รูปแบบและแนวโน้มทางทัศนศิลป์ ประเภทหลักและประเภทของศิลปะประเภทศิลปะ

จำนวนรูปแบบและแนวโน้มเป็นอย่างมากหากไม่สิ้นสุด คุณลักษณะสำคัญที่สามารถจัดกลุ่มผลงานตามรูปแบบได้คือหลักการคิดทางศิลปะที่เป็นหนึ่งเดียว การเปลี่ยนวิธีคิดทางศิลปะบางวิธีโดยผู้อื่น (การสลับประเภทขององค์ประกอบเทคนิคการสร้างเชิงพื้นที่ลักษณะเฉพาะของสี) ไม่ได้เกิดขึ้นโดยบังเอิญ การรับรู้ศิลปะของเราสามารถเปลี่ยนแปลงได้ในอดีตเช่นกัน
การสร้างระบบสไตล์ตามลำดับชั้นเราจะยึดมั่นในประเพณี Eurocentric แนวคิดที่ใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะคือแนวคิดของยุคสมัย แต่ละยุคมีลักษณะเฉพาะด้วย "ภาพของโลก" ซึ่งประกอบด้วยความคิดทางปรัชญาศาสนาการเมืองความคิดทางวิทยาศาสตร์ลักษณะทางจิตวิทยาของโลกทัศน์บรรทัดฐานทางจริยธรรมและศีลธรรมเกณฑ์ความงามของชีวิตซึ่งทำให้ยุคหนึ่งแตกต่างจากยุคอื่น เหล่านี้คือยุคดึกดำบรรพ์ยุคของโลกโบราณสมัยโบราณยุคกลางยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเวลาใหม่
รูปแบบในงานศิลปะไม่มีขอบเขตที่ชัดเจนพวกเขาผสานเข้าด้วยกันอย่างราบรื่นและอยู่ในการพัฒนาอย่างต่อเนื่องการผสมผสานและการต่อต้าน ภายในกรอบของรูปแบบศิลปะเชิงประวัติศาสตร์รูปแบบใหม่จะถือกำเนิดขึ้นเสมอและในทางกลับกันก็จะผ่านไปในรูปแบบถัดไป หลายสไตล์อยู่ร่วมกันในเวลาเดียวกันดังนั้นจึงไม่มี“ สไตล์ที่แท้จริง” เลย
หลายรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในยุคประวัติศาสตร์เดียวกัน ตัวอย่างเช่น Classicism, Academism และ Baroque ในศตวรรษที่ 17, Rococo และ Neoclassicism ในศตวรรษที่ 18, Romanticism และ Academicism ใน 19 รูปแบบเช่นคลาสสิกและบาโรกเรียกว่าสไตล์ที่ยอดเยี่ยมเนื่องจากใช้กับศิลปะทุกประเภท: สถาปัตยกรรมภาพวาดศิลปะและงานฝีมือวรรณกรรมดนตรี
ควรสร้างความแตกต่างระหว่างรูปแบบศิลปะแนวโน้มแนวโน้มโรงเรียนและลักษณะเฉพาะของรูปแบบเฉพาะของอาจารย์แต่ละคน ทิศทางศิลปะหลายแบบสามารถมีอยู่ในสไตล์เดียว ทิศทางทางศิลปะเกิดขึ้นทั้งจากลักษณะทั่วไปของยุคสมัยหนึ่ง ๆ และจากวิธีคิดทางศิลปะที่แปลกประหลาด ตัวอย่างเช่นสไตล์อาร์ตนูโวมีแนวโน้มหลายประการในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ: โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์สัญลักษณ์ลัทธิฟัววิสต์เป็นต้น ในทางกลับกันแนวคิดเรื่องสัญลักษณ์ซึ่งเป็นแนวทางทางศิลปะได้รับการพัฒนาอย่างดีในวรรณคดีในขณะที่การวาดภาพนั้นมีความคลุมเครือและรวมศิลปินไว้ด้วยกันดังนั้นจึงมีความแตกต่างกันในโวหารที่มักถูกตีความว่าเป็นเพียงมุมมองที่เป็นหนึ่งเดียว

ด้านล่างนี้จะให้คำจำกัดความของยุคสไตล์และแนวโน้มที่สะท้อนให้เห็นในศิลปะวิจิตรและมัณฑนศิลป์สมัยใหม่

