρκο (" Ninth Symphony "στη μουσική του L. Beethoven, 1964). Έκανε τις δικές του εκδόσεις των διάσημων μπαλέτων:" The Rite of Spring ", 1959," Bolero ", 1961 "The Firebird", 1970. Η έντονη αίσθηση του εκσυγχρονισμού δημιουργεί Τα μπαλέτα από τον Bejart είναι κοντά στο κοινό που προηγουμένως ήταν ξένο σε αυτήν την τέχνη, ειδικά στους νέους.

Στη δεκαετία του '70. η Όπερα του Παρισιού αναδιοργανώθηκε. Έχουν προκύψει δύο τάσεις: αφενός, να συμπεριληφθούν εγκεκριμένα μπαλέτα από εξέχοντες χορογράφους (Balanchine, Robbins, Petit, Bejart, Alicia Alonso, Grigorovich) στο ρεπερτόριο και να αποκατασταθεί το κανονικό. Η έκδοση των παλαιών μπαλέτων ("La Sylphide" και "Coppelia" στη σύνταξη του P. Lakota), από την άλλη πλευρά, παρέχει την ευκαιρία να πειραματιστεί με νέους Γάλλους. χορογράφοι (F. Blaska, N. Shmuki) και αλλοδαποί, συμπεριλαμβανομένων εκπρόσωποι του σύγχρονου χορού (G. Tetley, J. Butler, M. Cunningham). Το Theatre Group ιδρύθηκε στην Όπερα το 1974. αναζητήσεις κάτω από τα χέρια. Αμερικανίδες γυναίκες Κ. Κάρλσον. Αναχωρώντας από τον συνηθισμένο ακαδημαϊκό, η Όπερα του Παρισιού ακολουθεί τη γενική τάση των Γάλλων. μπαλέτο, όπου αυξήθηκε το ενδιαφέρον για το τελευταίο θέατρο. φόρμες. Στη δεκαετία του '60 και του '70. πολλοί άνθρωποι εργάστηκαν στη Γαλλία. εταιρείες μπαλέτου: "Grand Balle du Marc de Cuevas" (1947-62), που επικεντρώθηκε στο παραδοσιακό ρεπερτόριο, προσελκύοντας διάσημους ερμηνευτές (T. Tumanova, N. Vyrubova, S. Golovin, V. Skuratov). Σύγχρονο μπαλέτο στο Παρίσι (μπαλέτο των F. και D. Dupuis, από το 1955), Γαλλικό Θέατρο Χορού J. Lazzini (1969-71), Μπαλέτο από τον Felix Blaski (από το 1969, από το 1972 στη Γκρενόμπλ), Nat. μπαλέτο από μούσες. νεολαία της Γαλλίας (μπαλέτο. Lacotte, από το 1963 - έως το τέλος. 60-ες.), Μπαλέτο θίασος κάτω από τα χέρια. J. Roussillo (από το 1972), Theatre of Silence (από το 1972). Πολλά συγκροτήματα εργάζονται στις επαρχίες: το Σύγχρονο Θέατρο Μπαλέτου (μπαλέτο F. Adre, από το 1968 στο Amiens, από το 1971 στο Angers), Μπαλέτο της Μασσαλίας (μπαλέτο Petit, από το 1972), Μπαλέτο του Ρήνου (από το 1972 στο Στρασβούργο, μπαλέτο P. van Dijk από το 1974), στις όπερες της Λυών (μπαλέτο από τον V. Biaggi), στο Μπορντό (μπαλέτο από τον Skuratov). Κορυφαίοι σολίστ της δεκαετίας του '60: J. Amiel, S. Atanasov, C. Bessy, J. P. Bonfoux, R. Briand, D. Ganio, J. Guizerix, M. Denard, A. Labis, C. Motte, J. Piletta, N. Pontois, V. Piollet, J. Rayet, G. Tesmar, N. Thibon, J. P. Franchetti.

Σχολείο στην Όπερα του Παρισιού, ιδρύθηκε. το 1713 (από το 1972 ο σκηνοθέτης του K. Bessie). Στο Παρίσι από τη δεκαετία του '20. 20ος αιώνας δούλεψε πολλά. ιδιωτικά σχολεία: M.F. Kshesinskaya, O.I. Preobrazhenskaya, L.N. Egorova, A.E. Volinin, H. Lander, B. Knyazev, M. Gube και άλλοι. Στις Κάννες το 1962 άνοιξε το Κέντρο Κλασικού Χορού ( ιδρύθηκε από τον R. Hightower). Το Παρίσι φιλοξενεί ετήσια φεστιβάλ χορού από το 1963. ο χορός παίρνει μια μεγάλη θέση στο φεστιβάλ στην Αβινιόν, κ.λπ.

Μεταξύ περιοδικών μπαλέτου: "Archives internationale de la danse" (1932-36), "Tribune de la danse" (1933-39), "Art et danse" (από το 1958), "Toute la danse et la musique" (από το 1952 ), "Danse et rythmes" (από το 1954), "Les saisons de la danse" (από το 1968).

Οι πιο διάσημοι ερευνητές και κριτικοί (20ος αιώνας): A. Prunnier, P. Thugal, F. Reina, P. Michaud, L. Vaya, M.F. Christu, I. Lidova, Y. Sazonova, A. Livio, Zh K. Dieni, A. F. Ersen. Ο Lifar έγραψε περισσότερα από 25 βιβλία.

Μπαλέτο. Εγκυκλοπαίδεια, SE, 1981