	- รูปแบบศิลปะที่พัฒนาขึ้นในประเทศทางตะวันตกและยุโรปกลางในศตวรรษที่ XII-XV เป็นผลมาจากวิวัฒนาการของศิลปะยุคกลางที่มีอายุหลายศตวรรษซึ่งเป็นเวทีที่สูงที่สุดและในขณะเดียวกันก็เป็นรูปแบบศิลปะสากลแบบยุโรปทั้งหมดแห่งแรกในประวัติศาสตร์ ครอบคลุมงานศิลปะทุกประเภทไม่ว่าจะเป็นสถาปัตยกรรมประติมากรรมภาพวาดกระจกสีการตกแต่งหนังสือศิลปะและงานฝีมือ พื้นฐานของสไตล์โกธิคคือสถาปัตยกรรมซึ่งโดดเด่นด้วยซุ้มแหลมที่ชี้ขึ้นไปข้างบนหน้าต่างกระจกสีหลากสีและการลดทอนรูปแบบที่มองเห็นได้ องค์ประกอบของศิลปะโกธิคมักพบได้ในการออกแบบตกแต่งภายในสมัยใหม่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพจิตรกรรมฝาผนังซึ่งมักพบน้อยกว่าในภาพวาดขาตั้ง ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่แล้วมีวัฒนธรรมย่อยแบบกอธิคที่แสดงออกอย่างชัดเจนในดนตรีบทกวีและการออกแบบเสื้อผ้า
	(Renaissance) - (French Renaissance, Italian Rinascimento) ยุคแห่งการพัฒนาทางวัฒนธรรมและอุดมการณ์ของหลายประเทศในยุโรปตะวันตกและยุโรปกลางรวมทั้งบางประเทศในยุโรปตะวันออก ลักษณะเด่นที่สำคัญของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ลักษณะทางโลกมุมมองด้านมนุษยนิยมดึงดูดมรดกทางวัฒนธรรมโบราณประเภทหนึ่งของ "การฟื้นฟู" ของมัน (ด้วยเหตุนี้ชื่อ) วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีลักษณะเฉพาะของยุคเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางไปสู่เวลาใหม่ซึ่งทั้งเก่าและใหม่ผสมผสานกันเป็นโลหะผสมใหม่ที่มีคุณภาพและแปลกใหม่ คำถามเกี่ยวกับขอบเขตตามลำดับเวลาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ในอิตาลี - ศตวรรษที่ 14-16 ในประเทศอื่น ๆ - 15-16 ศตวรรษ) การกระจายอาณาเขตและลักษณะประจำชาติเป็นเรื่องยาก องค์ประกอบของรูปแบบนี้ในศิลปะร่วมสมัยมักใช้ในภาพวาดฝาผนังซึ่งมักไม่ค่อยใช้ในการวาดภาพขาตั้ง
	- (จาก maniera ของอิตาลี - เทคนิคลักษณะ) ปัจจุบันในศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 16 ตัวแทนของความมีมารยาทย้ายออกไปจากการรับรู้ที่กลมกลืนกันของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของโลกแนวคิดมนุษยนิยมของมนุษย์ในฐานะการสร้างธรรมชาติที่สมบูรณ์แบบ การรับรู้ชีวิตที่กระตือรือร้นถูกรวมเข้ากับความปรารถนาเชิงโปรแกรมที่จะไม่ทำตามธรรมชาติ แต่เป็นการแสดง "ความคิดภายใน" ของภาพทางศิลปะที่เกิดในจิตวิญญาณของศิลปิน ปรากฏชัดเจนที่สุดในอิตาลี สำหรับมารยาทของอิตาลีในยุค 1520 (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) มีความโดดเด่นด้วยความเฉียบคมของภาพโศกนาฏกรรมของการรับรู้โลกความซับซ้อนและการแสดงออกของท่าทางและแรงจูงใจในการเคลื่อนไหวที่เกินจริงการยืดสัดส่วนของตัวเลขความไม่สอดคล้องกันของสีและการตัดกับแสง เมื่อเร็ว ๆ นี้นักวิจารณ์ศิลปะได้ใช้คำนี้เพื่อแสดงถึงปรากฏการณ์ในศิลปะร่วมสมัยที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงรูปแบบทางประวัติศาสตร์
	- รูปแบบศิลปะทางประวัติศาสตร์ซึ่งแพร่หลายในอิตาลีตอนกลาง ศตวรรษที่สิบหก - สิบแปดในฝรั่งเศสสเปนแฟลนเดอร์สและเยอรมนีศตวรรษที่ XVII-XVIII ในวงกว้างคำนี้ใช้เพื่อกำหนดแนวโน้มที่จะเกิดขึ้นใหม่ตลอดเวลาของมุมมองที่ไม่สงบโรแมนติกการคิดในรูปแบบที่แสดงออกและมีพลวัต ท้ายที่สุดแล้วในเกือบทุกรูปแบบศิลปะในประวัติศาสตร์เราสามารถพบ "ยุคบาโรก" ของตัวเองในฐานะเวทีของการสร้างสรรค์ที่สูงที่สุดความตึงเครียดของอารมณ์การระเบิดของรูปแบบ
	- รูปแบบศิลปะในศิลปะยุโรปตะวันตกของ XVII - ต้น ศตวรรษที่ XIX และใน XVIII ของรัสเซีย - ต้น XIX หมายถึงมรดกโบราณเป็นอุดมคติที่จะปฏิบัติตาม เขาเป็นที่ประจักษ์ในงานสถาปัตยกรรมประติมากรรมภาพวาดศิลปะและงานฝีมือ ศิลปินคลาสสิกถือว่าสมัยโบราณเป็นความสำเร็จสูงสุดและทำให้เป็นมาตรฐานในงานศิลปะซึ่งพวกเขาพยายามเลียนแบบ เมื่อเวลาผ่านไปเขาได้เกิดใหม่ในแนววิชาการ
	- ทิศทางในศิลปะยุโรปและรัสเซียในช่วงปี 1820-1830 ซึ่งแทนที่ความคลาสสิก โรแมนติกเน้นความเป็นปัจเจกชนตรงข้ามกับความงามในอุดมคติของนักคลาสสิกด้วยความเป็นจริงที่ "ไม่สมบูรณ์แบบ" ศิลปินได้รับความสนใจจากปรากฏการณ์ที่สดใสหายากและไม่ธรรมดารวมถึงภาพของธรรมชาติที่น่าอัศจรรย์ ในศิลปะแนวจินตนิยมการรับรู้และประสบการณ์ของปัจเจกบุคคลมีบทบาทสำคัญ ลัทธิจินตนิยมปลดปล่อยศิลปะจากความเชื่อแบบคลาสสิกที่เป็นนามธรรมและเปลี่ยนเป็นประวัติศาสตร์ของชาติและภาพของคติชนวิทยา
	- (จาก Lat. sentiment - feeling) - ทิศทางของศิลปะตะวันตกในช่วงครึ่งหลังของ XVIII. แสดงถึงความผิดหวังใน "อารยธรรม" ตามอุดมคติของ "เหตุผล" (อุดมการณ์แห่งการตรัสรู้) เอสประกาศความรู้สึกสะท้อนโดดเดี่ยวความเรียบง่ายของชีวิตในชนบทของ "ชายร่างเล็ก" J.J. Rousseau ถือเป็นผู้ร่วมอุดมการณ์ของ S.
	- แนวโน้มทางศิลปะมุ่งมั่นกับความจริงและความน่าเชื่อถือที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเพื่อแสดงทั้งรูปแบบภายนอกและสาระสำคัญของปรากฏการณ์และสิ่งต่างๆ ในฐานะที่เป็นวิธีการสร้างสรรค์มันรวมลักษณะเฉพาะของแต่ละบุคคลและโดยทั่วไปเมื่อสร้างภาพ ทิศทางการดำรงอยู่ยาวนานที่สุดโดยพัฒนาจากยุคดึกดำบรรพ์จนถึงปัจจุบัน
	- กระแสความนิยมในวัฒนธรรมศิลปะของยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 เกิดขึ้นจากปฏิกิริยาตอบสนองต่อการครอบงำในขอบเขตด้านมนุษยธรรมของบรรทัดฐานของชนชั้นกลาง "สามัญสำนึก" (ในทางปรัชญาสุนทรียศาสตร์ - แนวคิดเชิงบวกในศิลปะ - ธรรมชาตินิยม) สัญลักษณ์แรกเริ่มก่อตัวขึ้นในวรรณกรรมฝรั่งเศสในช่วงปลายทศวรรษ 1860 - 70 ต่อมาแพร่กระจายในเบลเยียมเยอรมนี , ออสเตรีย, นอร์เวย์, รัสเซีย หลักการทางสุนทรียศาสตร์ของสัญลักษณ์ในหลาย ๆ ด้านกลับไปสู่แนวความคิดแนวโรแมนติกเช่นเดียวกับหลักคำสอนบางประการเกี่ยวกับปรัชญาอุดมคติของ A.Chopenhauer, E. Hartmann, ส่วน F. Nietzsche ในการทำงานและทฤษฎีของนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน R. สัญลักษณ์ตรงข้ามกับความเป็นจริงที่มีชีวิตกับโลกแห่งภาพและความฝัน สัญลักษณ์ที่เกิดจากความเข้าใจเชิงกวีและการแสดงความหมายในทางโลกของปรากฏการณ์ที่ซ่อนอยู่จากจิตสำนึกธรรมดาถือเป็นเครื่องมือสากลในการทำความเข้าใจความลับของการเป็นและจิตสำนึกของแต่ละบุคคล ศิลปิน - ผู้สร้างถูกมองว่าเป็นสื่อกลางระหว่างของจริงและสิ่งที่เหนือกว่าค้นหา "สัญญาณ" ของความกลมกลืนของโลกได้ทุกที่คาดเดาสัญญาณของอนาคตทั้งในปรากฏการณ์สมัยใหม่และเหตุการณ์ในอดีต
	- (จากความประทับใจของชาวฝรั่งเศส - ความประทับใจ) แนวโน้มของศิลปะในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งเกิดขึ้นในฝรั่งเศส ชื่อนี้ได้รับการแนะนำโดยนักวิจารณ์ศิลปะ L. Leroy ผู้ซึ่งพูดอย่างดูถูกเหยียดหยามเกี่ยวกับนิทรรศการของศิลปินในปีพ. ศ. 2417 โดยที่ภาพวาดของ C. Monet“ Sunrise ความประทับใจ”. อิมเพรสชั่นนิสม์ยืนยันความงามของโลกแห่งความเป็นจริงโดยเน้นความสดใหม่ของความประทับใจแรกความแปรปรวนของสภาพแวดล้อม ความสนใจที่โดดเด่นในการแก้ปัญหาเกี่ยวกับภาพล้วนทำให้ความคิดดั้งเดิมของการวาดภาพเป็นองค์ประกอบหลักของงานศิลปะลดลง อิมเพรสชั่นนิสม์มีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะของประเทศในยุโรปและสหรัฐอเมริกาและกระตุ้นความสนใจในเรื่องต่างๆจากชีวิตจริง (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley ฯลฯ )
	- ปัจจุบันในการวาดภาพ (คำพ้องความหมาย - การแบ่งแยก) ซึ่งพัฒนาขึ้นภายใต้กรอบของนีโออิมเพรสชั่นนิสม์ นีโออิมเพรสชั่นนิสม์เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2428 และแพร่กระจายในเบลเยียมและอิตาลีด้วย พวกนีโออิมเพรสชั่นนิสต์พยายามใช้ความสำเร็จล่าสุดในสาขาทัศนศาสตร์ในงานศิลปะตามการวาดภาพโดยใช้จุดสีหลักที่แยกจากกันในการรับรู้ภาพทำให้เกิดการผสมผสานของสีและขอบเขตทั้งหมดของการวาดภาพ (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro)
	โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์ - ชื่อรวมแบบมีเงื่อนไขของทิศทางหลักของการวาดภาพฝรั่งเศสจนถึงตอนท้ายของ XIX - ไตรมาสที่ 1 ศตวรรษที่ XX ศิลปะโพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์เกิดขึ้นจากปฏิกิริยาต่ออิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่งให้ความสนใจกับการถ่ายทอดช่วงเวลาต่อความรู้สึกของภาพที่สวยงามและสูญเสียความสนใจในรูปร่างของวัตถุ ในบรรดาโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ ได้แก่ P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh และคนอื่น ๆ
	- สไตล์ในศิลปะยุโรปและอเมริกาในตอนท้ายของศตวรรษที่ XIX-XX สมัยใหม่ตีความใหม่และทำให้เส้นของศิลปะในยุคต่างๆมีสไตล์และสร้างสรรค์ผลงานศิลปะของเขาเองโดยยึดตามหลักการปฏิบัติ เป้าหมายของความทันสมัยยังเป็น stanovyatsya และรูปแบบธรรมชาติ obyacnyaetcya ne tolko intepec นี้ไปยัง pactitelnym opnamentam ใน ppoizvedeniyax modepna, Nr และ cama ของพวกเขา kompozitsionnaya และ placticheckaya ctpyktypa - obilie kpivolineynyx ocheptany, oplyvayuschix, nepovnyx pontypovitel เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับความทันสมัย \u200b\u200b- สัญลักษณ์ที่ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานทางสุนทรียศาสตร์ปรัชญาสำหรับแฟชั่นโดยอาศัยรูปแบบที่ทันสมัยตามแนวความคิดเชิงกลยุทธ์ Modern มีชื่อที่แตกต่างกันในประเทศต่างๆซึ่งมีความหมายเหมือนกัน: Art Nouveau - ในฝรั่งเศส, การแยกตัวออก - ในออสเตรีย, Jugendstil - ในเยอรมนี, Liberty - ในอิตาลี
	- (จากฝรั่งเศสสมัยใหม่ - สมัยใหม่) ชื่อทั่วไปของแนวโน้มศิลปะหลายอย่างในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีลักษณะเป็นการปฏิเสธรูปแบบดั้งเดิมและสุนทรียภาพในอดีต สมัยใหม่อยู่ใกล้กับเปรี้ยวจี๊ดและตรงข้ามกับวิชาการ
	- ชื่อที่รวบรวมแนวโน้มทางศิลปะที่พบบ่อยในช่วงปี 1905-1930 (ลัทธินิยม, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, ลัทธิอนาคต, การแสดงออก, ลัทธิดาดา, ลัทธิเหนือจริง) พื้นที่ทั้งหมดเหล่านี้รวมกันเป็นหนึ่งเดียวโดยความปรารถนาที่จะต่ออายุภาษาของศิลปะคิดใหม่ในงานและได้รับเสรีภาพในการแสดงออกทางศิลปะ
	- ทิศทางในศิลปะปลาย XIX - n. ศตวรรษที่ XX จากบทเรียนที่สร้างสรรค์ของศิลปินชาวฝรั่งเศส Paul Cezanne ผู้ซึ่งลดรูปแบบทั้งหมดในภาพให้เป็นรูปทรงเรขาคณิตที่เรียบง่ายที่สุดและใช้สีที่ตัดกันของโทนสีอบอุ่นและโทนเย็น Cezanneism เป็นหนึ่งในจุดเริ่มต้นของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ในระดับใหญ่ลัทธิเซซานยังมีอิทธิพลต่อโรงเรียนการวาดภาพเหมือนจริงของรัสเซียด้วย
	- (จาก fauve - wild) เทรนด์เปรี้ยวจี๊ดในศิลปะฝรั่งเศส n. ศตวรรษที่ XX นักวิจารณ์ร่วมสมัยชื่อ "ป่า" ตั้งให้กับกลุ่มศิลปินที่ปรากฏตัวในปี 1905 ที่ Paris Salon of the Independents และเป็นเรื่องที่น่าขันในธรรมชาติ กลุ่มนี้ประกอบด้วย A.Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen และคนอื่น ๆ ค้นหาแรงกระตุ้นในความคิดสร้างสรรค์แบบดั้งเดิมศิลปะในยุคกลางและตะวันออก
	- การทำให้เข้าใจง่ายขึ้นโดยเจตนาของวิธีการแสดงภาพเลียนแบบขั้นตอนดั้งเดิมของการพัฒนาศิลปะ คำนี้หมายถึงสิ่งที่เรียกว่า ศิลปะไร้เดียงสาของศิลปินที่ไม่ได้รับการศึกษาพิเศษ แต่มีส่วนร่วมในกระบวนการศิลปะทั่วไปในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ศตวรรษที่ XX ผลงานของศิลปินเหล่านี้ - N. Pirosmani, A.Russo, V. Selivanov และคนอื่น ๆ มีลักษณะเป็นเด็กที่แปลกประหลาดในการตีความธรรมชาติการผสมผสานระหว่างรูปแบบทั่วไปและความเป็นตัวอักษรเล็ก ๆ ในรายละเอียด Primitivism ของรูปแบบไม่ได้กำหนดความดั้งเดิมของเนื้อหาไว้ล่วงหน้า มักทำหน้าที่เป็นแหล่งข้อมูลสำหรับมืออาชีพที่ยืมรูปแบบรูปภาพวิธีการจากพื้นบ้านในศิลปะดั้งเดิมที่มีสาระสำคัญ N.Goncharov, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse ได้รับแรงบันดาลใจจากลัทธิไพรมารี
	- แนวโน้มทางศิลปะที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของการปฏิบัติตามศีลของสมัยโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ถูกใช้ในโรงเรียนศิลปะในยุโรปหลายแห่งตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ถึงศตวรรษที่ 19 นักวิชาการได้เปลี่ยนประเพณีคลาสสิกให้กลายเป็นระบบของกฎและข้อบังคับ "นิรันดร์" ที่ จำกัด การค้นหาเชิงสร้างสรรค์พยายามต่อต้านรูปแบบความงามที่พัฒนาขึ้นอย่าง "สูง" แบบพิเศษและเหนือกาลเวลาไปสู่ธรรมชาติที่มีชีวิตไม่สมบูรณ์ นักวิชาการมีลักษณะเฉพาะด้วยความชอบในวิชาจากตำนานโบราณวิชาในพระคัมภีร์หรือประวัติศาสตร์จากชีวิตของศิลปินร่วมสมัย
	- ทิศทาง (ลูกบาศก์ฝรั่งเศสจากลูกบาศก์ - คิวบ์) ในศิลปะของไตรมาสแรกของศตวรรษที่ XX ภาษา Plactic ของ Cubism ขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนรูปและความคลาดเคลื่อนของพารามิเตอร์บนระนาบเรขาคณิตและการกระจัดของแบบฟอร์ม การถือกำเนิดของ Cubism ตรงกับปี 1907-1908 ซึ่งเป็นวันก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ผู้นำที่ไม่มีปัญหาของเทรนด์นี้คือกวีและนักประชาสัมพันธ์ G. Apollinaire การเคลื่อนไหวนี้เป็นหนึ่งในกลุ่มแรกที่รวบรวมแนวโน้มชั้นนำในการพัฒนางานศิลปะในศตวรรษที่ยี่สิบต่อไป หนึ่งในแนวโน้มเหล่านี้คือการครอบงำของแนวคิดเหนือคุณค่าที่แท้จริงทางศิลปะของภาพวาด J. Braque และ P. Picasso ถือเป็นบรรพบุรุษของ Cubism Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris และคนอื่น ๆ เข้าร่วมในปัจจุบัน
	- ปัจจุบันในวรรณคดีภาพวาดและภาพยนตร์ซึ่งเกิดขึ้นในปีพ. ศ. 2467 ในฝรั่งเศส มันมีส่วนอย่างมากในการสร้างจิตสำนึกของคนสมัยใหม่ บุคคลสำคัญของการเคลื่อนไหว ได้แก่ André Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Juan Miro และศิลปินอื่น ๆ อีกมากมายทั่วโลก สถิตยศาสตร์แสดงความคิดของการมีอยู่นอกความเป็นจริงบทบาทที่สำคัญอย่างยิ่งที่นี่มาจากความไร้สาระไร้สติความฝันความฝัน วิธีการที่มีลักษณะเฉพาะอย่างหนึ่งของศิลปินเซอร์เรียลิสต์คือการแยกตัวออกจากความคิดสร้างสรรค์ที่ใส่ใจซึ่งทำให้เขาเป็นเครื่องมือที่ดึงภาพที่แปลกประหลาดของจิตใต้สำนึกออกมาในรูปแบบต่างๆคล้ายกับภาพหลอน สถิตยศาสตร์รอดพ้นวิกฤตหลายครั้งรอดชีวิตจากสงครามโลกครั้งที่สองและค่อยๆผสานเข้ากับวัฒนธรรมมวลชนตัดกับทรานส์ - เปรี้ยวจี๊ดเข้าสู่ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นส่วนสำคัญ
	- (จาก lat. futurum - อนาคต) วรรณกรรมและศิลปะในปัจจุบันในช่วงทศวรรษที่ 1910 Otvodya cebe pol ppoobpaza ickycctva bydyschego, fytypizm ใน kachectve ocnovnoy ppogpammy vydvigal ideyu pazpysheniya kyltypnyx ctepeotipov และ ppedlagal vzamen apoliyu texniki และ yphebanizma HOW glavgo ความคิดทางศิลปะที่สำคัญของ fyturism ได้กลายเป็นการค้นหาการแสดงออกทางกายภาพของอัตราการเคลื่อนไหวในฐานะพื้นฐานชีวิตของจังหวะของชีวิตสมัยใหม่ ลัทธิอนาคตของรัสเซียมีชื่อ kybofytyrism และตั้งอยู่บนพื้นฐานของการเชื่อมต่อของหลักการพลาสติกของ kybism ฝรั่งเศสและความนิยมของคนทั่วไป

จากการสัมภาษณ์ตั้งอยู่บนหลักการที่ว่าเมื่อวาดภาพศิลปินจะสร้างความงามและความจริงขึ้นมาใหม่ซึ่งไม่สามารถลดทอนให้เป็นภาพที่ปรากฏได้ สำหรับผู้ชมที่ได้รับการฝึกฝนงานศิลปะที่มีความสามารถคือบทสนทนาระหว่างศิลปินและมนุษยชาติซึ่งเขาพยายามที่จะเปิดให้ผู้คน“ โลกไม่รู้จักอีกนิด” (A. "หลักฐานในตัวเองที่มองเห็นได้" ของภาพวาดนั้นสามารถใช้ทดแทนทำให้ข้อความของศิลปินง่ายขึ้นลดเนื้อหาลงเฉพาะด้านศิลปะหรือเฉพาะด้านจริยธรรมหรือเฉพาะในสังคมเท่านั้น จิตรกรเอาชนะสถานการณ์ดังกล่าวพัฒนาวิธีการแสดงออกทางศิลปะหลีกเลี่ยง "การรับรู้" เชิญชวนให้คู่สนทนา "เกี่ยวกับความรู้ความเข้าใจ" ของสิ่งใหม่ ผู้ชมสามารถค้นพบ "ความงามที่ไม่รู้จัก" ได้โดยมีเงื่อนไขว่าอุดมคติด้านความงามของเขาจะไม่ถูก จำกัด อยู่ในกรอบของมาตรฐานเชิงบรรทัดฐานใด สวย.ดังนั้นความงามในอุดมคติของผู้เชี่ยวชาญจึงมีหลายมิติและมีพลวัตประกอบด้วยความสามารถในการพัฒนาตนเอง ดังนั้นสมมติฐานที่สำคัญที่สุดของทัศนคติของผู้เชี่ยวชาญที่มีต่องานศิลปะนั่นคือการทำความเข้าใจมาตรการและ "รหัส" ของแบบแผนทางศิลปะ

สำหรับนักวิจารณ์ศิลปะงานของศิลปินมีอยู่โดยรวมโดยสมบูรณ์แสดงทั้งบุคลิกภาพเชิงสร้างสรรค์ที่ไม่เหมือนใครและอุดมคติทางจิตวิญญาณของเวลาและการแสดงออกของความต้องการทางสังคม เขารู้ดีว่าศิลปินทุกคนมีความคิดสร้างสรรค์ของตัวเองเปลี่ยนความเป็นจริงในภาษาของลักษณะทางศิลปะของแต่ละคน ดังนั้นจึงมุ่งเน้นไปที่การทำความเข้าใจระบบความหมายทางศิลปะของงานศิลปะที่กำหนดความเป็นเอกลักษณ์ ฯลฯ

หลักการสำคัญของการรับรู้นั้นดำเนินการโดยผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะในกระบวนการวิเคราะห์งานวิจิตรศิลป์อย่างแท้จริงโดยกำหนดคุณลักษณะต่างๆของแต่ละบุคคล ในเวลาเดียวกันสำหรับแต่ละสัญญาณสามารถนำเสนอมาตราส่วนสมมุติฐานบางอย่างได้ซึ่งจะมีการระบุระดับความรุนแรงของเครื่องหมายหรือการขาดหายไป ตามธรรมชาติ

เกณฑ์ของความเข้มข้นของคุณลักษณะในหมู่ผู้เชี่ยวชาญอาจไม่ตรงกับแต่ละอื่น ๆ โดยกำหนดทัศนคติที่แตกต่างกันทั้งต่อคุณสมบัติของแต่ละบุคคลและงานวิเคราะห์โดยรวม

ในขณะเดียวกันการทดลองเชิงประจักษ์ได้แสดงให้เห็นว่าหากการประเมินของนักวิจารณ์ศิลปะไม่ตรงกันเกณฑ์การประเมินก็มีอยู่ในพื้นที่เดียวกันของการตีความผลงานศิลปะ หลักการทั่วไปของทัศนคติต่อคุณค่าทางสุนทรียศาสตร์ไม่ได้ถูกกำหนดโดยความบังเอิญของการประเมิน แต่เป็นระบบการรับรู้และความเข้าใจในศิลปะ เมื่อนักวิจารณ์ศิลปะวิเคราะห์งานศิลปะเขาจะเข้าใจในบริบทของการพัฒนางานศิลปะโดยมีความสัมพันธ์กับทิศทางต่างๆโรงเรียนอาจารย์โดยตระหนักว่าการพัฒนางานศิลปะนั้นค่อนข้างเป็นอิสระ จากประสบการณ์ตรงของภาพที่รับรู้เขาดำเนินการตีความเชิงสุนทรียศาสตร์และการวางนัยทั่วไปเผยให้เห็นเป้าหมายของผู้สร้าง - เพื่อแสดงความจริงทางศิลปะใหม่

แน่นอนว่าการรับรู้ของผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะนั้นค่อนข้างแตกต่างจากความเข้าใจเกี่ยวกับศิลปะของนักเรียนกลุ่มนั้นซึ่งเราพิจารณาจากประเภทของศิลปะ นักวิจารณ์ศิลปะไม่เพียง แต่มีความรู้เกี่ยวกับ "โปรแกรม" พิเศษในการอ่านความหมายเชิงอุปมาอุปไมยของงานศิลปะซึ่งกำหนดกระบวนการในการทำความเข้าใจข้อมูลทางศิลปะใหม่ ๆ : เขาตระหนักถึงศักยภาพของความรู้และพรสวรรค์ของเขาอย่างมืออาชีพผ่าน "โปรแกรม" ของการพูด (การนำเสนอทางวรรณกรรม) ในสิ่งที่รับรู้และเข้าใจได้ เห็นได้จากบริบททางสังคมวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกัน

แน่นอนว่าไม่ว่าผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะจะได้รับการฝึกฝนมาอย่างมืออาชีพเพียงใดหากเขาไม่สามารถสัมผัสและค้นพบ“ ความงามที่ไม่รู้จักของโลก” รูปแบบของ“ สคริปต์ด้วยวาจา” จะทำให้เขากลายเป็นผู้ชมประเภทศิลปะ การรับรู้ศิลปะไม่ได้กำหนดเนื้อหาของวิสัยทัศน์ทางศิลปะเลย

จากระบบของความคาดหวังที่เราได้สร้างขึ้นใหม่ - ข้อกำหนดของการรับรู้และความเข้าใจเกี่ยวกับวิจิตรศิลป์ - เป็นไปได้ที่จะนำเสนอและตีความรูปแบบการทำงานของประเภทนี้ในรูปแบบของแผนภาพ (1):

งานคือ - ระบบพร้อม - งานคือ -

ศิลปะเป็นระบบ (ทัศนคติของศิลปะในฐานะบุคคล

ma ค่าของการจัดการ) ความรู้สึกทางสายตา

ระบบคุณค่า

ผลของการรับรู้ศิลปะโดยผู้ชมประเภทนี้เป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ที่ซับซ้อนของการเป็นตัวแทนของผู้ชมทั้งสองระดับ เมื่อตระหนักถึงหลักการของการเสริมกันของระดับเหล่านี้เราสามารถสังเกตลำดับความสำคัญของการรับรู้ประเภทที่สองนี้ - ศิลปะ - เปรียบเปรย - ระดับ ในความเห็นของเราในรูปแบบการวิเคราะห์เมื่อดูในรูปแบบโครงสร้างระดับแรกของความเข้าใจของผู้ชมเป็นเพียงองค์ประกอบของประการที่สองการรับรู้ผลงานศิลปะในระดับการเลียนแบบจะเสริมสร้างและขยายระบบความหมายของผู้ชม - การตีความระดับศิลปะ - เปรียบเปรยของการแสดงความเป็นจริงในงานศิลปะ

ประเภทของศิลปะ (พิมพ์ผิดภาษากรีก - สำนักพิมพ์ตัวอย่าง) เป็นภาพศิลปะที่สร้างขึ้นในกระบวนการจินตนาการสร้างสรรค์ของนักเขียนศิลปินซึ่งสะท้อนถึงคุณลักษณะเฉพาะของกลุ่มคนบางกลุ่มสังคมบางกลุ่ม ประเภทของศิลปะอาจมีพื้นฐานมาจากบุคลิกทางประวัติศาสตร์ที่เป็นรูปธรรม แต่บ่อยครั้งที่เป็นผลมาจากการสรุปคุณสมบัติบางอย่างของกลุ่มคนทางสังคมชนชั้นชาติลักษณะทางจิตวิทยา ฯลฯ นักเขียนชั้นนำของสหภาพโซเวียตหลายคนได้สร้างภาพที่สดใสโดยใช้ต้นแบบที่แท้จริง เหล็กกล้า "N. Ostrovsky," Young Guard "A. Fadeev," The Story of a Real Man "B. Polevoy," Zoya "M. Aliger ฯลฯ )

อย่างไรก็ตามทั้งต้นแบบที่มีชีวิตและภาพรวมต้องแสดงถึงลักษณะทั่วไปทางศิลปะ มีความแตกต่างในวิธีการและเทคนิคในการสร้างประเภทศิลปะภายในวิธีการเหมือนจริงเพียงวิธีเดียว ดังนั้นวิธีของโกกอลในการมุ่งเน้นความสนใจไปที่ลักษณะนิสัยที่สำคัญอย่างหนึ่งการทำให้ลักษณะทางสังคมและจิตใจของเจ้าของที่ดินที่มีชีวิตอยู่ใน "วิญญาณที่ตายแล้ว" คมชัดขึ้นทำให้พวกเขา "เข้าสู่สายตาของผู้คน" จึงไม่เหมือนกับการวิเคราะห์เชิงลึกทางจิตวิทยาเกี่ยวกับกระบวนการก่อตัวของบุคลิกภาพบางประเภทใน " สงครามและสันติภาพ” โดย L. Tolstoy การเปิดเผยของเขาเกี่ยวกับ“ วิภาษวิธีแห่งจิตวิญญาณ” โดยปิแอร์เบซูคอฟอังเดรโบลคอนสกีนาตาชารอสโตวา

ในความสามารถของศิลปะในการ "เข้าใจ" และเติมเต็มประเภทของการเคลื่อนไหวของตัวละครกระบวนการทางจิตการเกิดและการพัฒนาของความคิดเป็นแรงผลักดันของบุคลิกภาพ ดอสโตเอฟสกี้มองเห็นความสมจริง "ในแง่สูงสุด" ประวัติศาสตร์แห่งความสมจริงเป็นเครื่องยืนยันถึงความเป็นไปได้ที่ไร้ขีด จำกัด ของการสร้างสรรค์งานศิลปะ ศิลปะแต่ละประเภทมีลักษณะของตัวเองมุมของการส่องสว่างของความมั่งคั่งทางจิตวิญญาณและข้อ จำกัด ของบุคลิกภาพของมนุษย์

การตัดสินใจที่เฉพาะเจาะจงของศิลปินแต่ละคนของวิภาษวิธีทั่วไปและบุคคลในประเภทศิลปะนั้นเกี่ยวข้องโดยตรงกับระดับของลักษณะทั่วไปตลอดจนวิธีการและวิธีการพิมพ์ ความสำคัญทางสังคมของประเภทศิลปะขึ้นอยู่กับวัตถุของการพิมพ์มันเกี่ยวข้องกับการรับรู้ประเภทชั้นนำของยุคความขัดแย้งทางสังคมพื้นฐาน สร้างขึ้นอย่างล้ำลึกโดยศิลปินประเภททางสังคมดังกล่าวทำให้เกิดเสียงสะท้อนจากสาธารณชนจำนวนมหาศาลซึ่งเป็นลักษณะของยุคทั้งหมดในชีวิตของสังคม คนเหล่านี้เป็นคนประเภท "ฟุ่มเฟือย" ในวรรณกรรมรัสเซียในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 วีรบุรุษในยุคหกสิบเศษในผลงานของเชอร์นิเชฟสกีและทูร์เกเนฟนักปฏิวัติในผลงานของกอร์กี ฯลฯ

อย่างไรก็ตามความสำคัญของวัตถุของการพิมพ์ในตัวเองไม่ได้กำหนดระดับและความลึกของลักษณะทั่วไปทางศิลปะ ในงานศิลปะกระบวนการเปิดเผยประเภทศิลปะมีความสำคัญ ประวัติศาสตร์ของศิลปะเป็นที่รู้กันดีว่ามีตัวอย่างมากมายเมื่อตัวละครที่ดูเหมือนไม่มีนัยสำคัญภายใต้มือของอาจารย์เติบโตขึ้นเป็นประเภทศิลปะที่มีพลังทั่วไปที่ยิ่งใหญ่กลายเป็นข้อเท็จจริงที่สำคัญของศิลปะ ความลึกซึ้งของความคิดเชิงกวีของศิลปินความสามารถในการเชื่อมโยงประเภทที่เลือกเข้ากับระบบความสัมพันธ์ทางสังคมทั้งหมดส่องให้เห็นตัวละครที่เฉพาะเจาะจงด้วยเนื้อหาทั่วไปความคิดทางศิลปะที่สำคัญดูในคุณลักษณะปกติที่ปรากฎองค์ประกอบของหลักการมนุษย์ "นิรันดร์" เงื่อนไขที่สำคัญที่สุดในการสร้างประเภทศิลปะ

การแก้ปัญหาที่ครอบคลุมเกี่ยวกับประเภทศิลปะนั้นลึกซึ้งขึ้นพร้อมกับการพัฒนาศิลปะและสังคม ศิลปะแห่งศตวรรษที่ XX นำเสนอแง่มุมใหม่ ๆ ของปัญหานี้ ความสัมพันธ์พื้นฐานระหว่างแนวคิดของความเป็นแบบฉบับและศิลปะยังคงไม่สั่นคลอน แต่การค้นพบทางศิลปะใหม่ ๆ ในขอบเขตของประเภทสังคมที่เปลี่ยนแปลงต้องการแง่มุมใหม่ของการตีความสมัยใหม่ทั้งเนื้อหาทางประวัติศาสตร์ที่เป็นรูปธรรมของประเภทศิลปะและรูปแบบใหม่และวิธีการแสดงออกทางศิลปะ

ไอ. พี. พาฟลอฟ ระบุกิจกรรมทางประสาทที่สูงขึ้นในมนุษย์สี่ประเภทซึ่งมีพื้นฐานมาจากแนวคิดเกี่ยวกับความสัมพันธ์ระหว่างกระบวนการกระตุ้นและการยับยั้ง ดังนั้นเขาจึงนำ "พื้นฐานทางสรีรวิทยา" มาใช้ภายใต้คำสอนโบราณ ฮิปโปเครตีสเกี่ยวกับนิสัยใจคอ

"และ. P. Pavlov ในกระบวนการพัฒนาทฤษฎีปฏิกิริยาตอบสนองแบบปรับอากาศได้หยิบยกบทบัญญัติหลายประการซึ่งแนวคิดของ "การกระตุ้น - การยับยั้ง" ของกระบวนการทางประสาทและ "คุณสมบัติ" ของระบบประสาท (NS) มีบทบาทสำคัญในการทำความเข้าใจพื้นฐานทางประสาทสรีรวิทยาของอารมณ์ เขาเปิดเผยคุณสมบัติดังกล่าวสามประการ ได้แก่ "ความแข็งแกร่ง" "ความสุขุม" และ "ความคล่องตัว"

ความแข็งแกร่งของ NS ทำหน้าที่เป็นตัวบ่งชี้ประสิทธิภาพความทนทานของเซลล์ประสาทและ NS โดยทั่วไป NS ที่แข็งแกร่งสามารถทนต่อโหลดที่มีขนาดและระยะเวลาได้มากกว่าขนาดที่อ่อนแอ NS ที่แข็งแกร่งสามารถต้านทานการพัฒนาของการยับยั้งที่ยอดเยี่ยม ในเวลาเดียวกัน IP Pavlov ได้แยกพารามิเตอร์ของแรง NS ออกเป็นสองคุณสมบัติที่เป็นอิสระ - "แรงกระตุ้น" และ "แรงแห่งการยับยั้ง"

สมดุล NS เป็นตัวบ่งชี้อัตราส่วนของกระบวนการทางประสาทที่กระตุ้นและยับยั้ง

ความคล่องตัว NS - นี่คือความสามารถของระบบประสาทในการตอบสนองต่อการเปลี่ยนแปลงของสิ่งแวดล้อมอย่างรวดเร็วโดยการเปลี่ยนกระบวนการกระตุ้นและการยับยั้งสลับกัน […] »

ตามที่ I.P. Pavlov มีกิจกรรมทางประสาทที่สูงขึ้นสี่ประเภท (VND):

“ 1) แข็งแรงสมดุลเคลื่อนที่ - ร่าเริง;

2) อ่อนแอ - เศร้าโศก;

3) แข็งแรงไม่สมดุล (กระบวนการของความตื่นเต้นเหนือกว่า) - เจ้าอารมณ์;

4) แข็งแรงสมดุลเฉื่อย - วางเฉย

อย่างไรก็ตาม IP Pavlov เองก็ระมัดระวังเกี่ยวกับการเปรียบเทียบโดยตรงดังกล่าว ยิ่งไปกว่านั้นเขาตระหนักดีว่าไม่มีประเภท "บริสุทธิ์" ในความเป็นจริงสันนิษฐานว่ามี GNI ประเภทกลาง ควรระลึกไว้เสมอว่างานของ I.P. Pavlov และผู้ทำงานร่วมกันของเขาในการกำหนดประเภทของ GNI นั้นขึ้นอยู่กับการทดลองกับสัตว์เท่านั้น Ivan Petrovich เป็นหนึ่งใน Pavlovian Wednesdays ที่มีชื่อเสียงของเขา (การประชุมที่อุทิศให้กับการอภิปรายปัญหาต่างๆของวิทยาศาสตร์ทางสรีรวิทยาโดยไม่เสียค่าใช้จ่าย) แม้จะเน้นย้ำเป็นพิเศษถึงความเป็นไปไม่ได้ที่จะถ่ายโอน GNI ให้กับมนุษย์

ดังนั้นพวกเขาจึงเสนอประเภทของบุคลิกภาพของบุคคลอย่างไรก็ตามโดยคำนึงถึงลักษณะเจ้าอารมณ์ไม่มากนักเช่นความโน้มเอียงและความสามารถ:

1) ประเภทการคิด (การครอบงำของระบบสัญญาณที่ 2 นั่นคือการพึ่งพาการมีปฏิสัมพันธ์กับสิ่งแวดล้อมโดยส่วนใหญ่เป็นการคิดเชิงแนวคิดและการพูด)

2) ประเภทศิลปะ (การครอบงำของระบบสัญญาณที่ 1 นั่นคือการพึ่งพาการมีปฏิสัมพันธ์กับสิ่งแวดล้อมส่วนใหญ่อยู่ที่การรับรู้และการคิดเชิงจินตนาการ)

3) ประเภทกลาง (ระดับกลาง)».

Nikandrov V.V. , จิตวิทยา, M. , "TK Welby"; “ ผู้มุ่งหวัง”, 2550, น. 747 และ 748

อาชีพที่ทำงานมุ่งเป้าไปที่วัตถุทางศิลปะหรือเงื่อนไขในการสร้างสรรค์ อาชีพทั้งหมดในประเภท "บุคคล - ภาพศิลปะ" สามารถแบ่งออกเป็นประเภทย่อย ๆ ตามประเภทการแสดงความเป็นจริงทางศิลปะที่แตกต่างกันในอดีต .

1. วิชาชีพศิลปะ
2. อาชีพที่เกี่ยวข้องกับกิจกรรมดนตรี
3. วิชาชีพที่เกี่ยวข้องกับกิจกรรมวรรณกรรมและศิลปะ
4. วิชาชีพที่เกี่ยวข้องกับการแสดงและกิจกรรมบนเวที

ประเภทย่อยที่ระบุไว้ไม่ได้ จำกัด จากกันและกันอย่างเคร่งครัดและมีความเกี่ยวพันกันมากหรือน้อย
การแสดงออกและรูปแบบของศิลปะครั้งแรก (ภาพเพลงการเต้นรำ) ในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาตินั้นไม่ได้ใช้งานมาโดยตลอด แต่เป็นเรื่องสาธารณะที่สำคัญที่สุด - ผลงานของส่วนรวม เพลงกำหนดจังหวะของการทำงานร่วมกันหรือสร้างอารมณ์ที่จำเป็น (เศร้าโศกสนุกสนานหรือต่อสู้) การวาดภาพหรือการเต้นรำที่กำหนดและระบุความตั้งใจเป้าหมายแผนการทำหน้าที่เป็นการเตรียมการสำหรับการล่าสัตว์การต่อสู้ ฯลฯ ศิลปะเกี่ยวข้องกับการช่วยเหลือชีวิตของสังคมแรงงาน

ในกระบวนการของการพัฒนามนุษย์การผลิตคุณค่าทางศิลปะถูกแยกออกจากการผลิตคุณค่าทางวัตถุ ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะปรากฏตัว พวกเขาตอบสนองความต้องการทางวัตถุด้วยค่าใช้จ่ายของผู้ที่ทำงานในสาขาเกษตรกรรมอุตสาหกรรมและในทางกลับกันก็นำคุณค่าทางสุนทรียภาพมาเป็นสาเหตุร่วม

มีการแลกเปลี่ยนสินค้าแรงงานตามธรรมชาติ แน่นอนว่าในบางครั้งจะมี "เปียโนที่บ้าคลั่ง" ปรากฏขึ้นซึ่งเริ่มคิดว่า "มันเล่นเพื่อตัวมันเอง" กล่าวอีกนัยหนึ่งก็คือความคิดที่ดูเหมือนว่าศิลปะเป็นสิ่งที่ยอดเยี่ยม ("ศิลปะเพื่อศิลปะ" ฯลฯ ) นี่ไม่ใช่ตำแหน่งที่มีไหวพริบมากไปกว่าการที่ใครบางคนประกาศว่า: "อุตสาหกรรมเพื่ออุตสาหกรรม" "การเลี้ยงผึ้งเพื่อการเลี้ยงผึ้ง" ฯลฯ ไม่สามารถเข้าถึงทักษะในด้านใดก็ได้ อย่างไรก็ตามไม่ใช่ในทุกพื้นที่ที่จะแสดงเอฟเฟกต์ที่งดงาม ดังนั้นไม่ใช่ว่าทุกพื้นที่ของแรงงานจะเป็นเงื่อนไขเดียวกันสำหรับ "ความภาคภูมิใจ" ที่จะครอบครองบุคคล

คุณสมบัติประการหนึ่งของอาชีพประเภทนี้คือต้นทุนแรงงานของพนักงานในสัดส่วนที่สำคัญยังคงซ่อนอยู่จากผู้สังเกตการณ์ภายนอก ยิ่งไปกว่านั้นมักมีความพยายามเป็นพิเศษเพื่อสร้างผลกระทบของความสว่างความสะดวกในการใช้แรงงานขั้นสุดท้าย ดังนั้นการแสดงของศิลปินจึงสามารถดำเนินต่อไปในที่สาธารณะได้เป็นเวลาหลายนาที แต่เพื่อให้มันเกิดขึ้นศิลปินทุกวันและหลายชั่วโมงทำงานเพื่อปรับปรุงและรักษาทักษะของเขาในระดับที่กำหนดปฏิบัติตามระบอบการปกครองพิเศษอย่างเคร่งครัด ฯลฯ

เมื่อเลือกเส้นทางสายอาชีพที่เหมาะสมสิ่งสำคัญคือต้องคิดถึงงานด้านนี้โดยปริยายซึ่งอาจกลายเป็นราคาที่ไม่สามารถทนได้ที่จะจ่ายเพื่อความสำเร็จ เพื่อให้งานนำมาซึ่งความพึงพอใจสิ่งสำคัญคือต้องปลูกฝังระดับการเรียกร้องที่เป็นจริงสำหรับการรับรู้ของสาธารณชน (อย่าอ้างว่าได้รับการยอมรับมากเกินกว่าที่คุณสมควรได้รับสำหรับผลลัพธ์ที่แท้จริงของกิจกรรมของคุณ) อย่างไรก็ตามนี่ไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะประสบความสำเร็จหากมีใครบางคนได้รับการยกย่องจากใครบางคนแล้ว บุคคลที่มีการอ้างสิทธิ์ในระดับที่ไม่สมจริงจะขับไล่ความคิดที่ว่าสาเหตุที่แท้จริงของการขาดความสำเร็จที่ดังก้องอยู่ในตัวเขาเอง เขามีแนวโน้มที่จะอธิบายถึงความล้มเหลวจากการกระทำของคนอื่น ("แทรกแซง" "อย่าให้ข้อความ" "อิจฉา" "ช้าลง" ฯลฯ )

ประเภทย่อยของวิชาชีพเช่น "มนุษย์ - ภาพศิลป์"

• วิชาชีพศิลปะ:

วอลเปเปอร์จิตรกร, ช่างปูน, ช่างภาพ, จิตรกรของเล่น, นายพราน, ช่างแกะสลักไม้, เครื่องตัดเม็ดมีด, ช่างแต่งหน้า, นักออกแบบแสง, ช่างซ่อม, นักออกแบบการผลิต

• อาชีพทางดนตรี:

จูนเนอร์เปียโน, นักดนตรี, นักร้อง, ศิลปินวงออเคสตรา, จูนเนอร์ของเล่นดนตรี